经典艺术论文范文

经典艺术论文范文第1篇

试论艺术欣赏在职业教育中的作用及意义

摘要：职业教育中开设艺术欣赏课程，把艺术教育融入职业教育中，能够激发学生的学习兴趣，丰富学生生活，对提高学生的自身修养和整体素质具有重要意义和作用。

关键词：艺术欣赏;职业教育;作用及意义

随着经济的发展和社会用人需求水平的提高，现代职业教育领域中，人才培养目标不仅仅是培养在生产、服务一线工作的专业技能型人才，具有一定的艺术欣赏能力和艺术特长的学生在就业上往往会占有更大的优势。因此，很多职业教育学校纷纷开设艺术欣赏课程来培养学生的艺术修养和艺术素养能力，注重学生审美能力和创造力的培养，从而提高学生的艺术水平和文化内涵，培养学生在社会中的竞争力。本文从职业教育院校学生的艺术欣赏现状出发，探讨艺术欣赏对推进职业教育起到的重要作用及意义。

1 职业教育院校艺术欣赏现状

职业教育作为高等教育的重要组成部分，不仅要求学生具有较强的专业技术能力，还要求学生具有健康的身心素质，同时还要具备欣赏和创造美的能力。因此，对于职业教育学生全面素质能力的培养，良好的艺术欣赏能力是不可或缺的。虽然很多职业院校开设了艺术欣赏课程，但职业教育院校学生的艺术欣赏能力仍存在着以下几种情况：

(1)艺术素养不高。职业教育院校的学生多来自中小城市或农村地区，由于经济条件的影响，生活水平低，群众对精神生活的要求不高，艺术覆盖面差，很多学生来只有在进入大学后才有机会接触到电影、戏剧、画展和音乐会等多种形式的艺术门类和艺术作品，因而导致职业院校学生艺术基础差，艺术素养相对不高。

(2)审美和欣赏能力落后。由于经济和文化环境影响，大中城市和城乡间在艺术课程的教育水平上存在极大的差异，加上家庭对艺术的重视程度和学校师资力量等条件的影响，学生对艺术基础知识和艺术常识了解甚少，只能通过电视或网络的方式来获取信息。然而电视或网络多样的艺术和娱乐形式经常是高雅与低俗并存，职业院校的学生在年龄上和心理上正是世界观和审美观形成的阶段，分辨能力有限，很容易被一些低俗的、感官刺激的事物所吸引，进而导致学生对艺术的审美和欣赏能力较为落后。

(3)想象力和创造力差。城镇的一些艺术教育培训机构基础相对较为薄弱，专业的艺术教育工作者较为缺乏，因而学生很少有机会接触正规的艺术课程教育，往往只是学习一些通俗的艺术门类，如音乐、美术等艺术方面的培训。教师在培训过程中也仅仅是以唱歌或画画的方式来教学，忽视学生想象力和创造力的发展。学生们虽然在唱歌和画画，但真正能够从音乐和美术的角度去理解知识的学生少之又少，艺术欣赏就更无从谈起了。思维方式较为守旧，难以激发学生在艺术方面的想象力和创造力。

2 艺术欣赏在职业教育中的作用及意义

开设艺术欣赏课程能够提高职业教育学生的艺术鉴赏能力和艺术审美能力，从而净化思想、完善品格、陶冶情操和促进身心健康发展，提高学生的艺术修养和综合素质，让学生的精神境界得到升华，自身得到美化。

(1)艺术欣赏有助于职业院校的素质教育。素质教育不仅包括专业知识和综合技能的培养，更重要的是培养学生在思想道德、个性发展、身心健康等方面综合素质。素质教育有助于学生塑造高尚的道德品质，确立正确的人生观、世界观及价值观。研究发现，艺术欣赏能力在职业教育院校学生综合素质培养方面起到得天独厚的作用。职业院校的学生普遍分数不高，加之很多学生来自一些中小城镇或经济条件差的地区，上大学之前很少接触多样的艺术门类和艺术活动，因而艺术素养不高。艺术欣赏课程作为职业教育院校培养高素质、高技能人才的重要途径，注重学生审美情趣的培养，让学生在丰富多彩的活动中发挥一技之长，能够在陶冶情操的同时，潜移默化地提高学生的个人修养和综合素质，为完成职业教育的人才培养目标奠定坚实的基础。

(2)艺术欣赏能够开阔学生视野，丰富学生业余生活。艺术欣赏一方面让学生在课堂上开阔眼界，拓宽思维，提高学习兴趣和学习热情，扩大知识领域;另一方面，也极大地丰富了学生的业余生活，提高了学生的精神境界，让学生的精神生活更加充实。艺术欣赏就像将一粒美的种子种植于学生的心田中，这粒种子在学生的心中生长开花，让学生一生的精神生活丰富多彩。艺术欣赏课最直接的作用就是让学生以艺术的眼光和态度去看待和欣赏周围的事物，进而去发现美、欣赏美和不断地追求美。

(3)艺术欣赏有助于学生身心健康教育。研究发现，艺术欣赏能够使人精神愉悦，能够净化心灵，增进健康。例如，优美的音乐旋律能够刺激人的神经系统，让人心情舒畅，解除疲劳。再如，美好的画面能够让人视觉愉悦，放松心情。现代大学生的学习负担较重，身体和心理承受的压力较大，枯燥乏味的专业课让学生长期处于精神紧绷的状态，这些情况极易引起学生情绪波动，导致学生身心发展不平衡。因此，职业教育院校开展艺术欣赏课，能让学生在紧张的学习生活中得到精神的放松，通过欣赏、鉴赏优秀的艺术作品，能够培养学生的艺术兴趣，让学生在欣赏的过程中形成健康的审美意识，进而让学生的身心得到健康发展。

经典艺术论文范文第2篇

【摘要题】科技与文艺

【正文】

文化等级秩序的制度化和艺术对意义的深度追求，是构成传统语境中确认艺术经典的基本依据。然而，在伴随现代科技发展而出现的后现代文化中，却存在一种消解传统文化等级秩序和深度追求的倾向。伴随高雅文化在后现代文化中的淡出，艺术已经走入一个无经典的，或者说无从确认经典的时代。面对这样一幅现实艺术景观，我们不得不思考，艺术是否真的不再需要经典。如果说经典的实质在于它代表并维系着艺术作为艺术而不可能为其他物品所取代的独特价值，那么这个问题的另一种提法甚至可以表述为，人类是否不再需要艺术？

提出这样的问题并非多余。现代科技，尤其是以信息革命为代表的高新技术发展方兴未艾，以此为动力的经济全球化进程正在加快。这说明作为后现代文化重要特征的媒体化生活和消费性艺术，至少在可以预期的未来仍将是现代人文化生活的重要方式；况且在科技与市场的互动关系中不断注入的高新技术含量，将使它变得越来越新颖和宜人。在这样的时代趋势中，波德里亚所说的那种只与它的有限主体联系的“稀缺、珍贵、惟一的物品”，（注：〔法〕鲍德里亚：《消费社会》，第115页，南京大学出版社，2000年。）即真正的艺术作品，是否还会存在？它是否会像我们已经看到的那样，一直“朝着另一种论述（即商品与消费）滑去”，（注：〔法〕鲍德里亚：《消费社会》，第112页，南京大学出版社，2000年。）并最终在生活艺术化的符号碎片中消解成一堆泡沫？

基于这样的认识来看高新技术时代经典艺术的命运，我们会发现：尽管高新技术的发展及对经济、文化的巨大影响，危及到经典艺术的生存。但是，人们对经典艺术的追求仍在以新的形式表现出来，适应文化变迁需要的新的经典确认原则正在形成，信息技术的内容革命则将为经典艺术提供崭新的生存与发展空间。

当代全球性的高新技术热潮兴起于20世纪70年代后期，尤其是90年代以来，高新技术向商品化、产业化、国际化方向发展，不仅引起了相关技术和产业的不断变化，而且引起了生产方式、经济结构、思想观念、社会生活等各方面的深刻变化。这其中最引人注目的，是由信息业，尤其是被称为第四媒体的网络业的巨大发展而变得明朗、敏感和尖锐起来的“全球化”问题。

美国是现代信息技术的发源地和最先进的国家。美国人成功地将自己的技术优势迅速转换成巨大的经济效益，而作为这种转换中介和目的的，却是文化。一项统计数据显示，美国控制了全球75%的电视节目的生产和制作，使不少第三世界国家的电视台成为美国电视的转播站；当今传播于世界各地的新闻，90%以上由美国和西方国家垄断；美国电影产量仅占全球电影总产量的7%，却占据了全球电影总放映时间的一半以上。这些美国文化产品在占领别国文化市场的同时，也输入美国的文化价值观，对别国文化构成明显冲击。这种现象引起我们如下思考：

一是信息殖民问题。托夫勒曾预言：“谁掌握了信息，控制了网络，谁就将拥有整个世界。”可见对信息网络的控制绝不单纯是为了获取经济利益，它还必然伴随一种新型的文化殖民。目前英语文化，尤其是美国文化，凭借先进的传播技术在全球范围内形成了新的文化霸权。这不仅对发展中国家构成威胁，对一些发达国家同样构成威胁。法国司法部长雅克·图邦认为，英语占主导地位的互联网是一种“新形式的殖民主义”。为此，法国人曾通过一项法律，要求在法国互联网上进行广告宣传的文字必须译成法语。当时的法国总理希拉克就提出，这是“要确保莫里哀和加缪的语言不在信息高速公路上漏掉”。人们已经意识到，在技术层面日益趋同的形势下，文化才是一个民族的身份证。

二是文化产业与信息产业汇流问题。现代信息技术数字革命不仅带来了信息产业的新面貌，也带来了文化产业的新生机，它使这两个现代社会的标志性产业走到一起，并合成一体。实现这种融合的第一步是传媒汇流，即由数字技术作为一切信息传媒形态的技术基础而为与信息相关的一切产业提供一个统一的平台，大众传媒、通信和信息业因此而汇合为一，通过统一的宽带系统，为用户提供服务。20世纪90年代以来，美国及欧洲发达国家已基本解除了传媒业、通信业、信息业之间传统的行业管理壁垒，以及各国之间对传媒业的管理壁垒，完成了适应信息社会要求的第一次制度创新。如果说这还只是一种形式革命的话，那么接下来的必然趋势将是对内容革命的呼唤，信息社会也因此进入第二次制度创新阶段，即实现文化产业与信息产业的汇流。

面向高新科技时代促进文学艺术发展－－信息革命对经典艺术的召唤

在这方面，美国人再次走在世界前列。美国虽然没有什么文化遗产，却率先将“内容产业”纳入商业和产业化轨道。通过1997年“北美行业分类系统”的颁布，美国已向世人宣布了他们将信息内容，特别是文化内容，作为信息产业的主体。由此来看美国文化的信息殖民问题，大概没人再相信它只是一种经济行为了。认识到这一点的世界各国都在力争后来居上，要在信息全球化本身就含有的文化全球化过程中抢占制高点。欧洲小国芬兰以拥有诺基亚这样的信息产品品牌而在信息技术方面处于世界前列，而正是在它的倡议下，欧洲文化产业发展框架性合作计划于2000年启动。我们可以从1999年欧盟文化部长的一次非正式会议文件中看出这项合作计划的动机：“商业压力和由此而来的内容贫乏，而不是文化的多样性，是存在于我们这个日益发展的由数字电视造成的广播时代自身中的固有威胁。可靠而高水平的公共服务应该是欧洲的竞争优势所在。保存欧洲人的文化认同至关重要。如果没有有价值的内容，技术的未来发展是没有意义的，这是新千年的最大挑战。”面对这种世界性的文化产业与信息产业的汇流趋势，经典艺术的命运又将如何？我认为，这场信息技术的内容革命既为经典艺术提供了崭新的生存与发展空间，也要求我们把握机遇创作出具有鲜明中国气派和深厚文化底蕴的经典作品，为“世界文学”的建设作出应有的贡献。

论文面向高新科技时代促进文学艺术发展－－信息革命对经典艺术的召唤来自

首先，作为文化重要代表的经典艺术，将在建立多元文化平等交流、理解与融合基础上的“世界文学”过程中发挥突出作用。应当说，不同文明或文化之间本身并不存在对抗的必然性，引起对抗的原因主要有两个：一是由各种因素造成的相互之间的误解乃至敌视；二是某种文明或文化试图凭借某种强权推销自己而消除异类。在当代世界文化格局中，这两种现象依然存在，而尤以后者更为突出。这使得加强多元文化之间的平等交流和理解的呼声也越来越强烈。最能有效实现这种交流和理解的文化载体，正是文艺作品。

早在马克思与恩格斯提出“世界文学”主张的二十年前，歌德曾与爱克曼谈起他读了一本中国传奇后的感受。他说，这部书“并不像人们所猜想的那样奇怪。中国人在思想、行为和情感方面几乎和我们一样，使我很快说感到他们是我们的同类人，只是在他们那里一切都比我们这里更明朗，更纯洁，也更合乎道德。在他们那里，一切都是可以理解的，平易近人的，没有强烈的和飞腾动荡的诗兴，因此和我写《赫尔曼与窦绿台》以及英国理查生写的小说有很多类似的地方。他们还有一个特点，人和大自然是生活在一起的……”当爱克曼问到这是否是中国最好的作品，歌德说：“绝对不是，中国有成千上万这类作品，而且在我们的远祖还生活在野森林的时代就有这类作品了。”歌德之所以对中国的一部普通作品都如此重视，是因为他既从中感受到人类心灵相通的深邃与博大，也意识到与此相比，坚持一种狭隘的民族文化立场显得多么可笑。因此他说：“民族文学在现代算不了很大的一回事，世界文学的时代已快来临了。现在每个人都应该出力促使它早日来临。不过我们一方面这样重视外国文学，另一方面也不应拘守某一种特殊的文学，奉它为模范……对其他一切文学我们都应只用历史眼光去看。碰到好的作品，只要它还有可取之处，就把它吸收过来。”（注：〔德〕爱克曼辑录：《歌德谈话录》，第112-114页，人民文学出版社，1978年。）

歌德的意思很明白，“世界文学”并不是对民族文学的否定，而是强调各民族文学应当在相互交流中用一种更开阔的眼界去吸收其他民族文学中的优秀内容来丰富和发展自身。在文化全球化已被信息全球化浪潮裹挟而至的今天，这种观点尤其值得重视。文化全球化不是文化的类同化、均质化，而应是消除时空障碍之后的多元文化之间的平等交流、理解与融合。如果说由于种种原因而使当年的歌德未能接触到中国最好的作品，那么在由数字平台所构筑的世界文化大舞台上，我们有什么理由不去将它们展现在世人面前，让全世界都分享到这份人类精神的伟大遗产。这正是在创造一种多元文化融合的“世界文学”过程中，我们的竞争优势所在。

其次，应当提倡和强化当代中国文艺家的文化使命感和经典意识，创作出具有鲜明中国气派和深厚文化底蕴的艺术作品，去参与多元文化融合的全球化竞争。德国前总理施密特在其近著《全球化与道德重建》中指出，席卷全球，从欧洲直到中国、日本和印尼边远城市的“娱乐工业所促成的低档次电视节目，尤其是极其廉价的乃至十分不良的节目的全球化正危害各国的文化传统”，听任其发展，“我们将坐吃山空，变得退化，成为那种面向收视率、广告收入和销售指标并追求大众效应的低水准伪文化的牺牲品”。要改变这种状况，我们除了应当重视民族伟大文化成就和价值的传承，也应当重视培养新的有价值的民族文化的创造能力，“这种能力可以表现于文学、戏剧、哲学、音乐、绘画、雕塑、建筑、思想科学等各个方面……而这样做的前提是意识到我们所面临的危险”。（注：〔德〕赫尔穆特·施密特：《全球化与道德重建》，第62页，社会科学文献出版社，2001年。）从当前中国文艺的创作实际来看，这种危险主要来自两个方面：

面向高新科技时代促进文学艺术发展－－信息革命对经典艺术的召唤

一、对民族性与世界性的关系缺乏正确把握，就像歌德所反对的那样，在重视外国文学的时候，拘守于某一种特殊的文学，奉它为模范，结果是失去了自身的民族文化特色。作家邱华栋曾尖刻但不乏深刻地指出，今天中国“几乎每一个‘走红’的‘现代派’、‘先锋作家’、‘前卫作家’的背后，都站着一个西方文学大师，而这些作家们则像个侏儒一样站在大师的前面，费力但悲壮地贡献出了他们的杂交汉语文学变种文本”。（注：邱华栋：《影响下的焦虑与抗争》，《城市的面具》，第117页，敦煌文艺出版社，1997年。）事实上，只有坚持创作的民族文化特色，向人们展示世界一隅的独特生活，引起人们的关注和理解，这样的作品才会真正具有世界性的意义与价值。

二、在深度追求与世俗追求之间做片面取舍。创作应当面向大众，反映他们的生活，表现他们的情感；但同时也应当有更高的追求，那就是要能同时展现出生活的意义和价值，或是成为人们理解这种意义和价值的“可以想象的暗指”。这是对文艺作为一种文化的根本要求。怀特就曾指出：“人（用文化的象征含义）建设了一个可以生活的世界……一层文化的纱幕垂在人和自然之间，不透过这层纱幕，人什么也看不见……渗透的是话语的精髓：是超出感觉的意义和价值。除去感觉之外，支配人的还有这些意义和价值，而且它们常常比感觉对人的作用更重要。”（注：转引自〔英〕麦克尔·卡里瑟斯：《我们为什么有文化》，第38页，辽宁教育出版社，1998年。）

经典艺术论文范文第3篇

【正文】

文化等级秩序的制度化和艺术对意义的深度追求，是构成传统语境中确认艺术经典的基本依据。然而，在伴随现代科技发展而出现的后现代文化中，却存在一种消解传统文化等级秩序和深度追求的倾向。伴随高雅文化在后现代文化中的淡出，艺术已经走入一个无经典的，或者说无从确认经典的时代。面对这样一幅现实艺术景观，我们不得不思考，艺术是否真的不再需要经典。如果说经典的实质在于它代表并维系着艺术作为艺术而不可能为其他物品所取代的独特价值，那么这个问题的另一种提法甚至可以表述为，人类是否不再需要艺术？

提出这样的问题并非多余。现代科技，尤其是以信息革命为代表的高新技术发展方兴未艾，以此为动力的经济全球化进程正在加快。这说明作为后现代文化重要特征的媒体化生活和消费性艺术，至少在可以预期的未来仍将是现代人文化生活的重要方式；况且在科技与市场的互动关系中不断注入的高新技术含量，将使它变得越来越新颖和宜人。在这样的时代趋势中，波德里亚所说的那种只与它的有限主体联系的“稀缺、珍贵、惟一的物品”，（注：〔法〕鲍德里亚：《消费社会》，第115页，南京大学出版社，2000年。）即真正的艺术作品，是否还会存在？它是否会像我们已经看到的那样，一直“朝着另一种论述（即商品与消费）滑去”，（注：〔法〕鲍德里亚：《消费社会》，第112页，南京大学出版社，2000年。）并最终在生活艺术化的符号碎片中消解成一堆泡沫？

基于这样的认识来看高新技术时代经典艺术的命运，我们会发现：尽管高新技术的发展及对经济、文化的巨大影响，危及到经典艺术的生存。但是，人们对经典艺术的追求仍在以新的形式表现出来，适应文化变迁需要的新的经典确认原则正在形成，信息技术的内容革命则将为经典艺术提供崭新的生存与发展空间。

当代全球性的高新技术热潮兴起于20世纪70年代后期，尤其是90年代以来，高新技术向商品化、产业化、国际化方向发展，不仅引起了相关技术和产业的不断变化，而且引起了生产方式、经济结构、思想观念、社会生活等各方面的深刻变化。这其中最引人注目的，是由信息业，尤其是被称为第四媒体的网络业的巨大发展而变得明朗、敏感和尖锐起来的“全球化”问题。

美国是现代信息技术的发源地和最先进的国家。美国人成功地将自己的技术优势迅速转换成巨大的经济效益，而作为这种转换中介和目的的，却是文化。一项统计数据显示，美国控制了全球75%的电视节目的生产和制作，使不少第三世界国家的电视台成为美国电视的转播站；当今传播于世界各地的新闻，90%以上由美国和西方国家垄断；美国电影产量仅占全球电影总产量的7%，却占据了全球电影总放映时间的一半以上。这些美国文化产品在占领别国文化市场的同时，也输入美国的文化价值观，对别国文化构成明显冲击。这种现象引起我们如下思考：

一是信息殖民问题。托夫勒曾预言：“谁掌握了信息，控制了网络，谁就将拥有整个世界。”可见对信息网络的控制绝不单纯是为了获取经济利益，它还必然伴随一种新型的文化殖民。目前英语文化，尤其是美国文化，凭借先进的传播技术在全球范围内形成了新的文化霸权。这不仅对发展中国家构成威胁，对一些发达国家同样构成威胁。法国司法部长雅克·图邦认为，英语占主导地位的互联网是一种“新形式的殖民主义”。为此，法国人曾通过一项法律，要求在法国互联网上进行广告宣传的文字必须译成法语。当时的法国总理希拉克就提出，这是“要确保莫里哀和加缪的语言不在信息高速公路上漏掉”。人们已经意识到，在技术层面日益趋同的形势下，文化才是一个民族的身份证。

二是文化产业与信息产业汇流问题。现代信息技术数字革命不仅带来了信息产业的新面貌，也带来了文化产业的新生机，它使这两个现代社会的标志性产业走到一起，并合成一体。实现这种融合的第一步是传媒汇流，即由数字技术作为一切信息传媒形态的技术基础而为与信息相关的一切产业提供一个统一的平台，大众传媒、通信和信息业因此而汇合为一，通过统一的宽带系统，为用户提供服务。20世纪90年代以来，美国及欧洲发达国家已基本解除了传媒业、通信业、信息业之间传统的行业管理壁垒，以及各国之间对传媒业的管理壁垒，完成了适应信息社会要求的第一次制度创新。如果说这还只是一种形式革命的话，那么接下来的必然趋势将是对内容革命的呼唤，信息社会也因此进入第二次制度创新阶段，即实现文化产业与信息产业的汇流。

在这方面，美国人再次走在世界前列。美国虽然没有什么文化遗产，却率先将“内容产业”纳入商业和产业化轨道。通过1997年“北美行业分类系统”的颁布，美国已向世人宣布了他们将信息内容，特别是文化内容，作为信息产业的主体。由此来看美国文化的信息殖民问题，大概没人再相信它只是一种经济行为了。认识到这一点的世界各国都在力争后来居上，要在信息全球化本身就含有的文化全球化过程中抢占制高点。欧洲小国芬兰以拥有诺基亚这样的信息产品品牌而在信息技术方面处于世界前列，而正是在它的倡议下，欧洲文化产业发展框架性合作计划于2000年启动。我们可以从1999年欧盟文化部长的一次非正式会议文件中看出这项合作计划的动机：“商业压力和由此而来的内容贫乏，而不是文化的多样性，是存在于我们这个日益发展的由数字电视造成的广播时代自身中的固有威胁。可靠而高水平的公共服务应该是欧洲的竞争优势所在。保存欧洲人的文化认同至关重要。如果没有有价值的内容，技术的未来发展是没有意义的，这是新千年的最大挑战。”面对这种世界性的文化产业与信息产业的汇流趋势，经典艺术的命运又将如何？我认为，这场信息技术的内容革命既为经典艺术提供了崭新的生存与发展空间，也要求我们把握机遇创作出具有鲜明中国气派和深厚文化底蕴的经典作品，为“世界文学”的建设作出应有的贡献。

首先，作为文化重要代表的经典艺术，将在建立多元文化平等交流、理解与融合基础上的“世界文学”过程中发挥突出作用。应当说，不同文明或文化之间本身并不存在对抗的必然性，引起对抗的原因主要有两个：一是由各种因素造成的相互之间的误解乃至敌视；二是某种文明或文化试图凭借某种强权推销自己而消除异类。在当代世界文化格局中，这两种现象依然存在，而尤以后者更为突出。这使得加强多元文化之间的平等交流和理解的呼声也越来越强烈。最能有效实现这种交流和理解的文化载体，正是文艺作品。

早在马克思与恩格斯提出“世界文学”主张的二十年前，歌德曾与爱克曼谈起他读了一本中国传奇后的感受。他说，这部书“并不像人们所猜想的那样奇怪。中国人在思想、行为和情感方面几乎和我们一样，使我很快说感到他们是我们的同类人，只是在他们那里一切都比我们这里更明朗，更纯洁，也更合乎道德。在他们那里，一切都是可以理解的，平易近人的，没有强烈的和飞腾动荡的诗兴，因此和我写《赫尔曼与窦绿台》以及英国理查生写的小说有很多类似的地方。他们还有一个特点，人和大自然是生活在一起的……”当爱克曼问到这是否是中国最好的作品，歌德说：“绝对不是，中国有成千上万这类作品，而且在我们的远祖还生活在野森林的时代就有这类作品了。”歌德之所以对中国的一部普通作品都如此重视，是因为他既从中感受到人类心灵相通的深邃与博大，也意识到与此相比，坚持一种狭隘的民族文化立场显得多么可笑。因此他说：“民族文学在现代算不了很大的一回事，世界文学的时代已快来临了。现在每个人都应该出力促使它早日来临。不过我们一方面这样重视外国文学，另一方面也不应拘守某一种特殊的文学，奉它为模范……对其他一切文学我们都应只用历史眼光去看。碰到好的作品，只要它还有可取之处，就把它吸收过来。”（注：〔德〕爱克曼辑录：《歌德谈话录》，第112-114页，人民文学出版社，1978年。）

歌德的意思很明白，“世界文学”并不是对民族文学的否定，而是强调各民族文学应当在相互交流中用一种更开阔的眼界去吸收其他民族文学中的优秀内容来丰富和发展自身。在文化全球化已被信息全球化浪潮裹挟而至的今天，这种观点尤其值得重视。文化全球化不是文化的类同化、均质化，而应是消除时空障碍之后的多元文化之间的平等交流、理解与融合。如果说由于种种原因而使当年的歌德未能接触到中国最好的作品，那么在由数字平台所构筑的世界文化大舞台上，我们有什么理由不去将它们展现在世人面前，让全世界都分享到这份人类精神的伟大遗产。这正是在创造一种多元文化融合的“世界文学”过程中，我们的竞争优势所在。

其次，应当提倡和强化当代中国文艺家的文化使命感和经典意识，创作出具有鲜明中国气派和深厚文化底蕴的艺术作品，去参与多元文化融合的全球化竞争。德国前总理施密特在其近著《全球化与道德重建》中指出，席卷全球，从欧洲直到中国、日本和印尼边远城市的“娱乐工业所促成的低档次电视节目，尤其是极其廉价的乃至十分不良的节目的全球化正危害各国的文化传统”，听任其发展，“我们将坐吃山空，变得退化，成为那种面向收视率、广告收入和销售指标并追求大众效应的低水准伪文化的牺牲品”。要改变这种状况，我们除了应当重视民族伟大文化成就和价值的传承，也应当重视培养新的有价值的民族文化的创造能力，“这种能力可以表现于文学、戏剧、哲学、音乐、绘画、雕塑、建筑、思想科学等各个方面……而这样做的前提是意识到我们所面临的危险”。（注：〔德〕赫尔穆特·施密特：《全球化与道德重建》，第62页，社会科学文献出版社，2001年。）从当前中国文艺的创作实际来看，这种危险主要来自两个方面：

一、对民族性与世界性的关系缺乏正确把握，就像歌德所反对的那样，在重视外国文学的时候，拘守于某一种特殊的文学，奉它为模范，结果是失去了自身的民族文化特色。作家邱华栋曾尖刻但不乏深刻地指出，今天中国“几乎每一个‘走红’的‘现代派’、‘先锋作家’、‘前卫作家’的背后，都站着一个西方文学大师，而这些作家们则像个侏儒一样站在大师的前面，费力但悲壮地贡献出了他们的杂交汉语文学变种文本”。（注：邱华栋：《影响下的焦虑与抗争》，《城市的面具》，第117页，敦煌文艺出版社，1997年。）事实上，只有坚持创作的民族文化特色，向人们展示世界一隅的独特生活，引起人们的关注和理解，这样的作品才会真正具有世界性的意义与价值。

二、在深度追求与世俗追求之间做片面取舍。创作应当面向大众，反映他们的生活，表现他们的情感；但同时也应当有更高的追求，那就是要能同时展现出生活的意义和价值，或是成为人们理解这种意义和价值的“可以想象的暗指”。这是对文艺作为一种文化的根本要求。怀特就曾指出：“人（用文化的象征含义）建设了一个可以生活的世界……一层文化的纱幕垂在人和自然之间，不透过这层纱幕，人什么也看不见……渗透的是话语的精髓：是超出感觉的意义和价值。除去感觉之外，支配人的还有这些意义和价值，而且它们常常比感觉对人的作用更重要。”（注：转引自〔英〕麦克尔·卡里瑟斯：《我们为什么有文化》，第38页，辽宁教育出版社，1998年。）

经典艺术论文范文第4篇

关键词：红色经典艺术教育；音乐表演专业；实践

2011年百色学院继沈阳音乐学院等五所高校之后第二批被教育部批准为全国“红色经典艺术教育示范基地”之一的大学。对于处在成长中的百色学院艺术系来说正是一个难得的契机。正是在这样的有利环境下，百色学院艺术系开始了大刀阔斧的改革建设和实践探索。经过几年的建设，艺术系逐渐成长起来，为百色学院的发展汇聚了力量，为我院宣传红色经典文化、扩充素质教育内涵、加强艺术学学科专业建设、培养具有“百色起义精神”的、“下得去、留得住、用得上、干得好”的“四得”专门人才发挥了积极作用。

1 红色经典艺术教育融入音乐表演专业的意义

红色经典艺术作品是指在中国在新民主主义革命时期到社会主义建设时期再到改革开放时期的能够传播真理、激发斗志、传播正能量的艺术作品，是中华民族宝贵的精神财富，是当前社会主义精神文明建设和文化建设中的重要组成部分。所以红色经典艺术教育融入音乐表演专业对于音乐教育的意义尤为重要，利用“红色经典”的音乐教育资源对高校大学生进行革命传统教育、爱国教育、集体主义教育，既能增强其民族自尊心、自豪感，又能培养其高尚的情操、良好的品质和坚定的信念。而红色经典艺术教育在音乐表演专业中的融合更是能将戏曲、民歌、舞蹈等音乐舞蹈元素融合起来，为高校音乐教学带来更加多元化的题材，有助于激发高校音乐教学的创新力、对于推动红色经典艺术教育示范基地的建设发挥着重要的作品。

2 红色经典艺术教育在音乐表演专业中的实践成果

百色学院音乐表演专业通过五年的红色经典艺术教育示范基地的建设，目前基地在学科建设、师资队伍和艺术创造及艺术研究建设、艺术实践建设和资源建设上都取得了一定的成绩。

2.1 在学科团队建设方面

音乐与舞蹈学院组建了21人的学科团队，明确了学科带头人和学术带头人。有三人晋升为副高职称，五人晋升为中级职称；培养了2名学科带头人；10 ～ 15名红色经典创造人才；支持教师到美国加州大学、中央民族大学等进行访问5人；经过音乐与舞蹈学院师生的共同努力，学科团队在音乐表演专业得到了较大的发展。

2.2 在课程建设方面

为扎实推进全国红色经典艺术教育示范基地建设，百色学院从2012年起实施了“五个一”工程，其中开设一批以百色起义精神、红色艺术、红色文化等为内容的“红色经典教育”微型通识选修课。从2012年秋季学期开设，“红色经典”系列微型课程全面开课。

2.3 在艺术实践方面

以音乐与舞蹈学院红色合唱团的成立和举办的一系列活动最为突出。合唱作为教育的高级艺术形式，是审美教育中具有普及性、广泛性、实践性等特点。合唱团的成立不仅可以发展大学生的个性特长，锻炼其组织、编创、合作能力，更是在对普及音乐教育和高雅艺术、宣传红色经典音乐和促进大学生全面素质的发展有重要作用。首先体现出了实践性。合唱团自2014年成立以来，除参加学校举办的各种形式的比赛和演出活动。如 “红歌大家唱”、 “百色起义组歌”演唱会等。还参加了广西大学生艺术展演、“红铜鼓”、中国东盟艺术教育成果展演等演出活动有十余场，并取得优异成绩和一致好评。其次体现出革命性和民族性特色。红色合唱团紧密围绕学校红色经典艺术教育示范基地的建设目标要求，打造艺术教育特色专业，在作品改编、创作、舞美设计、宣传等方面无不体现出革命性和民族性特色。

2.4 在红色艺术创作和学术研究方面

在艺术创作上，由音乐表演专业教师编辑出品了《百色起义红色歌曲赏析》、《左右江革命根据地红色歌谣》教材两本，以百色地方民族音乐为素材改编创作的《百色起义组歌》15首。以红色经典艺术教育为主要研究放向的课题获得自治区教育厅科研、教改课题立项2项、校级科研、教改课题立项多项，在核心期刊和省级以上学术刊物上有关红色经典艺术的论文和作品10篇以上。同时，举办了5场红色经典教育学术讲座、参加了2次红色经典艺术教育示范基地的交流活动。

3 红色经典的艺术教育的传承和发扬

在受到当今多元化文化模式的影响，红色经典文化的关注度越来越小，尤其在年轻的一代当中更是不被接受。如何在当前复杂的环境中让红色经典文化成为人们所喜爱的艺术形式，如何在年轻的一代中继续根植红色基因，不忘记红色经典艺术的传承和发展，这是目前摆在高校中尤其是被教育部评为“红色经典艺术教育基地”的学校音乐表演专业教育工作者紧迫的任务。

3.1 转变教学理念，变动教材内容

为使红色经典艺术教育在音乐表演专业中得到发展，首先应该转变传统的教学理念，继续在经典艺术教育的实践中修改教学大纲，确定更为科学合理的办学、教学方向，丰富教学手段。深入挖掘红色经典音乐的文化内涵，丰富红色经典音乐的传承形式。在声乐、舞蹈、钢琴、民乐等课程教学方面继续加入本地丰富的红色经典文化，不断实践和探索，走出一条既具有特色的符合教学规律同时又能受到同学喜爱的课程设置模式。

3.2 树立红色音乐的研究、旅游等品牌

百色学院作为全国十一所“红色经典艺术教育基地”之一，相对于其他高校有着得天独厚的优势。在地域上有着丰富的红色文化基因，从理论到实践再到理论是事物发展的规律，我们要在不断研究的同时，成立红色音乐研究中心等学术研究机构，经常性举办红色音乐文化研讨会、学术报告或者交流会等。

红色经典艺术教育在音乐表演专业中能够很好地体现出红色经典文化的内容。同时，音乐表演专业在实施红色经典艺术教育当中又能较好的凸显出其专业的特点并在传承红色文化、发展社会主义精神文明建设中起到越来越重要的作用。发挥高校艺术教育的特长为红色经典文化的继承和发扬做出贡献是高校教育的使命，也是红色经典艺术教育在音乐表演专业实践中的充分体现。

参考文献：

[1] 王颖峰，李红梅.论江西红色文化的品牌发展[J].井冈山学报，2012.

[2] 郝玉超.高校红色经典音乐的传承与教学之我见[J].青年文学家（教育论丛），2013（30）：20.

经典艺术论文范文第5篇

关键词：中国古典舞；身韵；美学

中图分类号：J701 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）08-0174-01

“爱美之心，人皆有之”，在人类自然生活中，人们欣赏美、表达美、追求美。什么是“美”？就像歌德所说：“美如自然一样，丰富多彩。”也就是说，对于美的说法众多，且各不相同。但是都没有说到美的“本质”和“内涵”。科学的含义应该说：美是世界上自然、社会、意识形态的一切事物“好”的总和。

舞蹈艺术是美的艺术，中国古典舞隶属于中国各类舞蹈艺术中，这一舞种最初起源于戏曲舞蹈，体系衍生于当代，最终在中国民族民间传统舞蹈的基础上，经过提炼、整理、加工、创造，以及长期艺术实践的检验流传下来的具有典范意义和古典风格特色的舞蹈，中华的审美与美学智慧造就了中国古典舞的美学思想。

一、中国古典舞的起源与发展

中国古典舞是一个特指的概念，这里的“古典”并不是指“古代”，而是代表着“经典”，中国古代舞蹈艺术经过长期发展最终积累形成的一种具有典范性的表演艺术。20世纪50年代，新中国成立初期，老一辈舞蹈艺术家们开始对中国古典舞蹈进行挖掘与恢复。戏曲舞蹈家欧阳予倩最早提出了“中国古典舞”这一概念，并得到舞界响应由此传开。

中国古典舞集百家之长，即向艺术美学中的各类艺术之长处学习，提高舞蹈艺术的水平和质量。在百花齐放、推陈出新的文艺大花园中，舞蹈艺术向戏曲艺术学舞蹈，向武术学习“精”、“气”、“神”，学手法、眼法、身法、步发、韵律、劲头等，使舞蹈艺术有了飞速的提高。创建者结合中国戏曲、武术的美学理论，概括了中国古典舞的新理论。创建者总结了中国古典舞身韵的四大基本动作要素――“形、神、劲、律”，这四个字高度概括了身韵的全部内涵。形，外部一切动作，包含舞姿造型及其动作连接路线。神，即内在的意蕴，以神领形，起主导支配作用。劲，即处理舞蹈动作长短、轻重、强弱、缓急等特点的力。律，是指动作本身的运动规律。四大要素之间相互协调，经过劲、律达到形神兼备，内外统一。最终确定了“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”的美学规律。

二、中国古典舞的审美意蕴与内涵

中国古典舞有明显的两大美学意蕴：一、回旋、圆转的形势美；二、在舞蹈动作的内在心动中体现和谐与协调之美。

（一）“圆”的形势美。中国古典舞内在的韵律感与意蕴可以用一个“圆”字概括。其运动规律，身体及手臂的运动轨迹都遵循着三种圆形在运动（平圆、立圆与8字圆），这就是著名的“三圆运动”的理论。

中国古典舞通过外部看得见的“形”与路线的“圆”来展现形体的美，演化出形形的体态、千变万化的动作与动作的衔接。“形”作为古典舞之美的传达媒介是形象艺术最基本的特征，是中国古典舞之灵魂。这种“形”贯穿于中国古典舞的典型动作： 大小五花、穿手、云手、大刀花、风火轮、燕子穿林、青龙探爪等等。表现了古典舞者丰富的身法性和鲜明的风格性，极具生命力和艺术表现力。

古典舞“圆”的形势美主要表现为圆、游、变、幻之美，因此，中国古典舞又常以“行云流水”、“龙飞凤舞”、“曲回婉转”、“闪展腾挪”等形象化的词语加以描述与赞誉。中国古典舞身韵中有七大动作元素：“提、沉、冲、靠、含、腆、移”，这些动作的贯穿与运用形成了“逢冲必靠、欲左先右、逢开必合、欲前先后、欲纵必收、欲提先沉”的律韵之态势，派生出古典舞更丰富、更典型的“形”。

（二）内在的“心动”与意蕴美。舞蹈既可用来表现人们的情感，又能表现人们的思想。普列汉诺夫在谈到艺术的主要特点时曾说：“艺术既表现人们的感情，又表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象。”

在中国古典舞中不仅用动作来表达情感，还可以运用演员的丰富的面部表情。在面部直接表现出快乐、悲伤、忧郁等情绪特点，通过夸张修饰过的表情来配合舞蹈动作。中国古典舞中男女的动作是不可混用的，拥有各自不同的体系，从风格上看，男性动作展现阳刚之美，而女性舞蹈动作多表现阴柔之美，反差极大。这就是中国舞蹈文化在舞蹈动作的内在“心动”中体现出一种和谐、协调的意蕴之美。

如今，中国古典舞这一舞种已被世界所认可，具有独立的舞蹈审美价值。中国古典舞作为一种独特的艺术形式，呈现的是状态，展示的是艺术，表达的是情感，蕴含的是文化。它所蕴含的美学意蕴对中国舞蹈文化有着很大的影响，有待我们每个舞蹈工作者更为深入的发掘与探究。

参考文献：

[1]金浩.论中国古典舞的当代审美取向[J].北京舞蹈学院学报，2005.

[2]刘克宁.试论中国古典舞身韵的韵律特征[N].文化艺术报，2006.

经典艺术论文范文第6篇

关键词：艺术学理论；艺术学；中华国学；艺术文献；学科建设

中图分类号：JO 文献标识码：A

一、艺术学与美学

艺术学的研究对象是艺术，美学研究的对象是美感与审美，这是艺术学学科得以独立的根本原因。西方艺术学源于西方美学，从美学之中分离出来，但是又不同于传统的西方美学。中国美学的学科概念来自于西方美学的传人，而中国艺术图书门类目录的建立远远地早于西方美学概念的传入。

西方美学研究具有千年以上的历史，而西方现代艺术学是20世纪之初诞生的一个新学科名称。现代艺术学概念是德国心理学家、美学家马克斯·德索（Max Dessoir）在1906年出版的《美学与一般艺术学》第一卷首次提出，至今仅有百年历史。1920年，欧洲留学归来的宗白华先生在《时事新报·学灯》发表了《美学与艺术略谈》，介绍美学研究六门，其中第五门是谈：

艺术天才底特性及创造艺术底过程。研究古来大艺术家底生平，从他生活史或自传中考察他创造艺术时的心理作用及技艺的运用手段。

宗白华先生从艺术创作、艺术家生平、艺术心理、艺术创作技法四个方面讨论艺术的问题。对艺术的定义是：“人类底一种创造的技能，创造出一种具体的客观的感觉的对象，这个对象能够引起我们精神界的快乐，并且有悠久的价值。”1922年，商务印书馆出版了两江师范学堂毕业、留学日本回国的俞寄凡翻译日本艺术理论家黑田鹏信《艺术学概论》，对美学与艺术学的界定问题明确指出：

所谓艺术学，是把艺术做主要的对象的，所以比较把美做对象的范围来的狭小。但是把艺术彻底研究起来，还是离开美学。叫做艺术学的为是。

黑田鹏信如此简洁的一句话，从研究对象的角度厘清了艺术学与美学之间纠缠不清的关系。当然，对于艺术学的具体研究对象与研究方法还有许多需要探讨的问题，需要拿出具体的研究方法。1925年至1949年宗白华先生在国立东南大学、中央大学讲授《美学》、《艺术学》课程，将艺术学研究的主要方向与课题归纳为：1，什么是艺术学；2，艺术的范围与其他aesthetic活动；3，艺术的起源与进化；4，艺术形式与内涵问题；5，艺术的风格论；6，艺术鉴赏论；7，艺术的范畴；8，艺术的分类问题；9，艺术系统（各种艺术）；10，艺术的相互阐明；11，艺术的功用（Function）。a，人类精神生活的，b，人类社会上的；c，人类伦理上的。宗白华先生从艺术的范畴论、起源论、形式论、风格论、鉴赏论、审美论、分类论、系统论、关系论、功用论十个方面论述艺术学的基本问题，构建了艺术学研究的基本框架。提出的十个论题具有普遍性，至今对中国艺术学研究仍然具有指导意义。

根据宗白华先生提出的艺术学研究方向，艺术学的研究是具体的关于艺术问题的研究，而不是关于美感与什么是美的定义的问题研究。或者说美学是基于哲学思辨的形而上的研究，而艺术学是关于艺术、艺术创作、艺术作品与艺术家具体的形而下的问题研究。

二、我国宋代即有艺术其学

说起来不免有数典忘祖之嫌，中华民族是具有艺术气质的民族，在历史上中国艺术是久有其书，久有其学。中国历史上的礼乐制度，形成了中国艺术的特殊位置，乐舞诗歌从属于儒家的经学。南朝皇帝雅好丹青艺术，至隋唐中原艺术与胡人乐舞的艺术交融，两宋艺术走向文人化、市俗化，由于宋代皇帝对艺术的欣赏，设立皇家画院，编辑《宣和书谱》、《宣和画谱》，艺术图书得到重视，宋代艺术在图书分类的目录中得到独立。依据有三：

其一，宋代李淑，邯郸人，在馆阁中为官，曾经参加《崇文总目》的编目工作，编《邯郸图书十志》，将家藏图书分为五十七类，厘为十志。有经、史、子、集、艺术、道书、书、画八类。艺术与经、史、子、集并列。

其二，南宋史学家、目录学家郑樵《通志·艺文略》，将古今书籍分为十二大类：经类第一，礼类第二，乐类第三，小学类第四，史类第五，诸子类第六，天文类第七，五行类第八，艺术类第九，医方类第十，类书类第十一，文类第十二。

其三，南宋郑樵的族孙郑寅@撰《郑氏书目》七卷，分图书曰经、曰史、曰子、曰艺、曰方技、曰文、曰类共七类。将艺术、方技、文学、类书与经、史、子并列。

以上宋代三家依据具体图书目录情况创新，不守四部分类，将艺术独立为门类。根据中国学术思想“有其书即有其学”，所以说艺术在中国宋代就已经成为学科门类。

两宋时期完善了皇家画院体制，形成了中国特色的书画制度，各种艺术形式普及到市井民间。至元代艺术的地位一落千丈，江南文人没有出路与歌妓同等，将其才华用于了元曲与书画创作。至清代，清统治者崇尚汉学的同时，又例行严酷的文字狱，文人唯以考据学为营生。清代《四库全书》依例将乐属于经学，建筑、园林、工艺见于考工。古琴、书画、篆刻、杂技作为艺术纳入子部，子部艺术有古琴曲谱、书画、篆刻、杂技。南北曲归于集部。

尽管艺术学学科的概念在20世纪上半叶就已经传人我国，但是艺术学科在中国独立成为门类的道路还很漫长。其中主要的原因是中国历史上礼乐一体的传统与重道轻技的认识误区，导致了将礼用于节制人的欲望，以“乐”达到和的效果，艺术成为从属于政治的工具。新中国建立以后，艺术长期属于文学，以文学艺术并称，艺术隶属于文学。改革开放以后，经专家呼吁，哪于2012年艺术学成为独立学科，与文史哲等学科并列。这是一次合乎中国特色的学科门类目录修订，尊重了艺术的本质特征与事物发展的基本规律。

三、中国艺术学与中华国学

“国学”是中国学的简称，以研究中国传统学术。国学不仅仅是经学。经学主要是儒家经典著作，以六艺为主。史部是史学，子部包括诸子、兵家、农家、医家、天文、算法、艺术、以及道释典籍，集部是文学。四部分类法之中，子部文献最杂，突出了经、史、集的地位，形成了现代文史哲正统学术地位，忽视了自然科学、艺术、技术的独立学科地位，这是四部分类法的重大缺陷，文史哲文献编著以四部分类为主，艺术学文献如果按照四部分类，则艺术不能独立成学科门类。章炳麟先生说：

夫国学者，家所以成立之源泉也。吾闻处竞争之世，徒持国学固不足立国矣；而吾未闻国学不兴而国能自立者也。

中华国学有尚书学、史记学、春秋学、通鉴学、谱牒学、堪舆学、方志学、甲骨学、简牍学、金石学、考据学、辨伪学、文献学、敦煌学、郦学、徐学、徽州学等，这些学科都与艺术有直接或间接的联系。中国艺术学的任务是“做中国学术上一小部分彻底研究功夫”的学问。中国艺术学要彻底了解中国艺术文献的源流与传统典籍，了解中国艺术体系与理论体系，了解中外艺术交流的历史，建立中国艺术风格与气派的信心。早在20世纪上半叶，胡朴安《研究国学之方法》就已经将国学研究分为六类：

一、哲理类；二、礼教类；三、史地类；四、语言文字类；五、文章类；六、艺术类。

国学中甲骨学、简牍学、经学、文字学、汉画学、金石学、敦煌学等学科都包含有艺术学研究的内容。敦煌藏经洞出土文献约四五万件，时间上起三国两晋下至北宋历经千余年，内容包括政治、经济、军事、历史、宗教、哲学、天文、地理、民族、文学、艺术等，英国人称其为“中国文献遗存的大宝库”。敦煌以莫高窟为主体的石窟多达550多个，壁画约5万多平方米，壁画、彩塑与经卷、佛画、乐谱等丰富的文献资料构成了世界著名的敦煌学，法国人称敦煌壁画是“墙壁上的图书馆”，段文杰先生说，“敦煌学实际上就是中国学”。中国学包括敦煌学，包括中国艺术学，中国艺术学是系统地整理研究中国艺术的发生、发展、流派、体系、特征的科学。

四、东西方艺术是不同的艺术体系

中国艺术学理论有自己独特的艺术门类与艺术理论体系，东西方艺术的具体内容与涵义有很大的不同，这是建立中国艺术学即具有中国特色的艺术学的基本原因。西方艺术主要是指建筑、雕塑、绘画，以视觉艺术为主。西方艺术一词含义是美的事物的创造或表现，源于拉丁文Art，原意是指相对于自然造化的人工技艺，泛指各种手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的艺术还包括拳术、魔术、医学。现代西方艺术尤其是指视觉艺术如绘画、雕刻等。西方艺术史是建筑、雕塑、绘画的造型艺术史，不包涵音乐、舞蹈、戏剧，更没有东方的书法篆刻艺术，内涵不同体系相异。

西方文艺复兴后的西方艺术接近于自然科学，涉及到透视学、解剖学、数学、色彩学、地形学、建筑学、植物学等自然科学学科。西方研究中国的学问为Sinology，一般译为汉学。中国古代艺术以礼乐一体为特征，强调艺术的社会属性，重视艺术家内心的表现，艺术门类包含建筑、园林、绘画、雕塑、音乐、舞蹈、书法、篆刻、工艺、戏剧、曲艺、杂技等，中国文人士大夫艺术有琴、棋、书、画的传统，有诗、书、画、印合一的倾向。中国古代建筑与雕塑艺术的成就非常高，属于匠作与百工的范畴。现代中国教育体系将建筑隶属于工学院，工科建筑的理念削弱了现代中国建筑的艺术品质。由于宫廷艺术与文人艺术的特殊性，中国古代音乐、书画、古琴、戏剧方面的文献著录非常丰富，自立于世界艺术之林。

中国艺术学学科是建立在中国艺术实践与史料基础上的学科，中国艺术文献是中国艺术学理论研究的基础。中国艺术学研究的对象是中国历代艺术作品、艺术家、艺术流派与艺术风格，研究艺术发展的一般规律以及各门类艺术相互之间的关系，研究艺术的起源、艺术的作用与功能、艺术的历史、艺术的批评和艺术的理论，研究艺术创作的规律与艺术作品的欣赏、艺术作品的评论与历代艺术管理制度。

中国艺术学以研究中国各民族的艺术为己任，比较中国艺术与外国艺术的异同，是肩负创建“代之以新鲜活泼的、为中国老百姓所喜闻乐见的中国作风和中国气派”的艺术学科。艺术是社会生活的反映。不同的时代、不同的国家、不同的民族创造不同风格的艺术。中国艺术与西方艺术创作风格与理论有不同的流派与体系，形成了具有中国特色的艺术理论文献。西方造型艺术注重形体光影色彩的塑造，中国造型艺术注重线条、气韵和神采的表现。西方的绘画讲求立体的表现，中国的绘画较多是平面的表现。从艺术的门类说，西方没有书法、篆刻、古琴艺术门类，中国杂技、中国音乐、中国书法、中国篆刻、中国绘画、中国武术、中国舞蹈、中国建筑、中国园林、中国工艺形成了中国气派、中国气韵、中国艺术风格的艺术形式。中国特色艺术与各民族丰富多彩的民族、民间艺术，共同构成了独立于世界民族艺术之林的中国艺术体系，形成了汗牛充栋的艺术文献。整理研究中国艺术文献，建立中国艺术学是20世纪中国艺术理论界的学科共识。

五、中国艺术学文献的特征与研究方法

近现代以来西学东渐，法国艺术、前苏联艺术、西方现代艺术广为传播，中国传统的建筑、绘画、雕塑、音乐、民间艺术逐渐被肢解为“中国符号”与“中国元素”，中国传统艺术体系面临着碎片化和被解构的危险。建立中国艺术学理论学科研究中国艺术史，研究中国艺术批评体系与管理体系，整理中国艺术文献史料，寻找中华民族艺术之根，塑造中国艺术之魂，保护民族艺术的独特性与多样性的工作迫在眉睫。

《礼记·中庸》说：“天命之谓性，率性之谓道，修道之谓教。”艺术学文献整理工作即是中国艺术学的修道工作。修道工作要在艺术学、以及艺术学文献的教学中展开。中国的玉器艺术、青铜器艺术、漆器艺术、建筑艺术、绘画雕塑艺术、陶瓷艺术、书法篆刻艺术、宗教艺术、民族音乐艺术、舞蹈杂技艺术、武术、戏曲艺术、评话相声艺术、民族服饰艺术、民俗艺术、古琴、书法、篆刻、京剧以及丰富多彩的地方戏剧是中国艺术特有的艺术门类。以气韵论、一画论、写意论、传神论、笔墨论、一体论、品评论等艺术理论形成了中国艺术的独特体系。中国古代艺术本来是一个整体，相互之间有密切的联系。石涛说：

书画图章本一体，老丑精雄贵传神，秦汉相形新出古，今人作意古从新。灵幻只教逼造化，急就草创留天真。非云事迹代不精，收藏鉴赏谁其人。只有黄金不变色。磊盘珠玉生埃尘。

由于现代社会分工的细化，在艺术方面产生了舞台表演的“舞者不歌”，书法艺术的“书者不画”，艺术理论工作者不从事艺术创作实践的现象。中国艺术学关注艺术创作现象整体的研究，中国古代文人往往能够兼诗词、书法、绘画、篆刻、古琴、棋艺诸艺于一身，在文学、书法、绘画、戏剧、音乐诸领域均有涉足。音乐、舞蹈、武术，诗词、书法、印章、国画构成中国艺术的有机整体。顾恺之有“三绝”之誉，王羲之长于书画，王维诗中有画，坡长于诗词、书法、绘画，徐渭在戏剧、绘画、书法、诗词诸方面均有建树，‘郑板桥以诗书画称绝，兼诸艺于一身的文化传统一直延续到近现代，李叔同长于绘画、音乐、戏剧，闻一多长于绘画、书法、篆刻、诗词创作与研究，齐白石长于雕刻、诗词、书法、绘画、印章，丰子恺以漫画、美术史、散文、书法、翻译见长，许幸之涉足诗歌、电影、绘画、艺术理论诸多领域，王朝闻由雕塑创作到艺术理论研究。由于学习前苏联培养单一学科的工具型人才培养模式，艺术的通才大师人物无法出现，艺术理论与艺术实践的分离，使中国艺术进入了缺少艺术通才、缺少艺术大师的特殊时期。

梁启超《中国近三百年学术史》说：“明清之交各大师，大率都重视史学——或广义的史学，即文献学。”中国古代的“文”不仅指文字。司马迁《史记-孔子世家》说孔子：“观殷夏所损益，曰：‘后虽百世可知也，以一文一质。周监二代，郁郁乎文哉。吾从周。’”这里的文是指周代的制度文化。刘勰《文心雕龙》所说的“文”具有图案、形象、文饰等诸多涵义。玉器的图纹造型、彩陶的图纹、青铜器族徽的含义需要多学科的解读与破译。明清的木雕、石雕寓意纹饰都具有广义的艺术文献意义。西南少数民族苗族的服饰图案有“穿在身上的历史”的称誉，其纹饰是图腾崇拜的历史遗存。中国艺术学理论的文献研究，不仅仅是古籍文献的研究，还要关注艺术史料、文物、纹饰、艺术品、艺术家、艺术流派的研究，这些都是艺术学研究的对象，也是艺术学研究与文学、历史学、哲学研究对象的不同之处。

中国艺术学理论研究的对象是艺术作品、艺术创作、艺术流派、艺术家，研究艺术的一般规律。恩格斯说：

旧的研究和思维方法，黑格尔称之为“形而上学的”方法，主要是把事物当做一成不变的东西去研究，它的残余还牢牢地盘踞在人们的头脑中，……事实上，直到上一世纪末，自然科学主要是收集材料的科学，关于既成事物的科学，但是在本世纪，自然科学本质上是整理材料的科学。

同样收集材料与整理材料是中国艺术学研究的基本方法。脱离中国艺术创作实践的艺术学研究，脱离中国艺术文献的艺术学研究，模仿西方美学的艺术学研究，还不是真正意义上的中国艺术学研究。文献是指一切历史性的资料，是朴实学风，收集、整理学科文献与运用文献的方法与途径。中国“文献”一词的出典之处，最早见于儒家经典《论语》。据《论语·八佾》记载，孔子说：

夏礼，吾能言之，杞不足征也；殷礼，吾能言之，宋不足征也。文献不足故也，足，则吾能征之矣。

古籍文献是进行史学研究的先决条件，是学术研究能否进行的首要因素。研究学术要“征文考献”，一方面取证于书本记载，另一方面要拜访贤才，了解当事人的见闻言论，将文字书面知识与社会调查相映证。古代文献的含义，一是指历史资料、典籍档案等文字文献；二是指熟悉历史、掌故的人。前者是已经固化了的“死资料”。后者是存储在人脑中的“活资料”。“文献”一词的含义有典籍与耆旧两个方面。典籍是古代的文本书籍，耆旧是知道历史典故的才俊人物。

三国魏人何晏《论语集解》引东汉经学大师郑玄注曰：“献，犹贤也。我不以礼成之者，以此二国之君，文章贤才不足故也。”郑玄以文章贤才的不足来解释文献不足，“文献”一词具有文章、贤才两层含义。南宋经学家朱熹《四书章句集注》说得更加明确：“文，典籍也。献，贤也。言二代之礼，我能言之，而二国不足取以为证，以其文献不足故也。”东汉郑玄与南宋朱熹都认为“献”字具有贤才和耆旧的含意。贤才和耆旧是指有道德有才干的贤人和富有历史知识的老人。文献作为专有名词，在金元时期曾将“文献”一词作为谥号和书名。元代尚书右丞耶律履的谥号是“文献”，其文集为《文献公集》。元代黄晋的谥号“文献”。艺术史与艺术作品是艺术家创作的，艺术文献应该包括艺术家与了解艺术史的人，文献与人的关系密切，艺术创作、艺术史、艺术评论都是有人书写的，典籍也是由人书写传授的。

“文献”一词的出典之处与古代祭祀礼仪的舞蹈，艺术有关。八佾是夏代天子祭祀礼仪所用的舞蹈，佾的含义是舞蹈的行列，天子的祭祀礼仪舞蹈是纵横队形舞蹈者八队，每队八个人，共六十四个人。《谷梁传·隐公五年》：“夏舞，天子八佾，诸公六佾，诸侯四佾。”《左传·隐公五年》：“天子用八，诸侯用六，大夫用四，士二。”即天子祭拜祖先的舞蹈是八佾，由六十四人列队表演舞蹈；诸公祭祀祖先观舞是六佾，由三十六人列队表演舞蹈；诸侯祭祀祖先观舞是四佾，由十六人演出舞蹈；士大夫祭祀祖先观舞是二佾，由四人演出舞蹈。季氏是大夫，按礼仪应该用四个人舞蹈祭神，却用了天子八佾之礼，即六十四人跳舞祭祀祖先神灵，僭越了古代礼制规定。《论语·八佾》说：“孔子谓季氏八佾舞于庭，是可忍，孰不可忍也？”季氏作为大夫，竟然用周天子的祭祀礼仪等级，如果这样的事情都可以忍受，那么天下还有什么事情不能够容忍呢？作为祭祀礼仪的舞蹈要符合君臣等级的伦理次序，祭祀舞蹈的规定人数体现了社会的等级，这是古代艺术等级管理制度。

典籍是文献的载体，人是典籍的创造者。《史记·老子韩非列传》记载孔子见老子时老子对孔子说：“子所言者，其人与骨皆已朽矣，独其言在耳。”人生年寿有限，文献典籍记录了古人的语言可以跨越时空，生也有涯，艺也无涯，典籍文献可以将前人的思想代代相传。秦始皇焚书以后，孔府墙壁藏书保存了先秦典籍，由伏生授经，口传相授，使文化传承不灭。中国知识分子有“史书丧，犹有舌”的文化传承精神。在日寇侵华战争中，日军轰炸商务印书馆，在南京大量掠夺中国图书文献和艺术珍品。西南联大的师生在战火纷飞的年代不畏艰难，弦歌不止，传承和弘扬了民族文化。

古代“文献”一词的含义，有经史为文，论事为献的解释。宋末元初著名学者马端临用“文献”二字命名书名。写了一部贯通历代典章制度的著作取名《文献通考》，在《文献通考》序言中对文献的含义作了阐述，将文献分为“叙事”与“论事”两类，《文献通考·序》曰：

凡叙事，则本之经史，而参之以历代会要以及百家传记之书，信而有证者从之，乖异传疑者不录，所谓文也。凡论事，则先取当时臣僚在奏疏，次及近代诸儒之评论，以至名流之燕谈、稗官之记录，凡一话一言可以订典故之得失，证史传之是非者，则采而录之，所谓献也。

前者是经典著作的文字资料，后者是议论风生，是对经典著作的微言大义作阐发，是对经典文献的贡献。文献有叙事、会要、传记、评论、记、录等文体。古代经典著作谓之“文”。唐宋以来诸臣奏疏，诸儒议论谓之“献”，故名《文献通考》。在文体书写格式方面，经史为文，要顶格书写，名流论事为献，则降一格书写。

至明代时“献为贤才”的含义逐渐淡化，“文献”一词的含义几乎是图书典籍的别称。明成祖朱棣组织编篡《永乐大典》，初名为《文献大成》。至清代，“文献”一词成为通用语汇。现代词语中“文献”的含义成了图书典籍的代名词。

现代中国艺术学力求对中国艺术进行整体的研究，艺术学学科的中国化历程要回顾中国艺术发展的历史，了解中国古代艺术文献的发展的规律、文献的出处和门类艺术之间的关系。艺术学理论由艺术原理、艺术史、艺术批评、艺术管理构成基本框架。中国各少数民族文字的艺术文献内容异常丰富，是中国艺术理论研究的宝库，中国艺术学文献的文献研究范围包括中国各民族艺术文献。艺术文献的资料整理工作可谓是上穷碧落下黄泉，时空跨度非常之大，未开辟的领域非常之多，各民族的艺术文献非常之丰富，中国艺术文献工作将为艺术学研究工作打下了坚实的基础。

六、文物的艺术文献价值

文献一词的含义包括文物在内的广义文献概念和狭义的书面文字。广义文献概念的定义是专指“具有历史价值的图书文物资料”。这是一个非常宽泛的概念，图书与出土文物、传世文物均具有重要的文献价值。

中国汉字的“献”字具有“祭献”的含义。祭祀礼仪的祭词乐舞、祭祀礼器、随葬冥器均为献祭仪式的必需物品。北京大学中国中古史研究中心吴小如考证说“献”是会意兼形声字，其繁体是“獻”，獻字是由“鬲”和“犬”组成，鬲是古代装盛祭品用于祭祀的礼器。献的含义是将犬作为牺牲盛放于鬲中以祭祀祖先神灵。所以说中国古代陶器的刻画符号、陶塑人像、装饰图形具有祭祀文献的含义；青铜器的铭文是古代祭祀、征伐等重大历史事件的文献记录。吴小如对古代文献中“献”为贤人的注释提出质疑。认为杞、宋去夏、殷已久，即使有高年耆宿，也不可能够活到几百岁以上。文字记载和前代器物可以用“足”与“不足”去形容。而贤人则不能像军队一样，有规定的人数名额，似乎不宜以“足”与“不足”去形容，而今天考古学界所用的“文物”，正与“文献”的初义相近。艺术文献可以依据时间分为史前史料、古代艺术文献和现代艺术文献三大部分。中国古代艺术文献研究仅仅依靠文字资料文献是不够的，还要关注艺术作品和文物。《胡适之文存》第二集《国学季刊发刊词》中说：

清朝学者好古的风气不限于古书一项，风气所被，遂使古物的发现、记载、收藏、都成了时髦的奢好。鼎彝、帛币、碑版、壁画、雕塑、古陶器之类，虽缺乏系统的整理，材料却是不少了。最近三十年来，甲骨文字的发现，竟使殷商一代的历史，有了地下的证明。并且给文字学添了无数的最古资料。最近辽阳、河南等处石器时代的文化发现，也是一件极重要的事情。

作为艺术品的出土文物、传世文物均可以纳入艺术学研究的范畴之中。随着考古发现和大规模的建设出土文物非常丰富。出土了大量的文物，有陶器刻画文字符号、彩陶文字符号、商周殷墟甲骨文文献，金石文献等等。从人类文明的发展时空来说，中国艺术学文献研究仅仅依靠有史以来的文字记载文献是远远不够的，因为有文字记载的历史只有三到五千年，而艺术发生、发展的历史动辄数五千年至一万年以上。发现的人类史前遗址有数百万年之久，如果艺术学仅仅研究文字记载的三到五千年的文字史部分，大量的史前艺术遗址就会丢失，艺术学关于艺术起源的研究就无从谈起。

中国考古界广泛使用的“文物”二字，可以理解为文化的遗存物，或者是“文献的证物”，具有文献证物的特性。传世文物与出土文物是中国艺术学文献研究的重要对象。《辞海》文献条对文献定义为：“今专指具有历史价值的图书文物资料。”这条定义可以理解为：一是有历史价值的图书，二是有历史价值的文物，三是有历史价值的资料。值得补充的是，仅仅具有历史价值还是不够的，文物具有历史价值、艺术价值和科学价值。《中华人民共和国文物保护法》第一节文物保护法概述文物的概念和文物的范围是：

文物，指人类历史遗留下来的具有历史、艺术、科学价值的物质文化遗物。例如建筑、碑刻、工具、武器、生活器皿和各种艺术品等。文物的表现形式多种多样，有埋藏于地下的，也有袒露于天地之间的，有国家精心收藏的，也有私藏于民间百姓之中的。古遗址、古建筑、古墓葬归于不动文物，精美的古代瓷器、字画、陶俑、钱币等归于可移动文物。

具有历史价值、艺术价值和科学价值的文物，应该具有了文献价值。如果仅仅是以文字记载的古籍文献为艺术文献，那么中国艺术学研究将失去99%的史料，中国艺术学文献将失去艺术所具有的形象性、直观性、可视性、欣赏性和艺术性的特征。文物属于艺术文献的重要研究对象在我国有悠久的历史，早在宋代即有研究古代金石器物的金石学，宋代赵明成著有《金石录》。梁启超《清代学术概论》说：

治经之外，则金石一学，几以附庸蔚为大国。郡国往往于山川得鼎彝，虽真赝间杂，然搜讨之勤，亦足多也。西人治史者，皆以此为一重要之补助学科。前辈致力于此，为将来传国史者储材，致可感谢矣。如最近发见龟甲文字。可为我民族与巴比伦同祖之一证，孰谓其丧志也耶？成、同间好之者遍天下。

从金石学、古器物学发展到现代的考古学，文物研究与历史学、艺术学的结合，丰富了学术研究的资料物证。中国自古就有收藏艺术品、收藏文物的传统，艺术史研究注意文物实物的发现，中国艺术学理论研究要注重文物和艺术品实物的研究，否则艺术学理论研究将失去研究的对象，走到哲学的形而上的思辨道路上去。20世纪初中国开始有以发掘为基础的近现代考古学。比较《文物法》界定的文物内容与艺术之间的关系，可以看出艺术品与文物的历史性、物质性、形象性特征。我国境内受法律保护的文物范围，主要包括以下几项：

1 具有历史、艺术、科学价值的古文化遗址、古墓葬、古建筑、石窟寺和石刻；

2 与重大历史事件、改名运动和著名人物有关的，具有重要纪念意义、教育意义和史料价值的建筑、遗址、纪念物；

3 历史上各时代珍贵的艺术品、工艺美术品；

4 重要的革命文献资料以及具有历史、艺术、科学价值的手稿、古旧图书资料等；

5 反映历史上各时代、各民族社会制度、社会生产、社会生活的代表性实物。

古代建筑、墓葬、石窟、遗址可以视为艺术遗存，与手稿、古籍图书资料同样重要。以上五条可以看出文物与艺术有密切的关系，文献与文物的概念有相近之处，只是研究的对象、研究的角度、表述的方式方法不同。现代文献的概念是专指书籍文字文献。艺术作品具有原生文献的意义。上海辞书出版社《辞海》“文献”条目界定文献的定义是：

原指典籍与宿贤。……朱熹注曰：“文，典籍也，献，贤也。”今专指具有历史价值的图书文物资料。如历史文献，亦指与某一学科有关的重要图书资料，如医学文献，

据此，可以说古代文献的含义是典籍与贤人；现代文献的含义是：1，图书典籍；2，文物；3，资料。艺术文献属于专门学科文献，艺术文献与其他学科的专门文献不同，具有艺术文献自身的特点。前苏联科学家伊林说，我们有了很多用文字写成的书搁在图书馆，还有一本用石头和其他东西写成的大书埋在地下，等待我们去阅读。金克木《古籍整理小议》提出文献与文物对应，他说：

现代世界上，尤其是中国，文献已经不是古代知识的独一无二来源；但中国古文献独多，而古文物又极其丰富，正如车之两轮。近些年来我国考古发掘成果极大，今后还会大大增长，研究发表的不过若干分之一。国际学术界对此艳羡之至，而我们似乎都委之于人数不多的考古学者。

考古工作者的田野发掘工作特点，难以担当大量文物的后期案头书斋实验室研究工作。鲁迅、郑振铎、向达、陈梦家、沈从文等学者早已注意到文物的文献作用。金克木先生编制《文物与文献的对应目录》将典籍文字与传统文物相对应，冲破文字的屏障。艺术学研究不能够仅仅限于已有的文字文献的阅读与研究，沈从文先生早年就认识到传统的“以书注书”研究方法的局限性，发表《文史研究必须结合文物》的长文，提出文史研究“从实物出发，倒比较省事”的观点。沈从文先生建议当时的高教部和文化部考虑全国每一所大学或师范学院，要有成立一个文物馆或资料室的准备，用它和图书馆相辅助，才能解决明天研究和教学上的种种问题。遗憾的是沈从文1954年10月3日在《光明日报》发表的建议，已经半个多世纪过去，建立文物馆、博物馆的大学据笔者所知仅仅有北京大学、南京大学、河南大学、山东工艺美术学院等为数不多的大学，许多重点大学都没有文物馆与博物馆，这是中国大学与欧美大学的显著差距。

经典艺术论文范文第7篇

在影视作为一种艺术被广泛承认后，我国于上世纪80年代，让影视艺术作为一种课程普遍走进了学校的讲堂，作为提高学生审美情趣或专业素质的课程，改变了只有专业院校才进行影视艺术教育的局面。1985年，国家教育部颁布文件指出：“有条件的综合大学和师范院校中文系，应把电影课作为重要选修课，正式列入教学计划。”而发展到今日，基本所有综合类大学都开设影视艺术教育课程，其他专业学校也绝大多数开设了影视艺术课程，有些学校甚至设立硕士、博士点，成立了许多电影电视的专业研究机构。而伴随影视艺术的繁荣发展，历史悠久的中文经典，如诗歌、小说、散文却在青少年的面前陷入了前所未有的低谷。中文经典阅读的好处自不必说，但是这和影视艺术教育也有着很重要的关系———我国高校目前的影视教育普遍专注在影视语言、技术实践等几个方面，对中文经典阅读这个表面看起来影响不大的事情未有认真关注，但是看似无关的二者其实在很多方面有很多的一致性，因着这一系列的一致性，二者可以互相补充、互相影响，故而中文经典阅读对于影视艺术教育也有着重要的意义和作用。

2中文经典与影视艺术的一致性

文学和艺术是相通的，而影视艺术又是离文学较近的一种艺术。二者在宏观与微观方面都有诸多一致之处，这些都是二者可以相互影响和作用的地方。

2.1中文经典的过去性与影视艺术的再现性无论所言的“中文经典”指的是任何题材或形式的作品，其都肯定是叙事以及因事而抒情，而这都是对已发生的事件的一个描述和感叹。小说可以虚构出一个个精彩震撼的故事，散文可以记录小事并赋予意义等等；而影视艺术中的诸多体裁同样如此，故事电影中可以再现真实或杜撰桥段，纪录片可以真实再现事情发生的全过程等等。

2.2中文经典的综合性与影视艺术的广泛性中文经典具有相当的综合性。在时间上，它的创作背景可以涵盖古往今来人类发展的各个时期；在空间上，其也横跨人类发展的各个地区；在内容上，其可以涉及政治、经济、文化、民俗、军事等人类生活的各个领域。所以，文学具有广阔的创作天地；同样，作为影视艺术来说，其也具有相当的广泛性，目前相当大的创作量也涵盖了人类生活的方方面面。

2.3中文经典的情感性与影视艺术的魅力性无论作者在作品中将情感隐晦地表达还是直白地吐露，我们都难以否认中文经典是有情感的，而影视艺术说到底也是一种表达情感的艺术。而在中文经典阅读的过程中，情感的抒发和获知是一个重要的过程，这个过程的地位并不次于中文经典的认知功能，二者相比甚至情感的抒发和获知更为重要。而近年来的一些优秀影视艺术作品也具有相当深刻的思想内涵和独特的艺术魅力，这就能大大增加作品在情感方面的吸引力和感染力，成为影视艺术教育中对于学生人格塑造的一个重要手段。正是有着上述的几种一致性，中文经典阅读才会对影视艺术教育具有直接的作用效果，以下进行简要分析与说明。

3中文经典阅读对影视艺术教育的作用

当代大学生基本上从小是由电视、电影甚至网络视频伴随成长的，它们迷恋于直白的观看而厌烦于枯燥的想象和思考，而进行中文经典阅读便是如此———阅读密密麻麻的文字印刷的纸质文本对他们来说毫无美感，阅读的过程并不能像影像可以带给他们那种顺畅、轻松、色彩和感官刺激，因此他们并不倾向于读书。而一些中文经典之作都主要是由文字组成的印刷文本，是奉献给一代又一代的读者阅读的，随着时间的发展和时代的流逝，灿若星辰的文学作品被逐渐地筛选更替，留下的则是经典中的经典，依旧保持着当日的光彩，但是目前中文经典的关注度已经大不如前。文字印刷的中文经典正面临着前所未有的挑战，而在影视艺术教育中如果丢失这一块，便会整体降低影视艺术的水准。中文经典阅读对于影视艺术教育的作用主要体现在如下的几个方面：

首先，一部分中文经典是影视艺术的脚本，进行中文经典阅读，可以让学生更好地理解作品。拿几位经典名家来说，如鲁迅、茅盾、巴金、老舍、曹禺等，他们的一系列作品如《阿Q正传》、《祝福》、《伤逝》、《药》、《孔乙己》、《林家铺子》、《子夜》、《家》、《春》、《秋》、《我这一辈子》、《骆驼祥子》、《四世同堂》、《雷雨》、《日出》等，目前均已被改编成电视剧或电影作品，改编成影视作品的它们与原作精髓一般并未有大的改变，但是叙事容量已经明显不同，如果阅读原著，想必在影视作品的情节遴选、人物设置、叙事方式等方面都会有新的认识。这样的认识一定是高过只观片，不阅读其文学文本的。再如，2014年张艺谋的新片《归来》改编自严歌苓的小说《陆犯焉识》。如果未读原著而走进电影院，你看到的就是张艺谋平心静气的一种苦难叙事———陆焉识受“”的迫害多年离家，“”结束后回到家乡，自己的爱妻冯婉瑜（电影中作“瑜”，小说中作“喻”）却意外地丧失记忆，只盼其归却不认识自己。影片中一系列的故事情节全都是为了这个过程而服务，导致被人批驳情节过于简单。但是作为电影艺术来说，这是可以理解的。第一，电影的叙事容量有限，两个小时想要表达清楚10年甚至更长时间，这本来就是一件不可能的事情。故而张艺谋聪明地选择了原著小说中的高潮情节作为影片叙事的重点，使得电影看起来更加清楚明了，感情也更为充沛。第二，电影作为一种投入、生产、发行均为快节奏、商业化的产品，其流水线的工作让一般的商业片无法追求难以达到的艺术水准。笔者也认为，这是《归来》在一些人看来过于简单粗鄙的原因所在。第三，作为再创作者的张艺谋以及其庞大的电影制作团队，很难达到小说的原创者严歌苓对于此故事的理解和掌控。详究此本小说，其故事不只局限于“”后的“归来”，而是详尽地描写了主人公陆焉识盛年时期在美国、上海的浪子生活以及后半生被流放到西北大荒凉的整个人生，从其文字我们可以感受到残酷的动荡年代下，一个知识分子命运的多舛，这可以带给我们对历史时代的思考、对人生机遇以及精神世界的思考、对文学作品笔触多变的思考，这都是电影作品难以带给我们的。可以说，对于这个小说和电影来说，小说是电影极好的补充和延伸。近年来，文学改编的影视作品已然成为一种不可忽视的现象。这种现象出现的一个大的原因当然是岁月遴选下来的文学精品足够经典，但反观之，也有影视创意匮乏之嫌。但如果我们能够在影视艺术教育之时，充分把握中文经典阅读的比重，则可以培养学生的文学思维和创意，对于影视艺术教育大有裨益。

其次，中文经典阅读可以提高读者品位，增加他们的艺术感受力，从而对影视也会有更高的审美品位。这就好比许多高校在中文系或一些影视专业开设了“影视文学”这门课程，一些高校开设这门课程的目的也是为了提高学生的知识面，使得学生具有相对深刻的审美能力和想象能力。这门课程不同于影视专业课程，不以研究影视相关知识、理论作为主要内容；也不同于汉语言文学专业课程，虽然也立足文学，但是并非以传统的方式，即文本文字对事物加以呈现，而是采取了一种更为形象、直观的方式———影像。由于影视具有独特的不同于传统文本的性质和特点，使得通过这种方式呈现出来的文学必有其独特之处。而文学经典这种平面的表达方式，更方便直观地让受众有充分时间去思考，从而提高对故事的整体感悟能力。

再次，中文经典阅读可以与影视艺术教育在多方面互补，提高学生的审美情趣。上文提到的高校开设“影视文学”课程，无论是教学生如何去鉴赏或是评价，其主要还是集中在对影视的大旨、思想或艺术等方面的传授。但是这就只看到了文学和影视的一致性，却忽略了它们的差异性。这两种作品形式，它们当然有着千丝万缕的联系，前文也论证过它们的一致性，但是它们却有本质方面的不同。美国电影理论家乔治•普鲁斯东曾经指出：“小说与电影像两条相交叉的直线，在某一点重合，然后向不同的方向延伸。在交叉的那一点上，小说和电影几乎没有区别，可是当两条线分开后，它们就不仅不能彼此转换，而且失去了一切相似之点。”文学和电影的相似之处很多，还可以概括为：如它们都是时间艺术，都是在时间的流动中表现人物、展开情节、叙述故事的；叙事手段经常采用戏剧化冲突的方式等等……但是二者的本质区别亦非常明显。这种本质的区别主要体现在二者的叙事语言上，中文经典的语言是文字，是静态的，一字一句饱含作者体悟；影视的语言是影像和声音的结合，是视听语言，这是影视的一个基本特性。两种叙事语言的截然不同就决定了它们在鉴赏时的本质是不同的，故而要区别对待。通过中文经典阅读，学生可以体会到通过影视艺术获取不到的感受，在进行影视艺术教育的时候，注重中文经典阅读，便可以在很多方面进行优势互补，提高学生的整体审美情趣。

4总结

经典艺术论文范文第8篇

 

2011年百色学院继沈阳音乐学院等五所高校之后第二批被教育部批准为全国“红色经典艺术教育示范基地”之一的大学。对于处在成长中的百色学院艺术系来说正是一个难得的契机。正是在这样的有利环境下，百色学院艺术系开始了大刀阔斧的改革建设和实践探索。经过几年的建设，艺术系逐渐成长起来，为百色学院的发展汇聚了力量，为我院宣传红色经典文化、扩充素质教育内涵、加强艺术学学科专业建设、培养具有“百色起义精神”的、“下得去、留得住、用得上、干得好”的“四得”专门人才发挥了积极作用。

 

1 红色经典艺术教育融入音乐表演专业的意义

 

红色经典艺术作品是指在中国在新民主主义革命时期到社会主义建设时期再到改革开放时期的能够传播真理、激发斗志、传播正能量的艺术作品，是中华民族宝贵的精神财富，是当前社会主义精神文明建设和文化建设中的重要组成部分。所以红色经典艺术教育融入音乐表演专业对于音乐教育的意义尤为重要，利用“红色经典”的音乐教育资源对高校大学生进行革命传统教育、爱国教育、集体主义教育，既能增强其民族自尊心、自豪感，又能培养其高尚的情操、良好的品质和坚定的信念。而红色经典艺术教育在音乐表演专业中的融合更是能将戏曲、民歌、舞蹈等音乐舞蹈元素融合起来，为高校音乐教学带来更加多元化的题材，有助于激发高校音乐教学的创新力、对于推动红色经典艺术教育示范基地的建设发挥着重要的作品。

 

2 红色经典艺术教育在音乐表演专业中的实践成果

 

百色学院音乐表演专业通过五年的红色经典艺术教育示范基地的建设，目前基地在学科建设、师资队伍和艺术创造及艺术研究建设、艺术实践建设和资源建设上都取得了一定的成绩。

 

2.1 在学科团队建设方面

 

音乐与舞蹈学院组建了21人的学科团队，明确了学科带头人和学术带头人。有三人晋升为副高职称，五人晋升为中级职称;培养了2名学科带头人;10 ～ 15名红色经典创造人才;支持教师到美国加州大学、中央民族大学等进行访问5人;经过音乐与舞蹈学院师生的共同努力，学科团队在音乐表演专业得到了较大的发展。

 

2.2 在课程建设方面

 

为扎实推进全国红色经典艺术教育示范基地建设，百色学院从2012年起实施了“五个一”工程，其中开设一批以百色起义精神、红色艺术、红色文化等为内容的“红色经典教育”微型通识选修课。从2012年秋季学期开设，“红色经典”系列微型课程全面开课。

 

2.3 在艺术实践方面

 

以音乐与舞蹈学院红色合唱团的成立和举办的一系列活动最为突出。合唱作为教育的高级艺术形式，是审美教育中具有普及性、广泛性、实践性等特点。合唱团的成立不仅可以发展大学生的个性特长，锻炼其组织、编创、合作能力，更是在对普及音乐教育和高雅艺术、宣传红色经典音乐和促进大学生全面素质的发展有重要作用。首先体现出了实践性。合唱团自2014年成立以来，除参加学校举办的各种形式的比赛和演出活动。如 “红歌大家唱”、 “百色起义组歌”演唱会等。还参加了广西大学生艺术展演、“红铜鼓”、中国东盟艺术教育成果展演等演出活动有十余场，并取得优异成绩和一致好评。其次体现出革命性和民族性特色。红色合唱团紧密围绕学校红色经典艺术教育示范基地的建设目标要求，打造艺术教育特色专业，在作品改编、创作、舞美设计、宣传等方面无不体现出革命性和民族性特色。

 

2.4 在红色艺术创作和学术研究方面

 

在艺术创作上，由音乐表演专业教师编辑出品了《百色起义红色歌曲赏析》、《左右江革命根据地红色歌谣》教材两本，以百色地方民族音乐为素材改编创作的《百色起义组歌》15首。以红色经典艺术教育为主要研究放向的课题获得自治区教育厅科研、教改课题立项2项、校级科研、教改课题立项多项，在核心期刊和省级以上学术刊物上有关红色经典艺术的论文和作品10篇以上。同时，举办了5场红色经典教育学术讲座、参加了2次红色经典艺术教育示范基地的交流活动。

 

3 红色经典的艺术教育的传承和发扬

 

在受到当今多元化文化模式的影响，红色经典文化的关注度越来越小，尤其在年轻的一代当中更是不被接受。如何在当前复杂的环境中让红色经典文化成为人们所喜爱的艺术形式，如何在年轻的一代中继续根植红色基因，不忘记红色经典艺术的传承和发展，这是目前摆在高校中尤其是被教育部评为“红色经典艺术教育基地”的学校音乐表演专业教育工作者紧迫的任务。

 

3.1 转变教学理念，变动教材内容

 

为使红色经典艺术教育在音乐表演专业中得到发展，首先应该转变传统的教学理念，继续在经典艺术教育的实践中修改教学大纲，确定更为科学合理的办学、教学方向，丰富教学手段。深入挖掘红色经典音乐的文化内涵，丰富红色经典音乐的传承形式。在声乐、舞蹈、钢琴、民乐等课程教学方面继续加入本地丰富的红色经典文化，不断实践和探索，走出一条既具有特色的符合教学规律同时又能受到同学喜爱的课程设置模式。

 

3.2 树立红色音乐的研究、旅游等品牌

 

百色学院作为全国十一所“红色经典艺术教育基地”之一，相对于其他高校有着得天独厚的优势。在地域上有着丰富的红色文化基因，从理论到实践再到理论是事物发展的规律，我们要在不断研究的同时，成立红色音乐研究中心等学术研究机构，经常性举办红色音乐文化研讨会、学术报告或者交流会等。

 

红色经典艺术教育在音乐表演专业中能够很好地体现出红色经典文化的内容。同时，音乐表演专业在实施红色经典艺术教育当中又能较好的凸显出其专业的特点并在传承红色文化、发展社会主义精神文明建设中起到越来越重要的作用。发挥高校艺术教育的特长为红色经典文化的继承和发扬做出贡献是高校教育的使命，也是红色经典艺术教育在音乐表演专业实践中的充分体现。

经典艺术论文范文第9篇

关键词：艺术学理论；审美鉴赏；艺术鉴赏；审美经验；艺术经验

说，“一切真知都是从直接经验发源的”。康德在《纯粹理性批判》导言开头亦说道，“我们的一切知识都从经验开始”。这是没有任何怀疑的：因为，如果不是通过对象激动我们的感官，一则由它们自己引起表象，一则使我们的知性活动运作起来，对这些表象加以比较，把它们连接或分开，这些把感性印象的原始素材加工成称之为经验的对象知识，那么知识能力又该由什么来唤起活动呢？所以按照时间，我们没有任何知识是先行于经验的，一切知识都是从经验开始的。艺术来源于人类生产实践，并在实践经验中传承、发展。千百年来人们往往忽略了经验在艺术中的价值及意义，认为经验是“形而下的”，认为艺术是富有灵韵色彩的，是艺术家创作时的高峰体验，仿佛艺术与经验一旦结合，就显得不那么崇高、不那么脱俗了。其实这种思想有偏颇。艺术本就是一种经验性的，具有着经验形态，艺术在经验中产生并传承。艺术鉴赏作为艺术过程的一个重要环节，同样具有经验性。本文尝试将上述哲学中的“经验”概念引入艺术学领域，重点对艺术鉴赏的经验性进行关注，以期阐释经验在艺术鉴赏中的地位作用，重新发扬经验的价值。

杜威将经验定义为“有机体与环境的交互作用”。鉴赏，作为人的一种心态过程和主体行为，是由鉴赏的主体、鉴赏的对象这两个因素接触产生交互作用的一个过程，并产生一个鉴赏结果。这一过程由鉴赏主体根据自己的思想情感、生活经验、品位兴趣等对鉴赏对象加以感受、认知、理解，是鉴赏主体运用自己的感知、过去已经有的生活经验和文化知识对作品进行体验、联想、想象，最终实现对鉴赏对象的品鉴、评价、判断。鉴赏不仅是艺术活动，更是一种范围广阔的人类实践活动。而这种实践活动，离不开人类的实践经验。鉴赏的内容包括对物品的鉴赏，对人对自然万物的鉴赏，对社会行为与事件的鉴赏等等。艺术鉴赏，作为鉴赏活动的高端形态，其过程具有更明显的实践经验性，对鉴赏主体的经验性具有更高的要求。艺术鉴赏主体的人生阅历、审美期待等鉴赏经验决定了艺术鉴赏活动的深度、广度，决定了鉴赏者对艺术作品进行再创造所能达到的期待视野。我们从鉴赏及经验的概念入手，通过对艺术鉴赏的构成及过程的具体分析，考察论证艺术鉴赏的经验性。

一、鉴赏的经验性概念

鉴，本义是镜子，用作动词指“照”，后引申为观察、审察，如鉴别、鉴定、鉴赏。赏，一方面指因爱好某种东西而观看，如赏阅、赏月，赏心悦目等；另一方面指依据经验认识到人的才能或作品的价值而给予重视，并欣然称道，如欣赏、赏识、赞赏等。在汉语中，鉴与赏联用，形成鉴赏一词，其本义是指人对某种事物物品以及他人的品鉴、欣赏、评价等行为，更多地表现为人的主观态度或评价。鉴赏一词可以有广义和狭义的理解之分。广义的鉴赏对象极其广泛，而狭义的鉴赏则仅指文物艺术品等的鉴定和欣赏，即艺术鉴赏。艺术鉴赏通常是指一种对艺术形象进行感受理解和评判的思维活动和过程。

鉴赏的英文是“appreciate”，意思是对文物、艺术品等的鉴定和欣赏。

从这种对鉴赏概念的广义和狭义理解出发，就性质看，鉴赏是一种人生态度。人生活在特定的生存环境中，对人自身以外的物品不仅持一种从实用价值出发的实用态度，而且同时也会由经验积累等产生某种鉴别、赏识、评价的鉴赏态度。在使用这些物品的过程中，对其评价会产生不同的观念、不同的价值标准及评价方式和评价途径。鉴赏，是建立在实用价值基础之上的、依据相对成熟的经验进行评价和判断的、体现人的人生价值态度的主观观念，是对实用价值的超越。

鉴赏的这种主观态度性质，是在人类心智进化过程中产生和体现出的一种功能，体现了人类区别于动物的超越性特质。人类生活中物质的实用价值与主体的自觉鉴赏这两种因素的比重表明人类的文明程度和文化发展程度。人类文明越发达，文化越发展，人类的主要满足越是集中到非实用价值方面，最终体现为一种从鉴赏角度呈现出的人生的价值观和态度以陶器为例，远在人类文明萌发之初，荒蛮中的原始人便生产和使用作为生活器皿的陶器。随着时代的发展、文明的进步，陶器制造由实用功能日趋发展出强大精美的审美功能。瓷器的产生，使原本以实用价值为主的陶器更快速地发展出一些专以欣赏其审美价值为主的“艺术陶瓷”。如美轮美奂的瓷瓶便是主要为装饰空间与艺术欣赏而产生的。不同时代，人们的价值观念与人生态度亦有所改变，逐渐超越了实用价值而更多地趋向于审美判断。

对人、对物品、对自然万物、对社会行为、现象与事件的鉴赏与评价水平，体现了不同人群的不同人生态度人生价值追求。鉴赏终归是人生价值、人生态度的表现，同时也是人生价值和人生态度的实现过程。而所谓人生价值与人生态度，正是基于经验基础之上的价值判断、取舍、评价等主观认识的外在表现。

鉴赏起源于人类实践经验。鉴赏起源于人类的感知系统与客观对象之间的关系活动，是基于人的生存的一种活动，是人类的一种高级智慧形式。

首先，鉴赏起源于人类的心理活动，而心理活动的基础是人的感知经验。在主体与客体的相互活动过程中，形成了这种鉴赏能力。从感知开始，人的五官包括视觉、听觉等各种感知经验在人类头脑中形成意识反映。在这种对象化的活动中不断刺激感官并形成人类意识。人只有具备这种感知经验，才能最终形成鉴赏。其次，鉴赏起源于人的判断力。中国古代称之为“类物”，即区别、分类、识物、类物，区别识物，判别识物，进而形成判断经验，在此基础上形成对对象特性的认知判断。再次，鉴赏起源于批评力（评论力）。在判断力基础上表达对事物好与坏的判断与价值期待，价值愿望。鉴赏是一种充分体现主体价值导向的经验性活动。

鉴赏活动是在上述能力基础之上符合人类愿望的向善、向好的感知、判断、评价等经验性活动，乃至一种心理的享受、愉悦的获取，在此基础上，鉴赏主体不断累积鉴赏经验。

二、艺术鉴赏的经验性内涵

马克思说：“一件艺术品――任何其他的产品也是如此――创造一个了解艺术而且能够欣赏美的公众”。艺术品的存在本身就意味着对于公众的艺术鉴赏的呼唤，而艺术鉴赏活动的进行不仅创造出鉴赏艺术品的观众或公众，而且可丰富鉴赏者的审美经验，提高其审美素质；反过来，伴随审美经验的积累，审美素质获得提高的公众又可进一步推动艺术的发展。这样，正是通过艺术鉴赏，在鉴赏者鉴赏经验的作用下，艺术品的内涵意蕴得到了最大程度的丰富。在这个意义上，艺术鉴赏意味着从鉴赏实践活动的经验性角度来强调艺术的深刻性、丰富性和重要性。

艺术鉴赏，是一种以艺术品为对象的鉴赏，是人的鉴赏、社会鉴赏活动的一种特殊形式。艺术鉴赏的概念有广义与狭义之分。广义的艺术鉴赏本身可分为三个层次。第一层，对自然美的鉴赏，主要包括对天地、山水、动植物等大自然造化的对象的艺术鉴赏；第二层，对社会生活中美的人和事的鉴赏，这是指与生活实用价值融为一体的物品及社会事物、社会活动等也可以作为艺术鉴赏的对象；第三层，对纯艺术品的鉴赏，包括专业的批评与鉴赏。艺术品面向全体社会成员提供鉴赏美的价值，而专业的艺术鉴赏会形成评价的主导，具有某种专业性、深刻性、权威性、这些以审美价值为主的艺术品，是专门供人鉴赏、品玩的，这些艺术品将其自身的艺术鉴赏价值放在第一位，形成狭义的艺术鉴赏概念。

广义的艺术鉴赏所包含的上述第三层次含义，正构成狭义的艺术鉴赏。一般艺术学方面提到的艺术鉴赏，都是指狭义的艺术鉴赏。与广义的艺术鉴赏概念范围广泛，涉及对自然美和社会美中的种种现象的鉴赏不同，狭义的艺术鉴赏主要就是指对音乐、舞蹈雕塑、绘画、书法、电影、电视艺术、戏剧、文学等艺术品进行的鉴赏。可以说，狭义的艺术鉴赏的鉴赏对象只限于艺术品。

艺术鉴赏是人类鉴赏经验的高端形式。鉴赏，是人类文明的一部分，是人类文化本身。随着评价、取舍等鉴赏经验的累积，人类具有了区别、判断的能力人类判断的自觉意识构成了鉴赏。而对艺术的专门品鉴即艺术审美，是专门为了人的美的品鉴而形成的鉴赏。人类从比较当中认识到如何判断，遵从有用、简明、直接、美妙等价值经验来判断取舍。如关于艺术的鉴赏，从远古时期开始，人们首先从实用的角度看其效果，继而发展演变到在实用的基础上比较造型、外观，从而衡量出哪一个更好。鉴赏的本质是人类认识发展的一种自觉，是人类社会进步的动力之一，是人类追求的一种价值取向，更是人类鉴赏经验的一种积累。只有与人生与社会生活实践经验结合在一起，人类的鉴赏文化才会有历史的纵横与思想的深度。艺术鉴赏的本质是一种向善、向好的品鉴、欣赏、评价、赞赏，并导致人类审美愉悦的经验性实践活动。

艺术鉴赏固然是一种批评，但艺术鉴赏不等于批评、评价、判断，它是建立在向美向善的基础之上，并最终导向超越实用价值判断的审美期待。艺术鉴赏是艺术产生的动力，鉴赏经验的高端行为形成了艺术鉴赏。

三、艺术鉴赏的经验性构成

艺术鉴赏的构成有三个主要成分：鉴赏对象、鉴赏主体、鉴赏场所及中介

（一）鉴赏对象

艺术鉴赏的对象是什么？艺术品。现代艺术实践活动繁复多样，艺术品的范围也越来越广，可以从艺术品的创作工艺、表现材质、表现方式、使用目的功能性能、时间范围等入手，大致将艺术品分为绘画类艺术品、雕塑类艺术品、设计类艺术品、表演类艺术品、电子媒介类艺术品、语言文学类艺术品、音乐类艺术品等，这是我们通常所说的艺术鉴赏对象。

不同种类的艺术品的鉴赏活动也会不同。综合类艺术是两三种以上艺术形式的融合。例如戏剧，是音乐艺术、舞蹈艺术、语言艺术和舞台美术等多种艺术形式的融合。艺术品的分类不是绝对的。从各种不同的艺术门类到综合艺术，从古典艺术到现代艺术，不同的历史时期，不同的社会文化背景，形成今天诸如古典艺术精神和现代艺术精神等不同的艺术样貌。另外，不同国家、不同民族、不同地域、不同文化也形成了各自不同的艺术特点。中国画无论在材料技法还是题材上都能够在世界绘画体系中独树一帜，正是这个原因。对象不同，艺术语言不同，鉴赏观念与方式效果也大不相同，这也是不言自明的。

艺术鉴赏活动总是伴随着艺术品的存在而存在的，自从艺术品诞生那天起，就存在艺术鉴赏。这是说，不是先有艺术品，才有艺术鉴赏；而是要肯定起码从艺术品诞生的那一刻起，就会诞生对它的艺术鉴赏。除了这件艺术品的第一位观众、听众、读者，其实艺术家创造这件艺术品的过程也是从鉴赏意义上的一个不断深化的契合心仪与完善的过程，他自然是艺术品的第一个鉴赏者。在这个意义上说，鉴赏和艺术创造可以相提并论。除此，从艺术史和社会生活史的角度说，其实在独立的艺术品在人类社会出现以前，在对作为实用物品和某些泛宗教或部落国家的集体仪式中，那些作为生活用品和仪式内容的表演、音乐、面具等，在发挥实际作用的同时，对其的艺术把握与某种程度的艺术鉴赏也就融汇在其中了，从此点看，艺术鉴赏的存在，早在独立的艺术品出现之前，这一点已为中外艺术史、生活史所证明。如果从超越单纯的艺术观点看，其实包括艺术鉴赏在内的人类广义的鉴赏行为与观念意识，是自“人”诞生的时候就逐渐产生和培养出来的一种能力，就存在的一种行为。人的鉴赏经验从“人”诞生那一刻起，就开始了它的积累历程。

（二）鉴赏主体

谁在鉴赏？无疑是鉴赏主体。不同地域、民族国家、历史时期对艺术鉴赏活动产生了不同的影响，在不同环境、条件、背景下所产生的不同的鉴赏群体，具有不同的鉴赏经验。鉴赏主体经验的差别，是影响鉴赏的重要因素。

艺术鉴赏存在悠久的事实，说明一个道理，即没有经过鉴赏的艺术品是不完整的艺术品。没有艺术家，就不能创造出来艺术品，但艺术家创造出来艺术品，只存放在仓库博物馆，虽然算是一种存在，但却没有实现“艺术”上的完整意义，在这个意义上，它的“存在”是打折扣的。而只有经过受众的鉴赏，经过具有鉴赏经验的艺术鉴赏者对其进行“二次创作”，艺术品才真正成为完整的艺术品。

影响艺术品价值的因素很多，其中主要的影响因素之一就是艺术鉴赏。艺术鉴赏是艺术创造的有机组成部分，鉴赏者发挥主体能动性，结合自身的文化背景、鉴赏能力、艺术素养对艺术品进行品评。品评过程中，融入了鉴赏者的主观态度与内在感受，在尊重客观事实的基础上进行合理的联想与想象，感知艺术品要表达的情感，丰富和完善艺术品的内在意蕴，从而形成对艺术品的二次创作。因此，只有经过了艺术鉴赏的艺术品，才真正完成了它的艺术创造过程，成为了完整的艺术品。这是鉴赏论的艺术观。没有鉴赏，何谈艺术？这在当代文化中已成为一个基本的文化共识。

（三）鉴赏场所及中介

在何处鉴赏？这正构成艺术鉴赏的场所

艺术鉴赏发生在什么场所，是在家庭还是在广场，是在影院还是在音乐厅，是在个人私密空间还是群体场合，是在博物馆还是歌剧院，这会产生不同的效果，不同场所、空间对艺术鉴赏产生不同的影响。

鉴赏的中介，指媒介。艺术总是由媒介材质作为其物质存在基础的。媒介不同，有时是我们区分艺术门类的一个根据，如亚里士多德在《诗学》中，就以媒介论的观点来区分史诗、戏剧等的不同。媒介有很多，音乐通过不同的乐器来传达，民族乐器与西洋乐器的媒介材质不同，因而也会在表现题材和表达效果上都有各自的领域范畴，听《高山流水》最好是中国民乐器，西洋管弦乐器演奏出来的《梁祝》恐怕就“窜味儿”了。

四、艺术鉴赏的经验性过程

艺术鉴赏的过程，主要涉及心理过程审美过程个体鉴赏与大众鉴赏、生活鉴赏与专业鉴赏、高端完成与理论形态，走向艺术经典等问题。

（一）心理过程

艺术鉴赏活动是由一系列连续、复杂的心理活动构成的，其中包括注意，感知、联想、想象、理解等一系列心理因素。如何使这些心理因素更好地发挥作用，以实现艺术鉴赏活动，这就需要鉴赏者在接触到艺术作品的感官刺激时，敏锐地捕捉这些信息，并通过联想、想象等心理活动，调动起鉴赏主体相关的审美体验和人生经验，唤醒沉积的情绪、情感经验，发挥审美想象，从而达到艺术上的通感与共鸣。面对纷繁复杂的艺术作品，只有人生阅历丰富、情感体验丰富、审美经验丰富的人，才能自觉引发出丰富的联想和想象，引起鉴赏者情感的激荡，从而获得艺术鉴赏中的审美愉悦和审美享受。艺术鉴赏主体只有在不同的环境中不断丰富、沉淀、累积自己的人生经验和情感体验，这些情感经验人生经验有朝一日在感知、联想、想象等心理活动的作用下，才会被唤醒，被激活，并转化为更具独特个性特征的审美经验，从而促进审美能力的提高。

艺术鉴赏的心理过程包括注意、感知、联想、想象、情感、理解等基本要素。这些要素构成了艺术鉴赏这一复杂的心理活动过程。这些心理要素之间相互影响、相互作用、相互交融，在微妙、复杂的相互作用中，共同形成了艺术鉴赏的审美心理结构。

“注意”，是艺术鉴赏活动的发端。“注意就是心理活动对一定对象的指向和集中

指向性和集中性是注意的两个特点”。注意，也可以看作是在艺术鉴赏最初阶段鉴赏主体的一种审美注意或审美期待，鉴赏主体从日常生活的意识形态转入艺术鉴赏的审美心理状态之中，从实用功利态度转入审美鉴赏态度，形成一定的心理距离。但在转变过程中，应适度把握心理距离的度，否则过犹不及。

“感知”，是注意之后的又一重要心理环节。感觉和直觉合在一起并称为感知。如果说“注意”是鉴赏主体审美心理准备阶段的话，感知则是艺术鉴赏活动的真正开始。艺术品以具体的感性形象作用于人的感觉器官。人的感觉器官快速。敏锐地感知到这些艺术形象，再结合人自身的生活经验。审美素养，在各种心理因素的综合作用下，完成对艺术品的感觉。知觉。体验。品鉴，

“联想”，是指“由一事物想到另一事物的心理过程。包括由当前感知的事物想起另一有关的事物，如看到冰河解冻，想到冬去春来，想到万物复苏。联想在心理活动中占有重要地位”。联想使鉴赏活动由对艺术品的感性形式的感知阶段，进入更深层次的艺术内蕴之中。

“想象”，是艺术鉴赏活动中对艺术品进行再创造的重要心理因素。艺术鉴赏活动需要人的想象。培养和发挥鉴赏主体的想象力，是提高艺术鉴赏能力的重要方法和途径

活跃的、丰富的想象力，是帮助鉴赏主体完成鉴赏活动的推动力，只有插上了想象的翅膀，鉴赏者才会得到丰富的审美愉悦和审美享受。

“情感”，也是艺术鉴赏活动的重要心理要素。人的情感复杂而多样。人作为高级动物，具有不同于其他动物的高级情感。情感在审美心理活动中发挥着重要作用。在注意、感知、联想、想象、理解等一系列心理因素中，是情感将它们有机地统一在一起，形成了一个连续、复杂的心理活动过程。艺术鉴赏活动以注意和感知为基础，在此基础之上“触景生情”每个鉴赏主体在进行艺术鉴赏活动时，都会受到情感的影响和支配，在情感影响下去感知艺术形象，这种感知经验又会作用于主体的情感，引起更深层次的情感活动。情感与联想和想象密不可分。艺术鉴赏中的联想和想象总是以情感为中介。因此，情感在艺术鉴赏活动中的作用十分重要。准确、深入、细致地把握艺术品的内在情感，体验艺术品的情感内涵，是艺术鉴赏活动的重要环节。

“理解”，是艺术鉴赏活动中渗透在各心理环节中的因素。在心理学中，理解是一种逐渐认识事物的关联、本质和规律的思维活动。艺术品不仅具有浅层次的感性形式和艺术形象，还有更深层次的内在寓意和深刻的审美意蕴，在特有的艺术空白中去品鉴艺术品，要求鉴赏者情感体验与综合判断相结合，感知经验与理性判断相结合。

（二）审美过程

艺术鉴赏不但是人的心理过程，还是一种以情感和想象力为核心的审美过程。鉴赏活动是一种人类所特有的富有深刻人性的思维活动。鉴赏者要具备对艺术作品的敏锐感受力和审美理解力、审美想象力。桑塔耶纳曾指出：“对于疏忽大意的人们，形式不能引起共鸣：他们从对象中只获得一种模糊的感觉，这种感觉也许会在他们心中唤醒外在的联想；但是他们不会停下来观看一个部分或欣赏它们的关系，因而感觉不到种种统一体的种种魅力……不能发现形式的价值”。因此，桑塔耶纳说：“形式美特别能引起有审美禀赋的人的共鸣”。通过不断地接触阅读体验优秀的艺术作品，会不断地掌握各类艺术的一般规律，积累丰富的艺术鉴赏经验，使我们的大脑成为接收艺术信息的敏锐的思维体系，不断提高艺术鉴赏能力。

艺术鉴赏带给人一种审美的愉悦的体验，使鉴赏者获得丰富的鉴赏经验。在这种审美过程中，从审美的角度看，包含着审美直觉审美体验审美升华三个阶段所谓审美直觉，是指人们在艺术审美活动或艺术鉴赏活动中，对于审美对象或艺术作品的形象具有一种感性直接而又瞬间把握与领悟的能力。审美直觉先于知觉而存在，具有直观性和直接性。在审美直觉的形式中，艺术鉴赏活动实现了对艺术作品和艺术形象的整体认识，在直观中将感性与理性融为一体，实现对艺术作品的把握和领悟。通感是审美直觉的特殊形式艺术鉴赏中的审美体验是整个审美过程的中心环节在鉴赏活动中，鉴赏主体发挥主观能动性，积极进行艺术再创造活动。审美体验以审美心理的注意和感知因素为基础，在审美直觉的基础上进行活跃的想象联想等心理活动，对艺术品进行新的再创造活动审美升华是艺术鉴赏活动的最后环节，也是最高境界我们采纳李泽厚先生有关审美能力的三层面划分，将艺术鉴赏获得的审美愉悦分为三个层次，即作用于感官层次的“悦耳悦目”，作用于情感层次的“悦心悦意”，作用于精神层次的“悦志悦神”。审美直觉阶段和审美体验阶段分别对应于前两个层次，而审美升华阶段则是在前两个层次的基础之上，通过更高层次的审美再创造活动，使鉴赏主体得到心灵的净化和精神的升华，实现人格层面上的审美愉悦，完成了一次超越。顿悟与共鸣是审美升华阶段时常发生的现象。

（三）从个体鉴赏到大众鉴赏

艺术鉴赏是鉴赏主体面对艺术品产生鉴赏活动实现艺术价值的过程，而“人”首先是个体的存在，其次才是群体的、社会的、大众的存在。个体的鉴赏是从个体的个性个人因素来谈，但个体鉴赏也不排除社会性，往往更显现出其社会性，作为社会一员，个性更显现了共同性的特征。大众鉴赏是用来描述特定群体特定社会的人们在艺术鉴赏中表现出来的共性方面，或者用来指在历史和生活中所表现出来的特定群体的艺术鉴赏行为与艺术鉴赏活动。从鉴赏作为一种社会活动行为来看，鉴赏总是表现为一种从个体鉴赏融入、走向群体鉴赏，又从群体鉴赏回归个体鉴赏的循环往复的过程。大众鉴赏除了相对个体而言表达社会群体的性质外，有时也用于表示精英群体专业群体之外的社会普通民众的鉴赏。

（四）从生活鉴赏到专业鉴赏

虽然艺术品是独立的艺术品，但鉴赏活动是存在于生活中的。我们也并不要求每个人都成为鉴赏家，甚至从个体角度说，从生活角度说，一是每个人都是在生活中进行鉴赏，而不是脱离生活存在生活环境进行艺术鉴赏的，即便是在剧场、美术馆，它所呈现的空间也与日常生活发生着关联，不能独立，并且它本身也是人们生活的一部分，乃至构成一种剧场生活美术馆生活；二是艺术鉴赏就其性质看，它本身应是生活性的，艺术鉴赏构成鉴赏生活、艺术生活的要旨，在于艺术生活是一种艺术鉴赏生活，我们必须将艺术鉴赏放到生活中来理解。艺术鉴赏经验来源于日常生活经验的积累与升华。在群体鉴赏大众鉴赏的基础上，由生活性经验形态的鉴赏，逐步会产生出专业性经验形态的鉴赏，即趋向于专业艺术评论的鉴赏，乃至一种职业性的鉴赏。专业鉴赏的特点首先是专业性，其次是深刻性，再次是权威性专业鉴赏在艺术鉴赏活动中起着引领、平衡作用。它引导艺术舆论，提供权威的评价机制，提供艺术鉴赏的方法与标准，通过专业鉴赏组织社会鉴赏活动，对艺术的评价艺术的新陈代谢发挥作用。

（五）艺术鉴赏的高端完成与理论形态

艺术鉴赏在大众鉴赏生活鉴赏的基础上走向专业职业性的鉴赏，最终形成艺术理论与批评，形成一种专门的学问――艺术鉴赏学，是对艺术实践的一种理论总结与升华。艺术鉴赏学作为研究艺术鉴赏的理论，是由多门学科交叉而形成的理论体系，提供艺术鉴赏的批评观念与方法，总结艺术创作艺术作品艺术鉴赏三者之间的关系和经验，以鉴赏为出发点形成特殊的艺术理论。它是研究鉴赏对象在主体方面引起的艺术思维活动规律，研究鉴赏艺术作品的方法与途径，研究构成鉴赏主体与客体之间的反映关系，研究鉴赏经验与审美效果的一门学科。艺术理论与批评是艺术鉴赏的高级专业形态，它作为社会大众艺术鉴赏的重要组成部分，帮助和支持大众性社会性生活性艺术鉴赏的实现与完成，然后以其自身的规律性体系性升华水平，代表或标志着艺术鉴赏的完成与实现程度水平。

（六）经典化：鉴赏活动形成艺术经典

艺术鉴赏，离不开艺术经典，因为它才是理想的艺术鉴赏对象，特别有益于艺术鉴赏者。

什么是艺术经典？从鉴赏的角度看，艺术经典主要指艺术鉴赏中具有“经典性”价值的艺术品，它由艺术品的历史化和经典化而形成。艺术鉴赏必须注意和研究鉴赏与经典艺术家，经典作品之间的关系。

经典是人类文化中的特殊存在形式，它是历史上经过大浪淘沙留下来的具有重要影响的典故和文化遗产：能够广泛运用于生活之中并获得大众认可：能够经受得住时间的考验而穿越长久的历史隧道为后世人们所鉴赏。艺术经典体现了人类的创造本性，体现着民族文化精神，是特定历史时期文化特定国家文化和特定民族文化的象征。

但这样的艺术经典是怎样形成的呢？并不是艺术家创作出一部优秀的艺术品就自动会成为艺术经典，它需要在不断的艺术鉴赏实践中大浪淘沙自觉地筛选锤炼，去粗取精首先，它是一个艺术鉴赏的历史化过程，艺术史的历史化的背后就是这样的鉴赏过程的历史化；其次，它才由这种历史化的鉴赏以及鉴赏的历史化形成流动与积淀稳定相统一的经典化，历史化和经典化统一于艺术鉴赏

大众的生活的艺术鉴赏活动与专业的艺术鉴赏活动形成互动，经过历史的打磨，使优秀的艺术作品经典化，会形成艺术经典。有的艺术作品在当代就会被推崇、经典化，但随着时间的发展，可能不会继续成为经典，不再被赏识，这就形成了艺术经典的变数、变化；有的作品在当代可能不是很有名气，但若干年以后，就会形成经典。所以，要用历史时间和发展变化的眼光看艺术的经典化。有些艺术作品无论时间怎样推移，都是经典。

五、经典形成后，引领艺术鉴赏

经典本身是一种楷模、标准、导向。人们以经典的标准为衡量标准。由于经典的形成，人们首先去鉴赏大家的作品，欣赏经典。经典化的两个维度：一是思想性与艺术性的统一，二是历史性与精品性的统一。

经典艺术论文范文第10篇

长期以来，学生大多在政治或哲学课程中接触到马克思主义理论，对经典理论家的理解基本趋于政治化、哲学化的维度。这种单一的政治化、哲学化的定型理解，无形中削弱了马克思主义经典理论家的丰富性，也造成了学生课堂接受的审美疲劳，最终导致马克思主义文艺理论教学的难度加大。具体来看，马克思主义理论家的文艺思想主要见诸卷帙浩繁的哲学、政治学、经济学著作、文集及书信当中。因此，引导学生重读、细读和精读马克思主义文艺理论的经典文献，亲身体验经典文本历久弥新的魅力，是学好马克思主义文论课程的必要门径。只有在全面熟悉掌握马克思主义思想体系的基础上，发掘经典理论家的文学性，才能突显马克思主义文艺理论课程的特殊魅力。马克思主义文艺理论的诞生于十九世纪欧洲现实主义文学、德国小资产阶级倾向文学、无产阶级文学、自然主义文学等文学艺术实践的具体研究之上。马克思主义经典理论家马克思、恩格斯、列宁等都有着非常丰富的文学素养。以马克思本人为例，他年轻时深受欧洲浪漫主义文学思潮的影响，创作了大量的诗歌，在官方的文件中被称之为“文学家”。即便是和恩格斯合作的《共产党宣言》，从文学性的角度来看，同样堪称文辞优美、逻辑严密的典范之作。文章开头一句便脱离理论文章枯燥抽象的“八股味”:“一个幽灵，，在欧洲游荡。”用奇特的比喻来喻示共产主义的兴起已成为欧洲瞩目的现象。文中用诗意化的语言，对资本主义社会进行了入木三分的深刻批判，认为“资产阶级在它已经取得了统治的地方把一切封建的、宗法的和田园诗般的关系都破坏了。它无情地斩断了把人们束缚于天然尊长的形形的封建羁绊，它使人和人之间除了裸的利害关系，除了冷酷无情的‘现金交易’，就再也没有任何别的联系了。它把宗教虔诚、骑士热忱、小市民伤感这些情感的神圣发作，淹没在利己主义打算的冰水之中”。授课时，如能结合19世纪欧洲的文学经典名著，如巴尔扎克《高老头》、司汤达《红与黑》的主要情节进行对照性分析，不难看出马克思深刻的洞察力和高超的理论概括能力。同样，马克思对于“金钱的万能”批判，也是通过丑男、跛子等具体喻证，来揭示货币“使一切人的和自然的性质颠倒和混淆，使冰炭化为胶漆”的奇异能力。《评普鲁士最近的书报检查令》更是充满对文化专制主义的强烈批判，对新闻自由的激情呼吁。可以说，马克思的理论文章无论是从语言的审美性，还是逻辑的严密性，都是值得称道的。因此，同时代的莫塞斯•赫斯曾如此评价马克思:“将最深刻的哲学严肃和最辛辣的幽默结合在一起”，“集卢梭、伏尔泰、霍尔巴赫、莱辛、海涅和黑格尔于一身，集者并非胡乱混在一起。”可以说，通过经典理论文本的文学化解读，我们不难体会到马克思的文学性魅力和深邃思想，感受到马克思激情浪漫的一面，改变了对马克思的刻板印象，还原一个真实的鲜活的马克思，无疑会激发学生的浓厚兴趣。当然，马克思主义经典理论家大多亲身参与过文艺批评的实践，他们所创作的批评文章，更是提供了直接参照学习的范本。如马克思、恩格斯对于歌德、巴尔扎克的文艺批评，列宁对于托尔斯泰的文学批评，本雅明对于波德莱尔、布莱希特的文艺批评，均是马克思主义文艺批评的重要经典文献，需要细细揣摩、认真解读，方能有助于系统掌握马克思主义文艺理论，准确领会和把握马克思主义文论的精髓。

二、把握时代脉搏，充分展现马克思主义文艺理论鲜活的生命力

马克思主义文艺理论并非是高高在上、脱离现实的玄虚之论，而是具有鲜明实践品格的伟大学说，马克思曾将自己的世界观称为“实践的唯物主义”。笔者认为，马克思主义文艺理论长久不衰的魅力正在于其强烈的现实批判性。我们绝不能效仿某些庸俗马克思主义者，“以虚张声势的做法使人们远离真正的问题，同时却诱使大学中的某种知识分子话语得到更多的尊重和认可”。因此，授课中需要把握文学艺术发展的时代脉搏，从马克思主义的视阈观察现实，通过分析解决文艺实践的具体问题，向当代大学生展示马克思主义文艺理论充盈的生命力。如分析当下比比皆是的“文学商业化现象”。由于消费社会普遍性的商业化逐利行为，精英文学的式微与大众文化的兴起成为不争的事实，精英文学的边缘化与大众文化的庸俗化成为理论家忧心忡忡的问题。其实，对于消费社会中艺术何为的追问，完全可以援引马克思的艺术生产理论进行解答，马克思关于生产劳动与非生产劳动的划分，关于艺术生产与消费两重性的分析，关于艺术产生与物质生产的联系与区别，在历史和逻辑统一中看待艺术生产的论述，都可以有助于更好地理解和分析这一现象。同样，细察西方当代兴起的诸多文艺批评范式，马克思主义文艺理论不仅成为其直接或间接的理论资源，它所提出的一些问题仍然具有深刻的现实性。正如学者所指出的:马克思主义的“意识形态理论”“阶级理论”“真实论”等，对西方女权主义批评给予了重要的启发和动力。同样，马克思主义与新历史主义批评、与后殖民主义批评之间也存在互通共生的结合点，也能构成有效的对话关系，这充分证明了马克思主义文艺理论的先进性。特别是进入新世纪以来，中国的文艺实践发生了日新月异的深刻变化。当代文化的视觉化转向，影视文学、网络文学的迅猛发展，文学经典的通俗化都给文艺活动带来新的议题。而马克思恩格斯对于文学、人学的相关理论，对正确认识文艺的社会定位和服务对象，正确把握文艺的本质特征和规律提供了有效的回答。因此，把握时代的脉搏，追踪学术前沿热点，通过理论与现实的密切对话，既符合新时代大学生的特点，也有助于加强学生理论联系实际，解决现实问题的能力。当然，理论的阐发必须辅之以丰富的案例进行，便于学生的理解与吸收。通过大量生动形象的案例教学，注意文本分析与原理讲解相结合，将抽象的原理用形象的方式进行展现，引导学生不断提高文本分析和理论阐释的能力，在具体的实践中，不断理解和掌握马克思主义文艺理论。

三、保持理论开放性，不断地建构和发展马克思主义文艺理论体系

马克思主义从唯物史观出发，为观察和研究一切文艺现象提供了系统科学的世界观和方法论。特别是恩格斯提出“美学的历史的观点”这个马克思主义文艺批评的总原则，把美学的观点视为分析作品的艺术性尺度，将历史的观点作为考察作品的基本方法，强调关注文艺生产的具体历史语境，为正确开展文艺批评和实践奠定了坚实的理论基础。对此，美国学者韦勒克和沃伦也不得不承认，“马克思主义的文艺批评在其揭示一个作家的作品中所含蓄或潜在的社会意义时，显出它最大的优越性。”但毋庸讳言，马克思主义文艺理论的奠基人并非纯粹意义的文论家，作为诞生于19世纪的总体性科学理论，经典的马克思主义文艺理论未曾预料到20世纪以后文学艺术日新月异的丰富实践，或者说对20世纪以后文学艺术领域的新鲜议题未曾提出具体的应对策略。再者从批评模式而言，传统的马克思主义文论偏重于宏观的社会—历史批评，对文学的内部规律、文学的形式、审美心理等基本问题无暇顾及或关注不够。因此，不同历史时期的马克思主义理论家无不殚精竭虑，相继不断补充、丰富和完善马克思主义文艺理论体系。如列宁在帝国主义和无产阶级革命的新时代，科学总结列夫•托尔斯泰等人的文学实践经验，丰富发展了马克思主义文论思想。普列汉诺夫则提出了“五项因素公式”，强调社会心理的桥梁作用，有效沟通了经济基础和文学艺术之间的联系。由此，我们同样要适应时代的发展变化，坚持开放性的理论视野，赋予马克思主义文艺理论以更大的包容性，这也符合马克思主义辩证法的内在精神。在当今世界马克思主义多元的发展格局中，流派纷呈，歧见杂出。西方学术界有所谓“马克思学”“西方马克思主义”和“新马克思主义”，更有“西马非马”之争。相对于正统的马克思主义偏重于政治经济层面的政党斗争，西方马克思主义则另辟蹊径，强调和关注文化的革命功能，把文化艺术视为超越一切的最终力量，所以在美学、文艺理论方面进行了卓有成效的学理性探索，极大地拓展和丰富了传统的马克思主义文艺理论思想。另一方面，西方马克思主义脱离了现实的无产阶级革命实践，大多属于头脑中的风暴，文学艺术因此成为一种审美意义的救赎乌托邦，很难完全符合传统马克思主义思想的特征。因此，在教学过程中，坚守马克思主义立场的同时，要避免机械静止地理解马克思主义，加强与当代西方文艺思潮的对话与融合，要大胆接纳西方马克思主义文艺理论最新成果，在批判中理解和吸收其精华，不断对马克思主义文艺理论进行必要的拓展与深化，以适应日新月异的文艺实践。由此，在后现代的文化语境中，马克思主义文艺理论同样可以展开诸如文学艺术与意识形态、身份政治、生态批评的热点问题讨论，在不断开放当中拓宽更为广阔的发展空间。

四、立足中国现实，及时总结和阐发马克思主义文艺理论中国化的最新成果

经典艺术论文范文第11篇

一、“六艺”与百工

礼、乐是“六艺”中最主要的内容。《礼记》曲礼称：“夫礼者，所以定亲疏，决嫌疑，别同异，明是非也。”《论语》为政曰：“道之以德，齐之以礼，有耻且格。”礼是尊卑亲疏等级名份的规范，并通过相应的礼仪制度，在社会生活各个方面体现出来。以工艺样式传承为主的先秦百工美术教育，所遵循的礼仪典章制度即系于此。《论语》阳货云：“子曰：‘礼云礼云，玉帛云乎哉！乐云乐云，钟鼓云乎哉！’”《乐记》乐论云：“乐由中出，礼自外作。（中略）乐至则无怨，礼至则不争。揖让而治天下者，礼乐之谓也。”礼、乐是先秦文明教化相辅相成的两个方面，礼是外在的规定，乐是通过钟鼓歌舞、五音八声，陶冶内心情感，以通伦理。“六艺”教育中的乐教，主旨在于以乐风德，同时也是主要的艺术教育形式，对于艺术情感、艺术品味等素养的造就，有重要作用。

以贵族子弟为主要对象的“六艺”教育，有比较完备的学校教育制度。《礼记》乐记曰：“德成而上，艺成而下。”“六艺”教育宗旨在于明德，而不在于执技。天文、历算、医术、匠造等技艺、技术，则通过学校以外的途径，由从事相应职业者，父子相传，师徒相授，并且世代继承。《礼记》王制称：“凡执技以事上者，祝、史、射、御、医、卜及百工。凡执技以事上者，不贰事，不移官，出乡不与士齿。”这些“执技以事上者”，社会名誉不高，“不贰事”即不能迁业，“不移官”即不能入仕，“出乡不与士齿”，与“士”相比，他们没有地位。由此，规定了中国古代百工的基本身份，三千年大体不变。在先秦礼仪典章制度规范之下、以工艺样式传承为主要原则的百工美术教育，在整个先秦社会教育体制中，处于边缘位置。

《考工记》篇首开宗明义提出了“百工”的概念，指出了其在社会中所处的位置，并规定了百工的职责范围：“国有六职，百工与居一焉。（中略）审曲面势，以饬五材，以辨民器，谓之百工。（中略）知者创物，巧者述之守之，世谓之工。百工之事，皆圣人之作也。”后面的两句话，显然是告诫百工要安守本分，有明显的正名定份的教育意义。随后，指出了工艺精良的最高境界：“天有时，地有气，材有美，工有巧。合此四者，然后可以为良。”这一部分总论文字，从百工的身份本职和专门技艺两方面，作出了规定和要求，体现了明显的进行专业意识教育的目的。

总论之后，《考工记》划定出六类共三十个工种。分工的详细，反映出很高的专门化程度，为技艺教育的单一化和具体化规定了界线。

这样一来，美术教育就相应的分为两种，一种是对高踞于社会阶级上层的贵族的教育，重在教育艺术鉴赏力，一种是对工匠，艺人等百工的教育，重在进行专业技能的教育。从这两种美术教育方式中，不管是收比较完备的学校教育制度，还是靠师传徒、父传子的方式，都要遵循典章仪轨，通过不同的美术教育途径来反映“尚礼好古”的教育思想。

二、“尚礼好古”的教育思想

“尚礼好古”、以崇尚经典、以经典为法则的教育理论，是孔子教育思想的重要理论之一。这种教育思想贯通于整个中国古代美术的教育历史，成为我国古代以典范为宗的美术教育思想的基础，无论百工、宫廷画师或是贵族、文人，莫不以此为入门手法。

《论语》述而曰：“述而不作，信而好古。”古典、古训的作用，在重视教化传承的中国古代文化中有特殊的地位。《诗》大雅蒸民曰：“古训是式，威仪是力。”正义云：“古训，先王之遗典也。式，法也。”凡古训、古典、古雅、古道、古义、古意、古风之谓，不惟在时间上追溯仰慕古人，更重要是强调其典则、经典、肃正、典雅、雅正的品格，并归乎于礼。孔子“信而好古”其所谓古者，要义在此。这一“信而好古”、崇尚经典、以经典为法则的教育理论，是孔子教育思想中最重要的理论之一，并随着儒家学说的传播，渗透到中国文化各个领域，成为中国古代教育思想中最主要的原则。同时，也随着中国美术的不断发展，成为中国古代美术教育史上最重要的教育思想。

对礼、仪、法、规的遵从，在教育实施的过程中，又表现为对“为人师表”的师、傅的尊重。这种思想在荀子著作中体现得最为集中。《荀子》修身曰：“礼者，所以正身也。师者，所以正礼也。无礼，何以正身？无师，吾安知礼之为是也？”《荀子》大略曰：“国将兴，必贵师而重傅。贵师而重傅，则法度存。国将衰，必贱师而轻傅。贱师而轻傅，则人有快。人有快，则法度坏。”《荀子》儒效曰：“有师法，人之大宝也。无师法，人之大殃也。”《荀子》大略曰：“言不称师，谓之畔。教而不称师，谓之倍。”师道尊严是教育的基本前提，“师云亦云”是基本的要求，未可以“青取之于蓝而青于蓝”相诋讦。荀子在《劝学》篇中又说：“《礼》、《乐》，法而不说。《诗》、《书》，故而不切。《孟子.离娄上》曰“孟子曰：不以规矩，不能成方圆。”，《礼记.玉藻》“周还中规，折还中规”；《荀子.劝学》中说“其曲中规”。做人的“礼”在美术教育中转化为一种“中规”的要求。要合乎规范，就必然要求崇尚古代的范本，也就是“好古”。《论语.述而》“述而不作，信而好古”。后世论画论书，凡所鉴评，高古、古雅、古邈、古香、古风、古意，俱为上品。无论百工伎匠，宫廷画师，或是轩冕贵胄，士子文人，莫不以模范经典为入手法门，贯通于整个中国古代美术教育历史，成为最基本的原则与最普遍的观念。

三、“六艺”与“尚礼好古”的美术教育思想对后世美术教育的影响

经典艺术论文范文第12篇

【关键词】中国传统经典绘画 国学 书法用笔 西方美术 写实 写意

任何一个国家的高等教育，都会在学科定位上将本国最优秀的传统学科推到重要位置，以突出和宣扬其文化的民族性。有些国家对本国的传统优势学科，出台了带有民族主义色彩的保护性政策。事实证明，这些措施不但很好地将本土的优秀文化品牌保护和传承下来，同时也把其推荐和奉献给了全人类。

客观地说，“世界文化”应由两大部分构成，一是以中国文化为代表的东方文化，二是以欧美为代表的西方文化，二者缺一不可。目前的一些国际美展或美术教学活动中，西方美术作品仍占有主导地位，而中国画作品仅是陪衬而已，更难有获得奖项的机会。西方国家文化在国际文化这一大舞台上大力运作，形成定式，使得东方文化处于从属地位。东方文化的边缘化弱化了其在世界上的影响力。

1919年以来，我国一些美术教育家借着新文化运动喊出了“以西方写实主义改良中国画”的口号，对中国画发展起到了很大的促进作用。但随着这种影响的不断发展，不少人开始怀疑我国的传统经典绘画，甚至主张以西方写实来替代中国传统文人画的写意，把中国画的衰弱归结于文人画的“逸气”和“抒情写意”，这无疑是极端的。文人画的逸气之风是经过千百年积淀下来的一种至高的精神财富，也正是这一精神才使得中国画笔墨与画家的内心产生了直接交融，形成了中国传统绘画所独有的精神气质。这是我国传统文化的精华所在，不可被轻易否定和替代。

当今美术院校的专业美术考试科目均以西画（素描、色彩）为主，鲜有中国传统技法科目的测试。因此招收进来的学生对中国传统绘画知之甚少，甚至一无所知。因此，极大增加了中国画教学难度，影响了中国画的传承与发展。审视目前我国美术院校的教学及考试，会产生很多疑问，当今世界文化大一统的环境下究竟是谁统一了谁？为何西方艺术生考试不考中文，而我国各级各类人才选拔考试（当然也包括艺术类考试）都必须考外语？著名画家陈丹青因反对现行人文艺术教育体制而辞去了清华大学美术学院导师职务，其不能认同有才华的考生仅因外语和政治成绩差一些，而与光明的艺术前途失之交臂。这种西化的教学体系，是我国传统文化教学上的缺失，已使中国画教学偏离了方向。笔者认为，中国画教学要坚持原有的艺术精神内涵，引入传统的中国经典教学内容，弘扬中国经典教学技法，把我国传统经典绘画艺术继承、发展、弘扬下去。这是我国艺术高校的历史使命。一位国学大师、国画大师（如齐白石、黄宾虹等）既是我们中华民族的文化精英，也是属于全人类的。“越是民族的，就越是世界的”，这是我们的共识。

由于中西文化在观念上的不同，造成中西绘画表现方法和追求意趣上的差异。西方注重观察上的科学性，表现上的写实性；中国传统绘画在观察上侧重于主观感受，表现方法上侧重于写意。中国画中“写生”，不同于西画教学中对物（景）的“描摹”，画家根据所观察到的物象，按照中国传统绘画特有的规律和方式加以解读，然后转化为自己独特的艺术语言（如皴、擦、点、染）。正所谓“外师造化，中得心源”。这种独特的艺术语言和高雅的精神追求是西方人难以理解的，是带有神秘色彩的，也是东方文化的魅力所在。因此，不要急于否定自己、迷失自我，要建立自信，学习好本国优秀经典文化艺术，才能自信地走向世界。如果不注重对中国经典绘画的学习和研究，即便是看遍山川，亦不得“法式”。多年的教学经验和教学效果告诉我们，丢掉中国传统优秀的绘画语言法式，而一味去学习西方的“对景写生”，是难以画成中国画的，即便画，也会缺乏中国画所独有的神韵。

当今，中国画坛都在呼吁创新，怎样创新，如何创新，是个值得思考的问题。没有继承就无所谓创新，中国画教学中亟待解决的问题不是创新和改造，而是要对我国优秀传统经典绘画加以整理、继承和传播。有些中国画学生（也包括国画教师）对我国传统艺术文化知之甚少，缺乏传统功力的积淀，把传统经典束之高阁，而急于追求个性的建立。个性不是一时灵感的标新立异，是必须要被大众认可的。真正好的个性语言是“笔笔是古人，笔笔是自己”。没有“笔笔是古人”，就谈不上文化的传承和延展，“笔笔是自己”就没有了根基，别人无法认可，也就失去了意义。在创作中，只有一笔古人，才会有一笔自己，“笔笔是古人”才会“笔笔是自己”。

一、目前各高校中国画教学中存在的问题

（一）文化课过于重视外语，轻视国学

一些艺术考生文化素质差，缺乏中国传统文化素养，对书法课程不够重视，在作画时不懂得书法用笔、以书入画，这都是亟待解决的问题。另外，很多高校学生学习外语积极性高于学习专业课，入校后首先关注的是外语能否过关，因为这关系到能否拿到学位证、能否考上研究生，而把中国经典文化的学习放到了次要位置。于是出现了一个怪象，那就是艺术院校的研究生相比之下可称为高素质的外语人才而低素质的中国画专业人才。而另一景象是：一些没有艺术天赋，但外语成绩好的学生考上了艺术类研究生，而真正有艺术天赋的学子却被拒之门外。有人曾悲观地说：“当今社会再也出现不了吴昌硕、齐白石这样的中国画艺术大师了。”笔者每每想到此，心中总有一种深深的不安。

（二）书法教学的缺失，造成中国经典绘画教学难得其法

1919年以来，美术的革新浪潮造成了学生在中国画学习上对经典绘画临摹的忽视。由于其不懂以书入画的精髓，因此，在临摹中国经典绘画时不得要领，难摹到位。其实，临摹经典不仅是临摹经典的形式，更是临摹经典的用笔用墨。这种经典的用笔用墨是离不开书法的，毛笔是我们特有的书画工具，中国传统绘画是“书写”出来的，并非仅仅是“画”出来的，是“写意”而非“画意”。

（三）过分强调西化教学法，弱化了中式教法

西化教学固然有其优点，是对中国画教学的补充和启发。但过分强调西化教学，甚至以此来否定中化教学是不可取的。19世纪西方很多艺术大师（如梵高、马蒂斯等）对东方艺术经典绘画产生了极大的兴趣，其吸取了中国画的“以线造型”之法，追求“意象造型”，从而成就了印象派绘画的一大特色。但是，其在吸收东方绘画经典之法的同时并没有丢弃西方绘画之风尚。所以说，绘画中的中西结合应相互交融、取长补短，要把握好分寸，不可迷失自我。陈绶祥在《国画讲义》中说：“越是中国的就越是世界的，越是世界的就越是中国的。”同样，越是国画的就越是中国的，越是中国的就越是国画的。

（四）高校中国画教学内容中中国经典绘画理论严重缺失

中国画教学中往往只注重实践性教学及笔墨技法的训练，这是远远不够的。中国画艺术是人类美术史上历史最悠久、文化积淀最深厚并极富创造性的艺术，从艺术行为到艺术形式再到技法表现，涉及艺术形式美学和视觉心理学的多方面，有着高层次的、完整的学术理论体系，这一理论体系很早就已形成，是我国绘画艺术的精华，更是经典内容。如果中国画教学中只注重实践性教学，既使技法再娴熟，也只能算学到皮毛，最多也就称得上一个“手艺人”，而绝非艺术家。由此可见，中国经典绘画理论的学习在美术教学中的重要性。

二、几点建议

（一）把好招生关

从源头上重视生源的文化素质，特别是中国画专业的学生，可考虑加试中国画经典理论和中国古典文学的知识。

（二）加强理论教学

在文化课教学上，加大中国古典文学、中国经典绘画理论的教学。国学知识不仅是艺术生必学的内容，也是所有大学生的必修课，这关系到国民素质的整体提升。

（三）加大教学力度

在专业课安排中，适度减少素描、色彩课程的学习时间，加大中国经典绘画作品临摹的学习力度，让学生能够长时间地与唐、五代、宋、元、明、清的绘画精品“亲密接触”，提高其对中国经典绘画的认知度和鉴赏力。加大书法教学力度，注重以书入画。中国讲究书画同源，国画教师应先懂得书法，才能在创作实践中正确“书写”中国画，这也是一大经典特色。

综上所述，当今的中国画教学还存在着诸多问题，其改革发展道路是漫长而艰辛的。唯有不断努力、正本清源，才能把中国经典艺术文化发扬和传承下去，才能还中国经典绘画在中国画教学中一个正确的定位。

参考文献：

[1]韩国榛.关于艺术院校改革的讨论（2）——定位与优势[J].美术，2001（7）.

经典艺术论文范文第13篇

[关键词] 气韵 中国古典舞 美学特征 发展轨迹 美学价值

序言

中国古典舞是一个特指的概念，是在中国古代艺术长期发展过程中积累形成的表演艺术。中国古典舞始于民间原始娱神、祭祀，进入宫廷后得到专业艺术家的精心培育，逐渐形成了典型性的舞蹈动态形式。在不断的发展中，中国古典舞蹈荟萃了我国戏曲、武术、杂技、民族舞蹈并吸收了芭蕾动作的抽象性而形成了“神形兼备、刚柔并济、动静互补、以身为本、以意为神、内外合一、一动俱动、兼含并蓄”的美学特色。

“气韵”是中国古典美学的重要范畴。自南北朝以后，人们广泛运用于艺术批评和艺术理论中，特别在我国传统绘画方面，赋予了它极其丰富的内涵。自谢赫在论画有六法中将“气韵”作为美学范畴提出至今1400多年来，“气韵”已经成为中国传统艺术的精神核心。笔者认为，“气韵”论对于同样是中国传统艺术的中国古典舞蹈同样具有重要的意义，并且应该成为中国古典舞创作、表演、鉴赏的重要标准和最高法则。

一、“气韵”论下的中国古典舞美学特征――刚柔之美

中国古典舞动作以意、劲、精、气、神为精神支柱，以手、眼、身、法、步为技巧要领，从而构成了刚柔相济、形神统一、文质并重的美学特征。笔者认为，“气韵”就是力与媚相结合而形成的流溢于中国古典舞的神采。

“气韵”范畴之所以成立，是因为它有着深厚的哲学基础。中国传统文化的“气韵”论，可以直接追溯到《周易》。《周易》中的阴、阳观念是对宇宙万物普遍秩序的一种反映，自然也可以解释审美和艺术现象。“气韵”中的“气”和“韵”就可以理解为分别体现了宇宙万物阳刚、阴柔的特性，反映了宇宙与艺术的根本性的二元对立。这在中国古典舞动势中得以了充分的体现。至今留存在中国古典舞蹈中的“云手”，它包括了“穿手”、“划圆”、“提腕”、“亮相”四个舞姿动作造型。“穿手”为“气”，也就体现舞美阳刚的一面；“划圆”为“韵”，体现的就是舞美阴柔的一面；而“提腕”和“亮相”这两个动作无不将“气韵”中的媚与力表现得淋漓尽致。前者向内收敛，后者含苞欲放。

古典舞的刚柔之美，在我国古代诗歌中也可寻得记录。唐代诗人李端写下《胡腾儿》的诗，对《胡腾》舞做了如下描写：“跳身转毂宝带鸣，弄脚缤纷锦靴软。”“环行急蹴皆应节，反手叉腰如却月。”就是说音乐节奏快，舞蹈随着节奏跳转，舞者又反手叉腰，向后下腰，柔得就象一轮弯月一样。又如唐代诗人李群玉在《长沙九日登东楼观舞》中对《绿腰》舞进行生动描述：“南国有佳人，轻盈绿腰舞……翩如兰苕翠，宛如游龙举……低回莲破浪，凌乱雪萦风。”舞蹈轻盈、温婉，却又不失气魄。这些都无不反映了舞蹈的刚柔之美。

二、“气韵”论下的中国古典舞蹈发展

中国古代美学形成的“气韵”范畴，它与古代中国人的生命状态、社会实践以及世俗风气有着多层次的联系。就中国古典舞而言，“气韵”是能够反映艺术表现者对作品的理解程度，是人心理上的一种内在意识，而这种内在意识是艺术变现者特有的思维现象。之前有学者指出，“气韵本乎个性，一人有一人之面貌，即一人有一人之个性。个性不同则所作之画，气韵也不同。”如此演绎过来，中国古典舞的创作、表演也都会受到艺术表现者的思想性格、精神状态、才能气质等多方面的影响。“气韵”也就可以决定艺术作品所能够达到的境界。

1、舞自心出的起源

《淮南鸿烈・诠言》记载：

“……故不得已而歌者，不事为悲：不得已而舞者，不矜为丽。歌、舞而不事为悲、丽者，皆无有根心者。”

《淮南鸿烈》是西汉淮南王刘安及其门客李尚、苏飞、伍被等，仿秦吕不韦著《吕氏春秋》，集体撰写的一部著作。这是目前能够找到的论述舞自心出的最早文献。

“气韵”论在汉代处于一个萌芽的状态。有学者研究指出，“气”是创作主体以力量展现的心胸状态及其赋予作品的内在活力和外在动势，“韵”是创作主体身心和谐而赋予作品的雅致、淡远、和谐的风貌之美。我们由此推论出，“气韵”本身就是表现创作主体内心深处的载体。我们不难发现，“气韵”论的萌芽与“舞自心出”这一理论的萌芽惊人的出现在了同一时代。这显然不是历史的巧合。任何文艺作品，它与其存在的社会环境有着必然的联系，这是学术界早已公认的事实。因此，我们可以说，“舞自心出”这一舞蹈的基础理论是受到了“气韵”论的影响而形成的。由于“气韵”论的萌芽，两汉也就成为了中国古典舞蹈发展的一个里程碑。它表现在舞蹈活动的普遍兴盛，乐舞百戏等表演艺术水平的大幅度提高，出现了一些著名的舞蹈和舞人等等。

2、舞蹈风格的变化

汉代艺术(特别是西汉的艺术)基本上以“气”为主，“气”在一定程度上压倒了“韵”。而通过研究大量汉画像砖石中保存的各种丰富的舞蹈形象，我们发现它们所表现出来的精神气质，大多是气势昂扬，雄健有力，充满勃勃生机，连戚夫人跳的“翘袖折腰之舞”，也是动作幅度较大、节奏鲜明的舞蹈，以“气”为主。当然这也与汉代兴盛向上的时代气息相关，但另一方面，也反映了那个时代舞蹈的主要观众一一皇室贵族、文人学士的欣赏趣味与审美要求。李泽厚先生认为，“气势与古拙”为汉代艺术的基本美学风貌。在这一时代，“气”的重视程度是远胜于了“韵”，但并不是说在这个时代的舞蹈艺术就没有“韵”的存在。汉代诗赋中就可以找到描写以“韵”为主要特色的舞蹈作品。笔者认为，在这个时代的舞蹈中，“气”、“韵”还是两个比较独立的审美要求，虽然在某些作品中，能够有所融合，但毕竟不足以称之为统一和谐的审美范畴。

魏晋南北朝时期的思想意识、文化艺术在动荡不安的社会大环境下发生了悄然的变化，而且融汇了许多的外族文化。“气韵”这一审美形态和美学范畴正是在这样的环境中正式形成，并在理论上达到了较为成熟的地步。中国古典舞在这一时期也充分的受到了这一审美范畴的影响。舞蹈的基本观众变成了贵族士大夫，他们情绪低沉，及时行乐的思想深深影响着他们。因此这个时期的舞蹈没有了汉代那种豪放粗犷的气质。“如白贮舞。从晋至隋唐，一直盛行。它具有江南地方特色，舞袖激发丰富多变。时而高举，时而徐转，时而飞舞，时而掩面，”如推若引留且行“的优美舞步，引人入胜。”就像上述描述的那样，这个时期的舞蹈已经失去了汉代的那种大气。但是我们可以惊喜的发现，这个时期以白贮舞为代表的中国古典舞，多了几分妩媚，却又继承了汉代的舞容，已经能够找寻到“气”、“韵”交融的影子了。但是，这个时代的表演性舞蹈，大多崇尚以“韵” 为主要的审美标准。

唐代国力强盛，整个社会生气勃勃，而且文化交流频繁。中国古代社会在唐展到了最高峰，也正是文化艺术发展的太好时机。在这样的背景下发展的舞蹈，特别是中唐以前的舞蹈，自然也就重新拥有了大气磅礴的气势。唐代诗人杜甫在《观公孙大娘弟子舞剑器行》一诗中用“气韵”论舞，一句“来如雷霆收震怒，罢如江海凝青光。”可窥见剑舞所展现裂石惊云般的“气”，从“来”与“罢”中不难体味到那股游刃有余的“韵”。由于唐代舞蹈不但继承了魏晋时期的优柔“韵”味，又重新唤起了汉代所崇尚的“气”，并在各族文化的交流中，不断融合，“气韵”这一审美范畴可以说在唐代的舞蹈中表现达到了一个极致。但同时，在中唐之后，盛及而衰，逐渐消解。

宋代，被誉为古代舞蹈发展的转折点。气韵的消解主要表现在宋代美学中“韵”的突出。这种消解我们可以通过唐代著名“软舞”《绿腰》(又作《六幺》)的变化中找到足迹。

黄时龙的《虞美人》对宋代的《六幺》舞做了如下描述：

“卷帘人出身入燕，烛底粉y明艳。A鼓初催按六幺。无限舂娇都上，舞裙腰。画堂深窈亲曾见，宛转楚波如怨。小立花心曲未终，一把柳丝无力，倚东风。”

同样是描写六幺舞，但为唐代诗人李群玉在《长沙九日登东楼观舞》中对《六幺》舞进行了如下生动描述：

“南国有佳人，轻盈绿腰舞……翩如兰苕翠，宛如游龙举……低回莲破浪，凌乱雪萦风。”

通过两者的对比，我们不难可以得出这样的结论：宋代的《六幺》舞承袭了唐代《绿腰》舞以舞袖为容和舞姿轻盈、飘逸、流畅的特色，却摈弃了“飞去逐惊鸿”那敏捷昂扬的风貌。也就可以此推论，宋代的舞蹈没有能够很好的承袭唐代以“气韵”为美的审美标准，过于注重了“韵”的突出，“韵”在宋代成了艺术作品最高的审美标准。

在之后的几百年间，中国古典舞都逐渐走向了一个低谷，没有能够有所大的突破。而这一时期，与社会气运相关的“气韵”在唐代以后就逐渐走向了消解。应该说，从历史的发展来看，这一状态是不可避免的。因为中国古代社会的穷途末路，毕竟会直接影响到“气韵”的发展。“气韵”的消解也给中国古典舞带来的不少的负面影响。特别是在明清至民国初，中国古典舞已经谈不上自己的独立性了。它不是沦陷于西方文化的侵入，而是经典失落于自己的民族文化内部。

三、中国古典舞的现代性转变

“气韵”的消解并不是说，“气韵”这一美学范畴就此退出了历史舞台，只是“气韵”已经不再作为社会的基本审美标准，表现于人们的艺术创作中了。

二十世纪五十年代，随着新中国的成立，恢复中国古典舞蹈的课题才逐渐成为大家的关注对象。“中国古典舞”这一概念也是由戏曲舞蹈家欧阳予倩提出并得到业界认可的。而这一概念中的中国古典舞已经不再是纯粹的舞蹈了，而是荟萃了我国戏曲、武术、杂技、民族舞蹈并吸收了芭蕾动作的抽象性发展而来的。

中国古典舞的代表作《金山战鼓》以戏曲形象为基础，第一次以舞蹈这一特殊的艺术形式作为表现手段，再现了九百多年前南宋名将梁红玉带领两个儿子擂鼓助战，英勇不屈地抗击金兵的光辉事迹。

《金山战鼓》的舞蹈编排上，以戏曲舞蹈为基础，吸取了“起霸”、“走边”等许多因素并按照编导所需人物的性格，以舞蹈的特性加以夸张、变化和发展，使原本戏曲性的动作更加舞蹈化、情感化，不仅在节奏上强调轻重、刚柔、强弱、急缓、松紧的对比，造型上也具有拧、倾、圆、曲的特征，强调动作路线上回环往复的特征，突出了流动连接上闪转腾挪的鲜明民族风格，加强了古典舞特有的节奏变化，从而把中国古典舞的风格和韵律融会贯通在整个动作形态当中，把梁红玉这个家喻户晓的中国古代女中豪杰的特有形象准确生动地层现出来。由此，我们可以看出，中国古典舞的现代性转换，也没有离开“气韵”这一美学范畴。

《金山战鼓》在创作中，以“气韵”为审美形态，提出了古典舞的曲线之美，在舞蹈动作上做到了动与静、放与收有机的结合，形成了一套特色的动律，获得了强烈的艺术效果。可以说，《金山战鼓》是中国古典舞现代性转换的一朵奇葩，是传统“气韵”与时代精神相结合的古典舞。

经典艺术论文范文第14篇

关键词 百色学院 红色经典 艺术教育

中图分类号：G41 文献标识码：A DOI：10.16400/ki.kjdks.2016.07.046

Abstract Red classics art education is the carrier of red classics literature and art works， through the way of art education， the education of ideological education， and promote their comprehensive development of educational practice. Baise University in constructing the red classical arts education demonstration base as an opportunity， dig local red resources， red classic art education of college students， has made great achievements， but the implementation process， there are also some shortcomings， the from the get rid of limitations of the department， stimulate students' enthusiasm， positive exchange of experiences， etc. aspects and puts forward the thinking and suggestions to further strengthen the red classic art education.

Key words Baise University； red classic； art education

1 红色经典艺术教育的内涵

要研究如何建设红色经典艺术教育示范基地，首先要对其内涵有准确的理解和把握。“红色经典艺术教育”是一个接连修饰限定的复合词，如把它细分，对每个词进行术语考证，都将是一个历久而弥新的艰巨工程，且很多词语学界至今没有一个统一、权威的界定。而为了搞清楚“红色经典艺术教育”的内涵，又必须找到一个通识性的共识。为此，我们采用如下方法：第一，把“红色经典艺术教育”拆分成“红色经典”和“艺术教育”两部分，先把这两部分的内涵理清；第二，不寻求全面、统一的定义，只求在多种定义的基础上，凝结出共识性的认识，从而概括出红色经典艺术教育的内涵。

“红色经典”的来源主要有两种说法：一种说法认为出现在中国当代文学领域，其后被引用到影视、音乐、戏剧、摄影等领域。“1997年，人民文学出版社将展现二十世纪五六十年代反映中国重大革命以及人民生活图景的十部长篇历史题材小说，如《平原枪声》……等结集成“红色经典”丛书出版发行，自此，“红色经典”这个极具争议性的词汇吸引了国人的眼球。”①

另一种说法认为最早出现在流行歌曲领域。 “‘红色经典’这一词最初出现于新时期的流行歌曲界。一些制作人把一些政治上已经过时、但确曾一度广泛传唱的“革命歌曲”，用带有流行歌曲特点的伴奏和唱法重新“翻唱”，然后制成唱片或磁带出售， 所选的曲目涵盖了多种类型的“革命歌曲”，最后整体上冠以“红色经典”的名字。”②

关于“红色经典”一词的来源，结合以上两种说法，笔者以为，应是先在民间的流行歌曲商业领域最早出现并得到广泛使用，后由于人民文学出版社的使用，而上升成为一个引发国内文学艺术界关注的词汇。而对于“红色经典”涵义的理解，不同学者的解读各有侧重，归纳起来主要有从文学审美、历史社会、商业文化等几个角度，而无论从哪个角度进行解读，其都有一个共同点――“红色经典”指的是一类文艺作品。这类文艺作品是中国二十世纪五六十年代产生的，主要描写革命历史和英雄人物的、有较大影响的文艺作品，因此，本文给予“红色经典”的界定是：产生于中国二十世纪五六十年代，主要以革命历史和英雄人物为题材，具有思想教育功能且影响较大的文艺作品。

“艺术教育”涵盖“艺术”和“教育”两大领域，最后落脚点在“教育”，即通过艺术这一途径对受教育者进行教育。 “从狭义上讲，‘艺术教育’被理解为对培养艺术家或专业艺术人才所进行的各种理论和实践教育。从广义上讲，‘艺术教育’作为美育的核心，是面向每一个人的教育，强调提高全民族的整体素质，同时注重人的全面修养和综合素质的提高，培养复合型人才，因此它的根本目标是培养全面发展的人。”③

通过以上对“红色经典”和“艺术教育”的解析，可看到二者在一定范围内具有共性：红色经典作品具有思想教育功能，艺术教育可以提高修养，完善人格，因此，对受众思想品德的教育正是两者的契合点，于是，把它们结合起来便顺理成章了。综上所述，本文界定“红色经典艺术教育”为以具有较大影响的革命文艺作品为载体，通过艺术教育的途径，对受教育者进行思想教育，完善人格，促进他们全面发展的教育实践活动。

2 进行红色经典艺术教育的意义

通过红色经典文艺作品对学生进行思想素质和道德情操教育，经过多年的实践，被证明是富有成效的，因此，这是教育部建设“红色经典艺术教育示范基地”的出发点。“各基地要充分认识红色经典艺术教育示范基地的重要意义……结合学校实际进一步完善建设规划与实施方案，不断提高红色经典艺术教育教学水平和人才培养质量，培养德智体美全面发展的社会主义建设者和接班人”④而作为示范基地，教育部还有以这些基地为榜样推而广之的期许蕴含其中。

3 百色学院进行红色经典艺术教育的探索

3.1 成功做法与成绩

（1）红色教育的亮点――“六个一”工程。即一个百色起义信息平台、一台红色经典文艺演出、一批红色教育微型课程、一个红城学术沙龙、一个红城大讲台以及一系列红色研究成果。六个一工程实施以来，学校在学风、校园文明等多方面都有较大提高，取得了不俗的成绩，先后荣获“第七届全国高校校园文化优秀成果二等奖”“全国教育改革创新优秀奖”等荣誉。从学校整体部署来看，“红色经典艺术教育”是学校整个红色教育的一个组成部分，其中的重头戏是“一台红色经典文艺演出”。按照学校惯例，每年举办两场晚会――元旦迎新晚会和七一晚会。七一晚会是红色经典文艺演出的主要平台，学校利用这个平台多次举办红色文艺演出，这些演出取材本地红色资源，综合运用舞蹈、音乐等艺术表现手段，融观赏性、教育性于一体，取得了很好的教育和宣传效果。（2）开设一批红色经典艺术教育微型课程。这些微型课程主要有红色歌曲、名著、影视赏析，红歌演唱，百色起义主题绘画、景观赏析等选修课，尊重学生兴趣与选择，潜移默化地对学生进行思想教育，取得了良好效果。（3）开展了一系列红色经典艺术教育实践活动。学校结合科技文化艺术节，开展了“红歌比赛”“红色短剧比赛”等活动，这些活动对唤起学生们的“红色记忆”，提高学生们的“红色热情”效果较好，教育成效明显，对学校安全文明建设亦具有很大促进作用。

3.2 不足之处

（1）多数红色经典艺术教育活动以学校层面为主导，学生热情和参与度不够，呈现出“一头热”的态势。纵观学校在红色经典艺术教育方面采取的一系列举措，有一个特点就是大都是在学校主导下完成，真正激发学生的自主性和热情不够。一个明显的现象就是：学校热情很高，动作频频，虽然也取得了不错的效果，但学生没有大面积参与，并且多数情况下是被动接受，热情不高，形成了“一头热”的态势。

（2）活动范围偏小，尚未形成全校联动机制。在学校开展的各种红色教育活动中，只有政法、艺术等几个相关系部动作较多，其他系部热情不高，似乎那是政法系与艺术系的事情，没有意识到自已也是红色经典艺术教育示范基地的建设者。很多时候学校布置相关工作后，许多系部也只是为完成任务，各自为政地组织活动，没有形成全校联动机制。这正是造成全校红色经典艺术教育氛围不浓的原因之一。

（3）“红色经典艺术教育”在学校整个“红色教育”中的占比较小，而“艺术”成分在其中更显不足。其一，在“六个一”工程中，红色经典文艺演出占总体的六分之一，而红色艺术微型课程占红色微型课程总数的三分之二左右，总起来看，红色经典艺术教育在全校红色教育活动中的占比不到三分之一，比重偏小。其二，红色经典艺术教育的目的是对受教育者进行思想教育，红色经典文艺作品是载体，艺术教育是途径。尽管红色演出和红色艺术微型课程对艺术教育这一途径有所涉及，但就全校活动而言，“艺术”甚至说“文艺”成分明显不足。

4 进一步加强红色经典艺术教育的思考

（1）破除思维局限，树立全校一盘棋思想，形成全校联动机制。破除思维局限有两层含义：一是不应仅仅局限于本地的红色资源，应有更开阔的视野。二是应认识到，建设红色经典艺术教育示范基地是全校性工作，可以某些系部为主，但一定要破除部门藩篱，树立全校一盘棋的思想，形成联动机制。确立了这样的指导思想，站在全校的高度，统筹调配全校资源，就能把这项工作做得更好。

（2）加大宣传力度，广泛开展丰富多彩的红色经典艺术教育实践活动，学校主导但更重要是以学生为主体，激发学生热情，扩大学生参与面，增强他们的参与意识。

首先，在领导小组的领导下，利用网络、宣传栏等一切手段，加大宣传力度，不断完善联动机制，使各项活动开展得丰富而有序。其次，开展丰富多样的红色经典艺术教育活动，扩大学生参与面，激发他们的热情。组织者需进行充分的调研，认真思考活动内容及形式等。根据积累的经验，大多数学生对艺术活动都很喜爱。正可以此为契机，加强艺术在教育活动中的比重。最后，在各项红色经典艺术教育实践活动中，学校主导作用和学生主体地位互相支持，协调统一。学校的主导作用应主要体现在组织、指导等方面段，许多工作可以放手由学生自己完成；学生的主体性应体现在学校指导下主动积极地去开展活动。

（3）“走出去，看一看”，积极与其他红色经典艺术教育示范基地交流建设经验。2010年12月，教育部确定延安大学等五所高校为红色经典艺术教育示范基地，2011年4月，又增设百色学院等高校为红色经典艺术教育示范基地。在示范基地的建设过程中，其他兄弟院校都有各自的亮点和成绩，对于一些好的经验和做法，百色学院完全可以学习，并结合本校实际予以创新。同时，利用一切机会，与其他红色经典艺术教育示范基地进行相互交流，不仅开阔视野，也可展示百色学院自己的成果和风采，宣传自身。在综合了各种经验教训和信息后，结合本地本校实际，精益求精，从而把基地建设得更好。

总之，百色学院近几年在红色经典艺术教育方面取得的成绩，有目共睹，在已有成绩基础上，总结经验教训，扬长补短，进一步加强红色经典艺术教育，不仅能按时保质地完成示范基地建设任务，更重要为学生思想教育提供了强大支撑。

注释

① 信莉丽.中国“红色经典”：从电影到电视剧的转型研究[D].昆明：云南师范大学，2013：3.

② 陈冲.杂弹“红色经典”[J].文学自由谈，2002（4）：15-16.

经典艺术论文范文第15篇

论艺术教育与中国传统文化的关系 文 章 来自 3 e d u 教 育 网

摘要:由于历史原因,今天的艺术教育与传统的“圣贤”教育之间出现了严重的断层。回视祖先留给我们的宝贵的文化遗产已有些陌生,更不知其是“本有的家珍”。今天的艺术教育中存在着“重技艺,轻人文”的现象。如果艺术教育仅仅停留在教授唱歌、画画的层面上,是难以完成其使命的,必须回过头来从已被扬弃的,被误认为封建的、过时的传统文化中吸取更多的营养来填补今天艺术教育的空洞。

关键词:艺术教育 中国传统文化 师道 孝道 经典 内学

当代中国的艺术教育,应根植于本民族传统文化这块土壤。这是艺术教育发展、成长的源泉,离开它,艺术教育就会变成无源之水、无本之木。各种不同的艺术教育模式,不管是舶来的,还是本土的,无论是学习、继承还是发展,我们本身应具有一个较高的视点去评判。要有深厚的文化底蕴,否则舶来的东西就难辨良莠,或导致另一个结果,即盲目地排外而妄自尊大。

由于历史原因,我们今天的艺术教育出现了偏颇,即重技艺而轻人文。我们今天的艺术教育与传统的人文教育产生了严重的断层,这足以导致人的精神领域极其浅薄与苍白,加之西方现代工业文明的介入,我们正在加速度地蜕变为“香蕉人”,而我们的艺术教育也增加了“功利”与“竞争”的倾向。过分重功利就会轻仁义,人与人的过度竞争会导致社会动荡不安,国与国的过度竞争最终的结果将是共同毁灭。

一、东、西方两种不同文化的比较

近现代西方注重的是科技教育。在科技进步带来经济发展的同时,也带来一系列社会问题,如犯罪率上升、环境污染等。核能的开发本来是可以造福于人类的,但我们今天却随时都要遭受核战争的威胁。因此,人们形容科技是一把双刃剑,盲目地发展科技无异于盲人骑瞎马。

近现代西方注重的是竞争教育。孩子从小就被灌输竞争意识,保护自己的个人利益。而中国传统的教育是教人礼让、互助合作、共存共荣。中国古人并非不懂科技,但更懂得科技发展的弊端,因此,大力提倡发展人文教育,认为这样,社会才能长治久安。当前是科技发展的时代,我们无意开历史的倒车,只是尽可能地让科技发展进入一个良性循环状态。科技好似一匹野马,需要一名睿智的骑手去驾驭。中国传统文化在这一方面可以发挥其积极作用。中国传统文化是人类智慧的结晶。我们并非基于一种民族情结去赞美和宣扬自己的文化,也并非基于一种复古的情结而厚古薄今。中国传统文化中的典集称为经典,“经”是纵贯通达,“典”是典范、标准,古今一成不变之真理,可以超越过去、现在和未来。

二、 艺术教育包含在中国传统文化的范畴之内

马一浮先生在《论西来学术亦统于六艺》文中曾提到:“六艺不唯统摄中土一切学术,亦可统摄现在西来一切学术。举其大概言之,如自然科学可统于《易》,社会科学或人文科学可统于《春秋》……文学、艺术统于《诗》《乐》。”艺术教育依托于中国的传统文化,不仅可使其理论更加完备、深广,还可使其教育理念达到一个更高、更新的层面,在其空洞的“形式”中摄入更多的人文色彩,使其能够更多地关注人本身、人类社会以及人类的前途命运。

三、艺术教育是中国传统文化的再现

艺术教育不应被认为仅仅是画画、唱歌、弹琴等技艺的传授,艺术教育是要把人类最高的智慧、德能与才艺以艺术的形式表达出来造福于人类。

中国历史中的绘画、雕塑、戏剧等大多展示、宣扬的主题思想是“忠、孝、仁、义”,在娱乐之余不失其“成教化、助人伦”的社会教育功用。无论是过去的君主时代还是现在的民主时代,艺术教育也要承担起一种责任与义务来改善我们的身、心、世界。

中国传统文化的典集又可称为内典,内典即是内学之典集,其中所盛载的智慧与德能来自心灵的最深处,是人心本来具有而非从外学来的一种亲证的现量境界,不是一种想象、推理构建的理论。通过这些典集可以开启我们内心深处处于休眠状态的智慧,这才是真正意义上的“启发式教学”。中国传统文化也就是国学,被马一浮先生称之为“六艺之学”。马一浮先生在《论六艺统摄于一心》的文章中写道:“举网者必提其纲,振衣者必挈其领。”先要识得纲领,然后可及其条目。六艺之教可以统摄一切学术,这是一个总纲领,真是“范围天地之化而不过,曲成万物而不一遗。学者须知六艺本是吾人性分内所具的事,不是圣人旋安排出来。吾人性量本来广大,性德本来具足,帮六艺之道即是此性德中自然流出的,性外无道也。”艺术也本是人心中分内的事。艺术教育与中国传统文化也可以说是一种表里的关系。艺术教育中的“教育”本身就蕴含着中国传统文化的精神。艺术教育中的“教”,左边是“孝”,意思是说老与子、上一代与下一代是一体;右边是“文”,其意为文以载“道”。教育是师道,其根本是孝道。中国传统文化的根本就是师道与孝道。孔子曰:“志于道,据于德,依于仁,游于艺。”道是人生宇宙的真理、规律。在人与人之间表现为五伦十义,即“父子、夫妇、兄弟、君臣、朋友”,人与人的关系应以父慈子孝、兄友弟恭、夫义妇顺、长惠幼序、朋谊友信、君敬臣忠等关系为原则。思想、行为不违背自然规律,并把这种品德保持、发扬、增长就是“育”,久而久之会有所得,德者,得也。人与人的关系依止于“仁”,仁者爱人,像爱护自己一样爱护他人,这种爱是“仁爱、博爱”,而非贪爱,这种博大而崇高的品质正是出自这样的文化背景的熏陶,这种品质可物化、外现于各种艺术表现形式。

四、种瓜得瓜、种豆得豆

艺术教育以人为本,首先要确立一种正确的人生观和艺术价值观。艺术不仅仅是个人的事,它的出现对于社会人群会产生不同程度的影响,这也是艺术教育首要关注的事情。高雅的艺术对于陶冶人的情操,提升人生的境界是大有益处的。艺术即使不能起到“成教化、助人伦”的社会功用,至少也不应是“精神污染”而有害于社会人群,何去何从基本上取决于艺术教育的导向。

中国传统文化在人类文明史上的地位与价值是毋庸置疑的。持反对意见者不外乎两个原因:其一是对于什么是中国传统文化缺乏深刻、正确的认识和理解,其二是由于年代久远,必然会产生一些流弊,这是人的原因,并不代表主流文化,且不可因人故而废其法。儒、释、道三家构成了中国传统文化的主流,三者之间名词、名相虽有异,但理无二致。南怀谨先生把儒家比喻成开粮店的,把道家比喻成开药店的,把佛家比喻成开百货店的。“儒”字即人需要“仁”,就像人需要粮食一样重要;得了病不能不吃药,此病是不懂得爱物的“心病”,物是指我们的生活环境,再广一点如山河、大地、宇宙万物,“物”与我们本来就是不可分割的一体;百货店自然无所不包。三家的典集称为“经典”,这些典集并非是某个人的学术观点,所述都是古圣先贤之法,都是真性的流露。真性也叫真心,心、佛、众生不二,否定了经典也就等于否定了我们自己本身。

以传统文化注入艺术教育,并作为其精神内核,“真、善、美、慧”四字足以概括。“真”是真实之理,是人生宇宙的真象;“善”是完善,我们内心深处本来具足无限完美的智慧、德能与才艺(美、慧自然在其中)。“真、善、美、慧”这种教育理念完全可以凭借经典的引导开发出来。