绘画艺术鉴赏论文范文

绘画艺术鉴赏论文范文第1篇

1、绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力

2、把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置

3、鼓励学生直率地描述直观感受

4、形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味

5、意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次

6、艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生

7、审美接受不单是视觉接受，也不只是大脑接受，而是整个身心的接受

关键词：形式分析意蕴解释价值判断

在常人眼里，画画远比看画难，其实不然。著名艺术社会家豪泽指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”所以有许多儿童画家，农民画民间艺术家也是文盲；但绝无儿童鉴赏家和文盲艺术家。可见，绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力。

绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。

在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。WwW.lw881.com而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。

那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？

“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。

现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：

第一步：简单描述

在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。

第二步：形式分析

形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。

>如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。

>形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。

第三步：意蕴解释

>意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。

>意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。

>仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。

第四步：价值判断

>价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。

>我在评价达．芬奇《梦娜丽莎》时，除了指出它的“优”外，还有意指出它的“劣”，如：人物与背景的处理不自然，似剪贴一般；边缘线的处理过于生硬；受当时材料的限制，色彩单调;现在的色彩也灰暗了等。这样做的好处是使学生不迷信权威，敢于思考，敢于发表自己不同的见解，明白对绘画作品的判断是多元的，没有固定的结论，仁者见仁，智者见智。教师应尽量收集各种意见，以激发学生的思维，开阔学生的视野。

绘画艺术鉴赏论文范文第2篇

4、形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味

5、意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次

6、艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生

7、审美接受不单是视觉接受，也不只是大脑接受，而是整个身心的接受

关键词：形式分析意蕴解释价值判断

在常人眼里，画画远比看画难，其实不然。著名艺术社会家豪泽指出：“人可以生来就是艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育。”所以有许多儿童画家，农民画民间艺术家也是文盲；但绝无儿童鉴赏家和文盲艺术家。可见，绘画艺术鉴赏是一种由后天专门训练所获得的一种特殊能力。

绘画艺术鉴赏教育是将受教育者带入绘画这一特殊视觉领域，使他们在大量接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下训练对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而育成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。

在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。

那么，如何培养我们的学生这种特殊努力呢？

“观千剑而识其器”，最重要的是大量接触艺术作品。教师是引导者，引导学生去“读画”，进而接受。这种接受非观赏接受。象在展览馆看画展，随意遛一遛，大体看一看，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏性接受。在以往的美术鉴赏中，有被戏称为“三段论”的欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏董希文《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画当作一种德育媒介和手段来对受教育者进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。

现将在教学中总结的培养绘画奖赏能力的“鉴赏四步法”略作论述：

第一步：简单描述

在欣赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，鼓励学生直率地描述直观感受。

第二步：形式分析

形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。

>如夏加尔的《散步》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，红色衬布上的花、酒瓶、酒杯也起了很强的烘托作用。

>形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。

第三步：意蕴解释

>意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。

>意蕴解释的成败关系到能否使学生对作品产生共鸣。由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，如明代沈颢所言：“看画以林泉之心则高，以骄侈之目临之则卑”，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的浸润和弥散。

美术欣赏课教学

>仍以《散步》为例，通过对作品背景的介绍，让学生知道，这幅画表现的是夏加尔自己和他的妻子。他把自己画在中间，举手托起婚后刚刚生了第一个儿子的妻子，让她在空中自由回旋，以庆祝他们生活的幸福和快乐。再通过对个性、思想、艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图，分享画家的喜悦之情，欣赏他富有儿童般幻想的艺术魅力。

第四步：价值判断

>价值判断是从内容与形式、风格与风味、革新与继承等方面对作品的优劣作出判断，可以参考专家对此的批评与评判。而艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但不宜以一己之见，或封闭的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。

>我在评价达．芬奇《梦娜丽莎》时，除了指出它的“优”外，还有意指出它的“劣”，如：人物与背景的处理不自然，似剪贴一般；边缘线的处理过于生硬；受当时材料的限制，色彩单调;现在的色彩也灰暗了等。这样做的好处是使学生不迷信权威，敢于思考，敢于发表自己不同的见解，明白对绘画作品的判断是多元的，没有固定的结论，仁者见仁，智者见智。教师应尽量收集各种意见，以激发学生的思维，开阔学生的视野。

绘画艺术鉴赏论文范文第3篇

李素芬 华中师范大学美术学院

伴随技术进步，教学方式也在不断变革，在新的教育理念指引下出现了崭新的学习情境——数字化时代学习的情境。随着网络资源的日益丰富和世界开放教学资源运动（Open Educational Resources，简称oRE）的推进，基于教学质量的提高和网络教学资源共享的双重目的，高等院校加速了推进教育信息化的步伐，将网络课堂或混合课堂引入高校教学。同时，伴随混合式课堂理念的发展和技术的不断创新，各种网络教学支撑平台，作为辅助教师改变传统教学模式的物理结构应运而生，并且不断发展。由华中师范大学国家数字化学习工程技术研究中心研发的Hstar“云端一体化学习平台”，作为运行网络教学空间、实施网络教学的载体，为全面实现“混合式教学”理念和提高教学质量提供了有力支持。

一、Hstar“云端一体化学习平台”的特点

云平台是以云计算为核心的先进信息技术，云服务是贯穿教学活动全过程的教学网络平台。华中师范大学Hstar“云端一体化学习平台”第一期主要功能模块包括课程中心、开课、选课、课程建设与学习等四个部分，其中，课程建设与学习包括课程资源、课程通知、课程大纲、在线回答和在线作业等内容。在教学实践中，该平台体现了以下优势：

1．便捷的信息传达机制

云平台具备终端设备一体化和教学应用一体化功能，Hstar“云端一体化学习平台”建立了教师与学生的访问机制。课程中心列出了当前学习平台所有已开设的在线课程，包括课程名称、简介、主讲教师和课程Logo图片等，供教师和学生浏览，方便教师与学生掌握与查看教学信息。

2．突破传统局限，实现双轨学习

云平台作为资源的传输平台，能够上传各种形式的教学资源，实现双轨教学，即视觉（图像）形式与语言（文字）的双重编码，图文并茂地展示课堂教学内容，陶冶学生的情操，提高他们的学习效率。

3．实现在线互动、讨论

云平台具有提问功能。教师可以在网络预留基于学习活动的资源设计的问题，对学生的在线留言积极回应，使师生在网络上互动答疑；同时，也可以实现学生之间的讨论，教师则负责引导讨论方向，并主动抛出问题，制订奖励政策，鼓励学生之间互相答疑，最终实现学生的个性发展，促进学生对专业知识的掌握。

4．更有效的学习效果评估

云平台中的评估功能除了针对学生期终的课程论文外，还可以了解学生的学习时间与学习活跃程度，使教师能够更好地判断学生平时的学习态度，有针对性地实施教学辅导，及时发现问题并纠正。

5．优化、整合、拓展、共享学习资源

Hstar云平台能够支撑各种资源的上传与共享。通过教师对网络资源的精心选择，并将资源整合后上传至网络学习平台，实现了学习资源的优化整合。教师可在拓展资源中共享课堂教学以外的资源，包括文本、音频、视频等学习资源，以及老师自编的教学案例、虚拟实验、动画等资源。

二、《西方现代绘画鉴赏》课程的独特性

《西方现代绘画鉴赏》作为面向全体学生开设的艺术通识课程，是学校公选课中的一个重要学习领域。它体现了人文教育的特征，担负着培养学生人文精神的任务。下文将从四个方面具体分析《西方现代绘画鉴赏》课程的特殊性及在Hstar“云端一体化学习平台”中的建设思路。

（一）教学手段的特殊1生

艺术鉴赏不同于单纯的知识传授，单纯运用文字与语言来传授鉴赏知识是远远不够的，还要将听觉、触觉等感官体验结合起来，因此，采用多元教学手段对于艺术鉴赏课程尤为重要。

西方现代绘画艺术所具有的多元化特点，一方面使教学更加复杂，另一方面也利于教学过程中运用多种表现手段和媒介来展现艺术史内容。与近现代之前的艺术史教学相比，西方现代艺术这一部分的教学可利用的影像和文献更多，保留的艺术家研究资料也更加丰富。自19世纪中叶照相术发明后，众多的艺术家和艺术家团体留下了宝贵的影像资料，搜集利用这些资料并运用在课堂教学中，能够使学生直面真实的历史图像，更加鲜活地展现艺术史的研究成果。艺术巨匠毕加索晚年留下了大量的影视和图像资料；超现实主义绘画代表人物达利，除了生活纪实性的影视和照片外，还留下了许多电影和电视采访资料。

除了这些与艺术史同步的影音资料，当代媒体在解读现代艺术方面也有许多成果。国外的美术馆、博物馆聘请了许多权威艺术史家和与艺术作品相关的当事人，来解读和叙述相关艺术史，并且利用美术馆中收藏的大量的优秀艺术作品进行现场拍摄，使学生能够身临其境地通过影像获得体验和感悟。例如，英国BBC电视台解读现代艺术家的系列纪录片，美国纽约现代艺术博物馆、芝加哥现代艺术博物馆、法国蓬皮杜现代艺术中心等制作的影视作品，详细、生动地展现了最新的现代艺术研究成果。在教学中穿插这些视频资料，展现艺术大师们的音容笑貌，成为西方现代绘画教学的一大特色。

另外，在现代电影艺术和技术的支持下，西方电影利用地理和资料上占有的优势，拍摄了一些比较符合艺术史真实面貌的优秀影片，例如，以艺术家人生为蓝本的传记电影《弗里达》《梵高》《高更》《莫迪里阿尼》等，通过引入入胜的故事隋节和极具感染力的视听体验，能够激发学生学习西方现代绘画艺术的兴趣。

（二）教学内容的特殊性

《西方现代绘画鉴赏》课程与其他学科的课或美术学科中其他类别的鉴赏课相比，具有自身的独特性：

1．艺术鉴赏课程的感受性

绘画艺术作为平面艺术，其可视性是第一位的。对图示的艺术类通识课的教学，通常是以对作品的鉴赏为手段展开的。艺术家以色彩、明暗、线条为语言，描绘生活，描绘社会和自然中的一切事物，描写自己的心情，形成一幅幅绘画作品。因此，在艺术鉴赏课堂中，要以艺术家创造的形象为通道，走向艺术家的心灵，感受艺术家的情感。

2．现代绘画艺术与当代生活联系的紧密性

许多现代艺术作品都被借鉴到设计艺术中。例如，几何抽象主义画派的代表人物蒙德里安的绘画形式，简洁的原色和方块，几乎已经渗入现代人们生活的方方面面，从建筑、装饰、服装到生活器皿，几乎无处不在；马蒂斯在晚年时创作的剪纸艺术给了现代设计师们无限灵感，荷兰著名画家、米菲兔的设计者迪克·布鲁纳(Dick Bruna)曾坦言，自己受到过马蒂斯作品《蜗牛》的启发；1998年足球世界杯开幕式上，歌唱家卡拉·布吕尼身着的白色礼服上装饰的两只大白鸽，像是从马蒂斯的《波利尼西亚群岛，天空》中飞出来的一般；达利的红唇沙发被现代家具制造者们乐此不疲地演变成各种版本；等等。这么多生动鲜活的素材，使得西方现代绘画鉴赏的教学更加多样和丰富。

3．教学内容更为错综复杂

进入20世纪后，西方现代绘画艺术可谓是“百花齐放，百家争鸣”。现代艺术家们想要通过不断否定传统来建立起新的艺术标准，因此，各种艺术思潮和流派不断涌现又迅速被新的思潮和流派湮灭，而且各个流派之间相互影响相互渗透，呈现出错综复杂的局面。

4．西方现代绘画的抽象性

自文艺复兴以来，西方绘画艺术基本上都是沿着客观表现自然的路线前行的，但是，20世纪的西方绘画艺术，“自然”已经不是其表现的主题和目标，而是更多地成为艺术家表现其艺术目的的手段和工具。总体来说，20世纪西方绘画的两大方向是表现和抽象，这种现象是由20世纪特定的时代背景所决定的，它展现的是新时期西方的一种抽象或表现的思维方式。在中国，学生了解和熟悉的更多的是具象的艺术，对西方现代绘画艺术仍处于不太理解的状态，甚至一些人对西方现代绘画艺术存在误解和偏见。对于这种状况，教师在教学中应该从根源上去分析西方现代绘画产生的原因，剖析现代绘画的意义，引导学生运用抽象思维的方式去理解和欣赏抽象绘画作品，这样才能帮助学生理解西方现代绘画的本质和意义。

（三）教学目的的特殊性

爱因斯坦说：“陀斯妥耶夫斯基给予我的东西比任何科学家给予我的都要多，比高斯还多。”《西方现代绘画鉴赏》课程作为高校面向全体学生开设的艺术选修课之一，应当以培养学生的审美能力和人道主义情怀、提高人文精神修养为目的，集知识性、审美性、趣味性为一体，关注入的自身发展，促进学生的身心健康。西方现代绘画艺术对中国现当代艺术影响巨大，从庞薰琹、林风眠、吴冠中的艺术探索开始，至中国当代艺术面貌的形成，无不体现着这种影响。因此，在教学中，教师应当将西方现代绘画艺术作为一种社会文化现象，结合着时代与文化背景，让学生树立起正确对待西方现代艺术的态度，既不能全盘否定，也不可不加改造地因袭，要让学生明白，树立文化地域性的屏障最终只能导致自身的封闭自守，这也是西方现代绘画教学的重要目的。

三、云平台下的《西方现代绘画鉴赏》课程设计

（一）课程设计前的分析

建设课程前，首先要充分了解学生学习的相关信息，然后，通过分析这些信息，有的放矢地进行课程建设，以提高教学效率。比如，可以采取调查问卷的形式，对学生的艺术知识基础、审美能力、已有经验、期待的教学目标等有一定的了解。笔者在选课人数为100人的《西方现代绘画鉴赏》课程调查问卷中，发现80%的学生没有太多的艺术基础知识，只有约8%的学生有较好的艺术史基础，但是学生普遍喜爱绘画艺术。在选择重视知识性与审美性的选题中，有45%的学生选择知识的扩展，65%的学生选择审美的享受（其中包含两项都选的），因此，在设计中应有意识地对艺术史知识进行“做减法”的处理。

（二）激发学生学习兴趣

在云平台的“课程大纲”中，可以设置一定的学习任务，利用任务和问题驱动激发学生学习的兴趣，使他们能够以任务为中心开展学习活动，相互协作搜集相关资料，培养学生主动学习和文献检索、资料搜集的能力，充分实现自主、探究、合作为宗旨的教学理念。同时，在“拓展资源”模块，教师可以上传精心挑选的相关视频和文献资料，为学生提高阅读质量、拓展知识结构提供支持。除此之外，教师还可以在每一单元相应的“问答”模块，预留基于课程教学目的的问题，及时对学生做出回复并引导学生之间的讨论方向，以促进学生思考问题能力的提高。

教师提出的问题要能够贴合课程、引申学生的思考。进行任务的过程中，教师还应当将活动环节细化，以保证活动的有序开展。比如，将学生分成几个活动小组，让学生在规定的时间内上报活动进度，积极帮助学生解决问题，培养学生的创新意识和创新能力。

（三）知识结构的设计

1．生动宏伟的人文知识结构，打破只讲绘画艺术的单一性

基于艺术鉴赏通识课的诸多特点，在教学知识结构的设计中，将课程内容分为若干主题，每个主题下再分为若干个学习单元，各个单元又分别包含一系列的知识点，从而形成明显的层次性和系统性，并充分体现生动性和丰富性（图1）。以西方现代绘画“第八讲超现实主义·达利”专题课程为例，在该专题的知识框架图（图2）中将专题分为五个学习单元，即“天才达利”“怪才达利”“鬼才达利”“达利与超现实主义”和“小结”。与传统的设计相比，这样的学习单元设计更加生动且易于学生理解。以“天才”“怪才”和“鬼才”这三个形容词展开对达利的形象塑造，这位与众不同、特立独行的现代主义大师的形象便能更加立体地呈现出来，而且不失学术的广度和深度。

仅仅局限于美术学科的知识搭建是不够的，还要建立宏伟的人文知识殿堂。如图2所示，“超现实主义与达利”学习单元中，链接与之相关的弗洛伊德心理学，“摄影与电影作品”知识点中加入一些学生熟知的希区柯克电影，不仅能使学生学习新的知识点，还能与学生已有的知识相联系。在教学中广泛运用这种方法，能有效发掘相互联系的知识。例如，在“抽象主义·康定斯基”专题中，链接相关戏剧的欣赏，帮助学生理解艺术的形式与精神；在“后印象主义·高更”专题中，引入小说《月亮与六便士》的赏析（借鉴江西师范大学《现代绘画赏析》课程），等等。

“天才达利”单元向下展开四个知识点，分“童年”“青年”“中年”“老年”，围绕天才的主题，以达利的生平事迹为切入点，讲述画家的人生故事。“怪才达利”单元讲述达利特立独行的行为艺术；“鬼才达利”单元在重点讲述绘画作品的同时，加入“摄影与电影作品”“装饰作品…‘设计作品”这三个知识点。画家不同形式的作品并不是孤立的，达利绘画作品中的形象也会出现在他的其他形式作品中，这些作品共同构成达利的艺术思想。了解画家的其他形式的艺术作品，将有利于学生理解画家的绘画作品，从而形成对画家艺术生涯和艺术风格的整体印象。

2．拓展视野进行纵向和横向的比较，搭建网络状的交叉知识结构

在鉴赏教学中，不能孤立地鉴赏一幅作品。教师在讲述达利的绘画作品时，将其与其他两位重要的西班牙画家戈雅与毕加索的作品进行比较，将戈雅的《1808年5月3日夜枪杀起义者》、毕加索的《格尔尼卡》与达利的《西班牙内战的预感》这三幅战争题材的绘画作品并置，串联起一个同类型作品的艺术史网络，使艺术家的个人风格和时代风格清晰地展现在学生面前。再如，在导论“艺术的革命”一讲中，将横卧的裸女形象按时间顺序串联起来，从乔尔乔内典雅恬静的《沉睡的维纳斯》开始，到提香的《乌尔宾诺的维纳斯》、委拉斯贵支的《镜前的维纳斯》、戈雅的《裸体马哈》、安格尔的《大宫女》、马奈的《奥林匹亚》，再到莫迪里阿尼的《枕臂的裸女》、毕加索的《戴项链的裸女》等，通过这些经典作品的图片，展示了—部生动的西方绘画风格演变史。将徐渭的《墨葡萄图》与梵高《星空》并置在一起，让学生就作品发表自己的见解，并相互交流心得体会。在讲述印象派专题时，将印象派人物与后印象派人物之间的交集联系在一起，建立时间和空间上的流派交集。这些教学理念的实践，是建立在高质量课件基础上的，教师可以上传教学课件至云平台中，并与教学录像整合在同一个教学活动单元内，使“视”“听”“析”可以同步实现，优化资源配置。

绘画艺术鉴赏论文范文第4篇

艺术作为人类世界的感性呈现，承载着人类精神史的广度和深度。西方学者巴赞认为，一个社会只有同艺术“结婚”，才能生出文化之子；如果与文化离异，就只能导致野蛮，这个社会随之会变成文化的沙漠。高中教育在升学压力下，往往不重视审美教育，在以考分为主要参照的评价体系中，学生的精神世界较为空乏，审美能力较弱，对艺术缺少感知和辨识。艺术同自然一样是人类的精神家园，无艺术的人生是乏味低俗的。在新课程背景下，高中美术鉴赏教学应该为学生提供一片自由充盈的审美空间，综合提高学生的精神素质。在高中美术鉴赏课中，西方现代艺术鉴赏是一个重点和难点内容，其涉及教材中的四部分：意象艺术、抽象艺术、西方现代艺术、美术作品的意义与价值判断等，教师需要运用多种教学方法和手段，让学生改变以写真的、“像与不像”为标准的传统视觉审美程式，用现代的审美眼光理解西方现代艺术的流派风格和思想情感。本文以西方现代绘画艺术为切入点，探讨西方现代艺术鉴赏的教学策略。

一、知人论世，探知本质。古典艺术以客观世界为参照对象，艺术家按照看到的世界来描绘对象，画作是世界的一面镜子，真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实，而是追求内心的真实，其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想，所以，要想欣赏现代艺术，就必须先了解现代艺术产生的土壤———现代社会、哲学思潮、艺术家经历，等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法，就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能，于是绘画不再执著对外部客观事物的描摹，而是寻找新的出路和存在价值，从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动，如哲学和宗教新思潮，这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革，现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释，则其确实难以理解。比如，要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起，马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判，从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道，这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的，他们从不承认其他的理解形式，而是在这方面表现出一种幼稚的偏见：除了他们的公式，一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能，从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画，他只不过决心要做他自己，而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室，在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化，进行现场绘画创作，由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡•高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情；只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往，才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来，我们是谁，我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解，这种从艺术家的立场来解读作品，是最基本的赏析方法。

二、点面结合，探知风格。“点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口，然后结合艺术家的其他作品，感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡•高，可以把《星空》作为突破口，可以设置一些问题让学生思考：其构图、线条、色彩有何特点？他描绘的夜空和你看到的有何不同？画家这样表现的目的是什么？你从中感受到怎样的情感？经过讨论后，可以让学生欣赏其他作品，如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等，学生自然会归纳总结凡•高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度，从而感知凡•高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显著的标志，特别是现代艺术中，层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨，每个流派的画家又有不同的风格，如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别，塞尚、凡•高、高更又有区别。所以，点面结合的方法，可以使学生了解画家的整体风格，而不是仅看到局部和表象。

三、纵向联系，彰显个性现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的，其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线，把各个流派贯穿起来，分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法，而对物象进行深入、长时间的分析，专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现，“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索，毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理，用几何形体的组合拼接来构图，创建了立体主义流派，其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识，从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索，就可以把这些有传承关系的流派联系在一起，这样的纵向联系和对比，可以使学生清晰地把握各流派的异同点，体察现代艺术发展变化的规律，对现代艺术有更深入的认识。

四、创作实践，领悟精神。现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚，培养学生现代的审美眼光和审美趣味，创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节，加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时，可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象，并说说这样构图的意图，也可以让学生相互评价，还可以加入拼贴和实物要素，让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验，让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来，综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。

绘画艺术鉴赏论文范文第5篇

一、知人论世,探知本质。

古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执着对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。

二、点面结合,探知风格。

“点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显着的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。

三、纵向联系,彰显个性

现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。

四、创作实践,领悟精神。

现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。

五、面向生活,慧眼识别。

绘画艺术鉴赏论文范文第6篇

    一、知人论世,探知本质。

    古典艺术以客观世界为参照对象,艺术家按照看到的世界来描绘对象,画作是世界的一面镜子,真实地折射出外部世界。而西方现代绘画不再追求客观的真实,而是追求内心的真实,其艺术理念、艺术标准、创作方法、语言形式、思想情感与古典绘画有很大的差异。如果按照传统的欣赏方法就可能看不懂画家的表现形式和主题思想,所以,要想欣赏现代艺术,就必须先了解现代艺术产生的土壤——现代社会、哲学思潮、艺术家经历,等等。知人论世是走进现代绘画的基本方法,就是要了解艺术家所处的社会环境、社会思潮、艺术家的身世经历、理念追求等。现代社会摄像机的出现代替了绘画的写实功能,于是绘画不再执着对外部客观事物的描摹,而是寻找新的出路和存在价值,从而转向内在情感和精神实质。教师必须让学生了解现代工业社会物质经济发展带来的精神变动,如哲学和宗教新思潮,这对艺术产生了巨大影响。更重要的是艺术家的追求推动着艺术的变革,现代艺术如果没有艺术家的解说和评论家的阐释,则其确实难以理解。比如,要了解印象主义绘画就必须从1863年巴黎艺术界“落选者沙龙”谈起,马奈的作品从内容到形式的创新不符合学院派的审美标准而被大肆批判,从此以马奈为代表的“落选者”和保守的学院派之间进行了新旧艺术的争锋。马奈在1867年展览会前言写道,这些反对者都是以传统观念来理解绘画的形式、手法和观点的,他们从不承认其他的理解形式,而是在这方面表现出一种幼稚的偏见:除了他们的公式,一切毫无价值。马奈先生一向承认别人的才能,从不妄想消灭前人的绘画或者是创造新的绘画,他只不过决心要做他自己,而不是要做某一个别人。印象主义者们走出画室,在户外转瞬即逝的生活瞬间和自然界的光色变化,进行现场绘画创作,由此开启一个个流派的艺术实验。只有了解凡·高狂热的宗教情怀才能体会其《星空》中用火焰般、漩涡般弯曲的运动线条表现出的强烈激情;只有了解高更对都市文明的厌恶和对原始文明的向往,才能理解他住在塔西提岛思考《我们从哪里来,我们是谁,我们往哪里去》这样的人生哲理问题……知人论世的鉴赏方法可以使学生按艺术家原本意图对作品进行理解,这种从艺术家的立场来解读作品,是最基本的赏析方法。

    二、点面结合,探知风格。

    “点面结合”是指以艺术家的代表作或一幅画为出发点和切入口,然后结合艺术家的其他作品,感知艺术家的时代风格和整体风格。比如了解凡·高,可以把《星空》作为突破口,可以设置一些问题让学生思考:其构图、线条、色彩有何特点?他描绘的夜空和你看到的有何不同?画家这样表现的目的是什么?你从中感受到怎样的情感?经过讨论后,可以让学生欣赏其他作品,如《向日葵》、《吃土豆的人》、《自画像》、《夜咖啡馆》等,学生自然会归纳总结凡·高作品中物象的扭曲变形和色彩的强度明度,从而感知凡·高作品独特的风格。点面结合的方法可以使学生较为完整地把握一个艺术家或一个流派的风格特色。风格是一个艺术家最为显着的标志,特别是现代艺术中,层出不穷的众多流派需要抓住特征来分辨,每个流派的画家又有不同的风格,如印象主义绘画中莫奈和雷诺阿有区别,塞尚、凡·高、高更又有区别。所以,点面结合的方法,可以使学生了解画家的整体风格,而不是仅看到局部和表象。

    三、纵向联系,彰显个性

    现代派绘画是在反叛甚至颠覆古典传统绘画的基础上建立起来的,其与生俱来的叛逆性带来了绘画艺术的不断革新。各个流派都是在否定他人他派的基础上提出自己的新主张。运用纵向联系的手法就可以以历史为主线,把各个流派贯穿起来,分辨各流派的艺术追求。比如塞尚放弃了印象主义画家所采用的快速作画的方法,而对物象进行深入、长时间的分析,专注于物质的实体性、稳定性和内在结构的表现,“用圆柱、圆球、圆锥体去处理自然”。其画法影响了毕加索,毕加索对塞尚式的形体和结构进行了概括性处理,用几何形体的组合拼接来构图,创建了立体主义流派,其肢解破除了传统艺术家对“自然形”的认识,从而产生了空间和结构的心概念。立体主义形体观念对其后的艺术实验产生了重要启示。表现主义、未来主义、抽象主义都从中吸收了不同的营养。抓住形体这一线索,就可以把这些有传承关系的流派联系在一起,这样的纵向联系和对比,可以使学生清晰地把握各流派的异同点,体察现代艺术发展变化的规律,对现代艺术有更深入的认识。

    四、创作实践,领悟精神。

    现代艺术的鉴赏要不断突破传统视觉程式的束缚,培养学生现代的审美眼光和审美趣味,创作实践活动是培养鉴赏能力的途径之一。在教学活动中可以加入创作体验的小环节,加强学生对现代绘画理念或技法的认识。如在鉴赏立体主义绘画时,可以让学生用几何图案变形拼接成一定的物象,并说说这样构图的意图,也可以让学生相互评价,还可以加入拼贴和实物要素,让学生感知材料、物质要素对绘画的影响。教师要根据不同流派和画家的创新处设置简单可行的小练习、小实验,让学生亲身体悟现代艺术的理念风格和审美追求。这样的方式就把艺术理论与艺术实践有机地联系起来,综合提高学生的鉴赏能力和思维水平。

    五、面向生活,慧眼识别。

绘画艺术鉴赏论文范文第7篇

[关键词]美术教育、欣赏、鉴赏

美术鉴赏教育是将学生带入绘画这一特殊的视觉领域的最基本方法之一，使他们在接受古今中外绘画作品的基础上，特别是在教师的引导下引发其对视觉艺术语言的领悟能力、丰富的情感体验能力，进而养成健康的审美趣味，树立正确的审美观念和高尚的审美理想。

在美术教育中，我认为应将绘画鉴赏作为其基本内容，仅仅靠学校每周两节课的课堂教学来训练学生的绘画表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画鉴赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。

那么，如何培养我们学生的鉴赏能力呢？

最重要的是大量接触艺术作品。教师当然只是引导者，引导学生去“读画”，进而理解和接受。教师可以采取问题式的引导方法，如：这幅作品给你什么感受，你觉得它的色彩有何特点？与其它作品有何不同等等。我们这种赏析非简单观赏，象在展览馆看画展，随意转一转，大体看一 下，有赏心悦目之感即可。我们追求的是鉴赏。以往的美术鉴赏，仅仅停留在欣赏模式，即时代背景、主题内容、艺术特色的评析。实际上重点放在前两项，后一项是总结、尾声。如欣赏《开国大典》这样的革命历史画，往往把重点放在德育性接受上，就是把绘画作品当作一种德育媒介和手段来对受学生进行思想政治方面的教育，而对艺术特点只略作评判，甚至忽略不计。对绘画这种视觉艺术来说，这样的模式恰恰本末倒置。

现将在教学中总结的培养绘画鉴赏能力略作论述：

一、根据自己的第一直觉简单的描述感受，分析其形式

在鉴赏的开始，先是抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。以法国表现主义画家夏加尔的《散步》为例，开始学生只注意到画面里突出的人物及夸张的动作，房屋，地面较特殊的绿色。经提示后，学生会注意到画面里突出人物的面部表情，画面中只有绿、红、紫三色，红色衬布上的花，酒瓶，酒杯等等。在学生叙述的同时，引导学生进入鉴赏情操：面对作品，它给了你什么直观感受，教师引导、启发、点拨学生尽可能地用语言表达出来，以实现审美共享。这阶段不可批评学生所讲的见解，以免其怕自己还会错而不再发表见解，应是鼓励学生直率地描述直观感受。

我们此时要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析局部与局部、局部与整体、图和背景的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。 形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面。

二、理解作品的意蕴

作品中的意蕴是一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即“象外之象”的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。

由于有一些作品是缺少意蕴的，有一些作品其意蕴在可喻不可喻之间，有时教师很难将超越作品的意蕴揭示出来。加之学生缺乏精神上和生活上的深度体验，要很好地领悟和体会作品意蕴，这就需要教育来长时间循序渐进的渗透。

以蒙克的《呐喊》为例，画面通过强烈的、流动的色彩，天空中耀眼的红色；背景中倾斜的不稳定构图；道路与人物的强烈扭曲夸张，惊恐男子那夸张变形的狰狞面部表情，整个世界孤寂与无助的情绪，真实的表现了作者的绝望、恐惧、疯狂、忧郁的内心世界。蒙克的这幅画到底想说什么？反映了作者什么样的生活经历呢？这样教师适当的引导后，再通过对艺术观的介绍，学生就能够理解画家为什么会画出这样的人物动态，为什么会有这样的表达方式，进而领会画家的意图。

三、正确判断艺术作品的价值所在

艺术是非常复杂的现象，所以教师可以有自己的倾向性意见，但万不可以一己之见，或极端的、独断的评判来概括和指导学生，而应当采取开放式的、多元化的评判、引导，启发学生自己学会对作品进行评价。对夏加尔的作品，我们着重于他的独特性、开创性和丰富的想象力。

我在评价达．芬奇的《蒙娜丽莎》时，除了指出它的优点外，还有意指出它的缺陷，如：人物与背景的处理太唐突，剪贴一般，使得边缘线的处理过于生硬；色彩较为单调等。这样做的好处是使学生不迷信权威，敢于思考，敢于发表自己不同的见解，明白对绘画作品的判断是多元的，没有固定的结论，仁者见仁，智者见智。我作为教师鼓励学生应尽量发表各种意见，以激发学生的创作思维，开阔学生的艺术视野。

我们作为美术教师首先要认清一点就是学校的美术教育并不是为了培养艺术家，作为素质教育的绘画艺术鉴赏教育，也并不是培养专业的鉴赏家。我们的目的是通过美术教育，培养大众对美术文化的理解力，学会欣赏周围生活中的一切视觉形式，进而使审美不单只是“看”，也不只是大脑接受，而是整个身心的接受。

总之，以上谈到的三点概括了美术欣赏教学的几个不同阶段，只有遵循鉴赏的规律，积极引导学生从感知走向理解，才是一节有效果的美术欣赏课。

参考文献

绘画艺术鉴赏论文范文第8篇

一、艺术作品是表达与接受的关系

艺术从其诞生的时候起便是人们渴望表达的产物。艺术创造者通过一定的艺术语言和技法创作出艺术作品，其目的是为了表达自我或对社会、生活的思考。艺术作品是艺术家与公众交流的一个桥梁。一方面艺术家有表达的欲望，其作品体现出艺术家的思想或思维过程。另一方面，公众或艺术鉴赏者从艺术作品中受到感染，引发观众的思考和情感共鸣。反之，艺术家又从公众的反映中得到新的灵感和新的思考方向，从而创作出新的作品。至此，艺术作品完成了整个艺术活动过程。

二、艺术创作中表达与接受的多样性

（一）艺术是社会意识形态的表达

艺术作为社会上层建筑中的意识形态，必然体现出它那个时代的社会经济基础的特征。每个时期的艺术从总体上来说都是表现了他们那个时代的社会意识形态。美国现代艺术家波洛克曾说：“对与我来说现代艺术不外乎要表达我们这一代人的所思所想。”不少人认为当代艺术就是现代文明的准确反映。这个现代文明的标志就是技术的飞速发展、广泛的政治和社会变革、突如其来的经济繁荣和经济灾难，因此，当代艺术其中心的前卫观念几乎自然而然的与我们这个工业社会进步的信念联系到一起。艺术毕竟不能脱离整个社会，不管个体的艺术家对特定的社会现象的反映如何，都只能是个体的反映。而他们的艺术却不可避免的要受“时代精神”支配。

（二）艺术表达与接受的多样性

十八世纪的工业革命引发了欧洲整个社会意识形态的革命。社会物质的极大丰富促使各种艺术思想不断涌现。作家弗莱德里克•安特尔曾写到：“绘画作为一个整体是如何成为通过艺术家的媒介而表现出公众思想观点的一个部分的。然而公众对生活的观点绝非完全一致，这种不同层次的差异就解释了同一阶段共存的不同风格。”现代化文明的到来使得现代绘画无论在题材上，还是在表现方法、绘画技法等方面都有着古典绘画无法比拟的多样性和可能性。因而现代艺术家有着更广泛的思维和更为多样的艺术形式来表达自我。同样由于社会时代的不断变化和发展，艺术鉴赏者对于艺术作品也有着丰富的多样的理解。

三、艺术表达与接受的对立统一

（一）艺术表达与接受的矛盾

艺术作品的表达与鉴赏者的接受之间总是有差异的。

1.艺术作品是艺术家个人经验的体现艺术家作为个体，其作品的表达总是受到自身生活体验的影响。然而，同样作为个体的艺术鉴赏者的个人体验不可能与艺术家完全一致。因而艺术家在其作品中所表达出的思想感情不一定能被观众完美的理解。例如，我们从埃贡•席勒的画中总是看到各种姿势的，甚至包括画家本人。在当时的社会环境下，普遍认为他仅仅是个色情犯，因为其作品不符合当时的社会道德规范。然而，通过了解艺术家的生活背景，仔细揣摩画面那夸张而准确的形体，扭曲而肯定的线条，富于表现而大胆的色彩所体现出的忧郁情感。我们能深刻体会到画家那孤独而敏感的内心。画家通过表现人体表达出自己内心的痛苦和对社会的悲哀。

2.艺术家的表达方式与普遍社会思维方式不一致比如，艺术家在非常高兴的情况下创作的作品，或许因为某种习惯或其他关系被看作是表现悲哀。或者说，由于某种原因这表现悲哀的幅画在绘画表现特征上与悲哀情感的表达毫无关系。在凡•高的作品中我们能看到一块快艳丽明亮的色彩随着旋转的笔触在画面中舞动，让人感受到一种热烈、充满阳光的气氛。如果不了解凡•高的生活经历，我们又怎能从画面中得知他是那么一个孤独的人，又怎能了解其内心是多么的强大。他的性格是内向的，而他的画的表达却是那么的外向。美国当代画家弗朗西斯•克兰在谈到其作品时曾说道：“……事实上，在一幅抑郁的画之后画一幅明朗的画是一件好事，尽管事实上我并不认为自己是孤独的，并孤独的画画。……所以如果形式对我表现出某种孤独，那一定是我寻求的某种激动人心的东西。任何构图———你知道那种全然的真实性尚未确定，某种即将来临的形式可能有郁伤的特点，尽管在另一种形式中它将使人感到愉快。”

3.鉴赏者的自身社会背景和素质影响其对艺术作品的理解艺术鉴赏者对艺术作品的鉴赏，直接原于他所有生活经验的思考。普通的艺术观赏者不会也不可能对艺术家的时代生活背景、性格特点、表现方式等有一个完善而全面的了解。因而只能根据自我的经验判断来鉴赏艺术作品。在许多情况下，人们对一幅画的“过程”和内容都有着大量的了解或思考过许多。然而，人们在确切理解绘画的同时却会对表现内容产生一种非常模糊的概念，或者反过来，在确切理解表现内容的同时对绘画本身的认识很模糊。因此，艺术鉴赏者对艺术作品的理解往往与艺术家所表达的情感不想一致。艺术鉴赏者自身文化修养和艺术审美能力的不同，直接影响其对艺术作品的接受。例如美国当代艺术家利希滕斯坦因第一次带着作品来到最为著名的卡斯蒂里画廊时，其情形是这样的：“正当卡尔普带领一群学生参观卡斯蒂里画廊时，利希滕斯坦因带着几幅画出现了。这些基本上是以连环画形象为主。那些学生开始咯咯的笑起来。卡尔普把他们送进隔壁的房间后，开始目不转睛的看着这些新绘画。他回忆说：‘它们的确非常奇怪，不合情理和令人厌恶。它们使我感到心寒。我当时决定最好给利奥（卡斯蒂里）看一看。’……我试图使他有点思想准备，可利奥竟没有表示出不悦！……他似乎受到了强烈的吸引。……利奥从不机械的附和他人，他总是慧眼独具，他相信自己的眼力。”

4.表达与接受的时滞性马蒂斯曾说：“一件艺术品，对审视它的不同时代来说，具有不同的意义。”一件艺术作品的表达很有可能在社会意识形态或创作手法上超越它所处的那个时代的公众意识和审美水平。因此很可能在其所处的那个时代不能被艺术鉴赏者所接受。

（二）艺术表达与接受的辨证统一

1.艺术作品的表达与接受的情感统一艺术作品是渗透着艺术家情感的产物，他既与艺术创造者息息相关，又与其鉴赏者关系密切。罗伯特•马瑟韦尔曾谈到：“绘画是各种激情的载体，而不是像喜欢汽车那样美丽的愿望。在我们的社会里，情感交流的领域相当有限。出于这个原因，绘画活动是人类的深层需要。……我希望有人在画廊里看到我的一幅抽象画时说：这画对他来说太郁伤了。以至每天看到它会使他难以忍受。但另一方面，也许有人在生活中有过这种抑郁感，因而喜欢这幅画。……绘画要有真实的人的内容。……它是人类情感交流的场所。”虽然，不同的艺术鉴赏者对同一件艺术作品会有不同的理解，但是只要观众从内心去体验，就会感受到作品中所传递的艺术家真挚的情感。

2.艺术作品的表达与接受有赖于艺术家及鉴赏者审美能力的提高一方面，艺术家自身审美能力不断提高，才能创作出更富于表现力的作品。一个成功的艺术家往往能从生活的更深层次发掘美，能更深刻的引发对自我，对生活的思考。从而其作品才更具感染观众的魅力。另一方面，艺术鉴赏者审美能力和文化修养的提高，有助于其更好的欣赏并理解作品。例如，一个普通人在面对杰克逊•波洛克的画时可能仅仅看到的只是画面中杂乱无章的颜料所组成的毫无秩序的点与线。并不能从其作品中受到深层次的感染。而一位音乐家则会从中发觉蕴涵着一种音乐的韵律美。只有当一位对艺术发展史及对波洛克的创作思维有一定了解的人，才能了解到波洛克所追求和表现的是一种轻松、协调的绘画方式及表达一种活力、运动以及其他内在的力量。因此艺术作品统一与艺术家和鉴赏者双方审美能力的共同提高。

3.艺术表达与接受的历史的统一马蒂斯在谈到艺术与时代时曾说：“绘画比戏剧有利的地方就是未来的一代人可以改正绘画首次出现的那代人对它的不公正。”随着社会的发展以及公众群体审美认识的提高，公众对于以前所不被接受的艺术作品会有新的正确的认识。一位杰出的艺术家只要从一开始就尽力完全的表现自我，如果他是真诚而富于创造力的，那他就永远会在后代之中获得反响。凡•高生前受到舆论的谴责，人们对于他的天才嗤之以鼻，其非凡的艺术作品在他死后得到崇拜和敬仰。他的艺术作品在两个不同的时空中得以达到统一。

四、艺术在表达与接受的辨证统一中发展

（一）艺术作品在表达与接受的辨证统一中实现其价值艺术作品作为社会上层建筑的一部分，其价值不仅仅只在艺术家表达完成后便实现了。艺术作品需要得到公众的接受。公众通过对艺术作品的鉴赏而引发自己的情感与思考。艺术这种特殊的社会意识形态就是通过艺术创作———艺术作品———艺术欣赏这样一个艺术生产的全过程来实现其在社会范围及历史范围内的价值。

绘画艺术鉴赏论文范文第9篇

 

对比法，即依据一定的标准，把彼此之间具有某种联系的教学内容放在一起，加以对比分析，以确定其异同关系，认识其本质差异。对比教学法的运用，能培养学生自主学习的能力;能培养学生举_反三、触类旁通的能力;能培养学生从事物表面现象找出本质差异的分析能力。经过实践，笔者认为把传统绘画和现代绘画进行比较，是帮助学生较好地理解现代绘画的有效教学方法。那么，如何将两者进行比较呢?以《伏尔加河的纤夫》和《内战的预言》两幅美术作品为例说明。

 

1. 引导学生从作品表现形式上进行比较

 

引导学生首先从作品类别上进行区分，这是非常重要的一个环节。《伏尔加河的纤夫》是一幅典型的传统绘画作品，而《内战的预言》是幅现代绘画作品。《伏尔加河的纤夫》注重画面的真实性。人类把画从“不像”到“像”历经了几百年，直到文艺复兴时期一大批艺术家的出现，把解剖学、透视学、光学等知识带入绘画的时候，才让我们在平面上看到了以假乱真的艺术作品。所以鉴赏传统绘画就是要从空间感、质感、体积感入手。而《内战的预言》构思、创意具有独特性。从19世纪末到今天，把作品画得“像”已经不是什么难事了，艺术家开始追求的是全新的艺术表现形式。如画面构思奇特——观者看到只有在噩梦当中才会出现的情境：画面是把人撕开再拼凑起来的一具支离破碎的人体，狰狞恐怖的面孔支撑在一只手上，身体七零八落。人物自己的手抓着自己的上半身，脚踩着自己的五脏六腑，自残的形象给观者强烈的视觉冲击。

 

2. 引导学生对作品背景进行比较

 

《伏尔加河的纤夫》作者是画家列宾，作品背景是19世纪60年代，沙皇亚历山大二世宣布法令——废除农奴制。可是，由于封建剥削势力的根深蒂固，俄国农民并没有改善他们的悲惨境遇。作品刻画的是11位衣衫褴褛、骨瘦如柴的纤夫形象，他们饱受压迫，生活艰辛。1这幅作品激发了人们对19世纪俄国人民命运的思索。《内战的预言》作者是西班牙画家达利，作品作于1936年西班牙内乱之前。画面中央是一个巨大而残缺的人体，象征受难的群众。蔚蓝的天空，布满了乌云，大地上撒满了土豆，象征着西班牙荒芜的土地，所有这一切都是对战争的有力控诉。

 

3. 引导学生从作品风格特点上进行比较

 

列宾是俄国19世纪后期最伟大的批判现实主义画家，他以无比丰富的创作和卓越的表现技巧，把俄国现实主义绘画艺术发展到高峰。画中刻画了 11位饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难地拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性，他们生活在社会的最底层，但这是一支坚忍不拔、互相依存的队伍。这支队伍凄苦、惆怅、无助，画笔直抵纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照。达利是20世纪西方伟大的超现实主义大师，也是最能表现20世纪西方社会的混乱与动荡的艺术家之_，他善于把事物形象进行夸张、变形。在他的画中，现代人的梦幻、苦难、心灵的骚乱、战争给心灵带来的巨大痛苦与扭曲，都一眼可见。看他的画，往往有一种非常压抑，却又是痛快淋漓的感觉，让人觉得那些连你自己都说不清道不明更不知如何表达的情绪，他都替你表达出来了。

 

通过传统绘画与现代绘画相比较的教学方法，可以帮助学生从多种角度鉴赏不同形式的艺术作品，揭示不同风格作品的创作意图、深刻内涵或目的差异。

 

二、运用启发式教学，引导学生感悟作品

 

启发式教学是素质教育中_种重要的、积极提倡的教学手段，它要求在整个教学环节中教师起到积极的主导作用，学生则能呈现其重要的主体地位。通过这种启发式教学，不但能使学生掌握知识，发展能力，更重要的是让学生学会依靠自己解决问题，教师不能包办替代。2所以，教师必须运用各种手段启发引导学生，调动学生的学习积极性、自觉性，促使他们自主地掌握和运用知识。以美术作品《百老汇的爵士乐》为例说明。《百老汇的爵士乐》这幅作品在西方现代绘画史上是一部非常重要的艺术作品，但是画面完全没有具体形象，只有纵横线条的分割、排列，色块的穿叉点缀，让学生对这幅作品进行鉴赏有一定难度。笔者做了如下教学思路设计。

 

1. 抓住文题，启发感悟

 

鉴赏艺术作品，最重要的是先“解题”。题目_般是艺术家传情达意的“窗户”，作品通常所要表达的思想情感和艺术情境都要通过题目去传达。我们可以先不让学生看作品，先让学生解题，结合其他相关学科的知识，说明什么是“百老汇”。高中学生应该已经从其他人文学科对这个概念有所了解，所以这样切入会相对简单。教师可以根据学生的回答和教学所需加以归纳：百老汇”是美国纽约非常著名的一条大街，贯穿纽约南北市区，在南北和东西街道的结点上，夜总会、事务所、银行、戏院比比皆是，夜晚降临，贵族的先生、女士们就会来到这里休闲、娱乐。“爵士乐”是指在19世纪末20世纪初，随着非洲黑人的大量涌入，带来的当时最为流行的爵士音乐。

 

2. 根据作品情境，配以音乐辅助鉴赏

 

题目当中提到一种音乐形式“爵士乐”。那我们不妨在教学中穿插一段爵士音乐，既可以让学生了解爵士乐的常用乐器和乐曲风格，又可以请学生谈谈听后的感受。在这个教学环节当中，很容易引导学生把握以下两个信息：爵士乐”是用萨克斯、单簧管、小提琴、大提琴、架子鼓等乐器演奏，它的曲风愉悦、轻松、明快，振奋人心。

 

3. 进一步引导学生把音乐感受和美术元素结合起来鉴赏艺术作品

 

其实音乐和美术虽然表现形式不同，但对人们心灵感受体验结果是相同的，都是在鉴赏音乐和美术作品之后，对情感起到不同的震撼作用，或平静、或愉悦、或兴奋、或悲伤。“爵士乐”的曲风给我们的审美体验是“愉悦、轻松、明快”，那在美术语言当中，什么颜色让我们感到“愉悦、轻松、明快”呢?通过这样的“异类同感”式教学，学生一定会回答：红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的颜色会让我们有和欣赏‘爵士乐’同样的心理感受。”从而帮助学生归纳总结出如下信息：画面应该有南北、东西交错的线条，结点上有很多夜总会、事务所、银行、戏院，呈现的是红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的暖色氛围，这和爵士乐的欢乐气氛相吻合;黄色的小色块就像节奏鲜明的打击乐，大色块就像是钢琴或大提琴的浑厚音色，大小色块就像声音扩散一样交织在一起形成美妙较有规律的爵士乐。[3 ]

 

4. 通过画面，进一步引发联想

 

教师还可以进一步根据作品启发学生产生联想：这些颜色不同、纯度不同、比例不同、冷暖不同的色块交织一起，虽然没有具体的形象，但是却留给我们更多的联想空间。如可以结合20世纪初的美国社会现状进行联想：把不同跳跃的色彩联想为百老汇夜晚霓虹灯;明快的色彩还能想到美国人节奏明快的生活方式;画面中小色块的分布感觉像美国发达的汽车工业——小汽车。

 

在教学当中，教师如果能够采用这种层层启发的教学方法，就会很容易使学生把握画家的创作过程和创作心理，从而体验到抽象绘画实际也是现实生活的整合和表现，只是在艺术形式上有别于画得具象的传统绘画表现形式，这样，学生再理解这类艺术作品就容易得多。“高中生已进入个体发展的青年期，身心发展都达到成熟水平，观察力、记忆力和想象力的发展都进入最佳时期。”[4]只有这样的教学方法，才能使学生真正形成更加深刻的审美鉴赏能力。

 

三、 联系生活实际，引导学生搜寻艺术之魂

 

西方现代绘画作品随着时代的变革越来越成为鉴赏的主流。由于这种绘画形式大多没有具体形象，意蕴相对含混，它也能最大程度与实际生活相联系，所以我们要尽量引导学生从生活经验出发，选择一些与学生已有的生活经验、学习经验相关联的西方现代绘画进行鉴赏，激发学生的学习兴趣，调动学生的鉴赏热情。

 

法国著名雕塑家罗丹说：“生活中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。”如果我们稍做留意的话，就会发现在现实生活当中，西方现代绘画的佳作不时映入视线，“作品与服饰’’、“作品与居室’’、“作品与环境”都有着千丝万缕的联系。我们以蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》为例。画面结构非常简洁，几个大小不同的矩形被黑色的、粗重的线条控制，主导颜色是右上方鲜亮的红色，不仅纯度极其饱和而且面

 

积巨大，画面四块灰白色有效配合了画的右下方的一点点黄色和画的左下方的一小块蓝色，红色正方形在画面上牢牢控制住平衡。在作品中，三原色坦然纸上，再无其他颜色。水平线和垂直线是画面当中仅有的线条;方块和直角是唯一的形状。分割与组合的巧妙，节奏、动感的画面，非常具有美感。学生取得了鉴赏蒙德里安《百老汇的爵士乐》作品的审美经验后，会很欣然接受这种艺术形式。那我们不妨在教学中再进一步创设这样的教学情景：

 

[1] 结合作品的构成形式，自己创作一幅以红、黄、蓝三原色为基调的作品

 

学生的操作热情很高，在绘制的过程当中不断地互相讨论并时有争论。每位学生都在精心策划着不同色块的大小、比例、构图，分割线条的粗细等。有几位学生的作品还不时受到其他同学的称赞。最后，教师应提供给学生_个展示作品的机会，可以把作品贴在教室黑板上，也可以贴在墙上，近距离地观察各自的作品，再和原作进行比较，学生很快就会发现作品的优缺点，然后进一步修改作品。

 

[2] 引导学生把自己的作品创意应用到实际生活当中

 

创意的构思、设计、制作，是引导学生捕捉发现美的过程。可以把作品应用到“作品与服饰”、“作品与居室’’、“作品与环境”等各个领域，待学生完成作品之后，教师可以把自己搜集的案例向学生展示，以有趣的实物为例说明这种艺术自身的美感，在实际生活中应用是非常广泛的。如生活用品玻璃杯(蒙德里安的抽象形式装饰)、鞋(直线、三原色，方块图案的布料)以及家居、建筑设计等。事实上，在我们的曰常生活中抽象艺术无处不在，它给我们带来的抽象感就在我们身边。[]

 

这种鉴赏与动手操作相结合的教学方法，分为两个教学阶段。前阶段的教学环节使学生从功能和审美的角度鉴赏西方现代绘画不同文化背景下的艺术作品，打开了学生们的艺术视野;而后阶段的教学环节，主要是让学生自己动手，有创意地完成一件设计作品，并在设计当中特别强调“有创意”这就要看学生能否运用以往所学的美术设计知识发挥自己的形象思维能力，体现创新意识，体会将现代的抽象作品与我们的实际生活联系起来的种种乐趣。

 

四、 运用批评的观点，引导学生对作品进行评价

 

《普通高中美术课程标准》中指出：“ ‘美术鉴赏’是在义务教育阶段美术课程中‘欣赏、评述’学习领域的基础上更高层次地拓展与延伸。”对于高中生来说，通过学习，他们不仅能欣赏一些“西方现代绘画’’，同时对美术作品还要有能力进行批评。它是判断教学是否有效的检验依据，在整个教学过程当中必不可少。因为美术学科具有其他学科不_样的特点，它具有开放性的评价体系。我们鉴赏美术作品的同时，要引导学生大胆对艺术作品进行评价，发表自己的看法和观点，使学生能在不同审美趣味和审美观念中碰撞出既开放又具有个性的审美态度和审美观念，这才是审美的最高境界。

 

美国艺术批评家沃尔夫吉伊根所著的《艺术批评与艺术教育》1书中总结了几点指导学生进行艺术批评时所遵循的原则，在我们的教学当中，相当具有借鉴意义。

 

1.以学生自身感受为主体，对一件或一类作品进行批评

 

传统的教学只是让我们教会学生理解艺术作品，而现在的教学更加侧重于让学生自己获得对作品的理解。这种理解并不是教师能教会的，它需要在理解作品的基础上通过自己的努力获得。

 

2.尊重学生的反应

 

教师应该避免针对艺术作品反应而强行设置某种程度;相反，他们应该相信学生最初做出的反应。[6]学生在面对作品时，会有瞬时的心理反应，即使面对同一幅作品在不同时期也会有不同的心理体验。教师应鼓励学生摆脱对教师的依赖感，解放焦虑和僵化的思想，充分尊重学生的所见所闻、所思所想，避免引导学生接受早已预定好的对作品理解的课堂讨论。

 

3.为学生提供面对有争论作品的机会

 

西方现代绘画作品对学生原有的认知和价值观提出了挑战，这就给我们提供了争论作品的机会。面对机会，可以让学生交流一下各自的学习心得，让学生从不同的角度感悟作品。

 

4.为学生创设安全、自由的批评环境

 

高中学生处于生理和心理逐步成熟时期，各个知识领域的认知也相对客观。对西方现代绘画作品无论从作品美术语言的角度还是从历史研究的角度、文化的角度都会有能力进行客观的作品评价。但教师如果不能为学生提供安全的、开放的、言论自由的评价环境，学生就不能坦率地表达自己的看法。只有让学生敢于表达，才算是批评与思考的有效运行。如果学生处在出现错误处境或尴尬的环境中，那么批评和思考就无从谈起。我们在批评的教学环节中所应遵循的基本准则是合作，而不是竞争。

 

在教学当中，教师能够根据以上几点进行艺术批评，那么在我们的课堂上就会产生可喜的教学效果。如果再面对西方现代绘画作品，学生就会大胆地表达出各自不同的心声。一种声音可能会说：我喜欢‘西方现代绘画' 我在学习当中认识到西方现代绘画或色彩鲜艳，或恐怖怪异，或夸张表现，比传统美术更有艺术的感染力。另外，现代艺术绘画还能带给我们无限想象的空间，有时作品就像是表达我的心声一样，我非常喜欢西方现代艺术。以后我会抱积极的态度，理解它、欣赏它。”还有一种声音可能会说：我不喜欢西方现代绘画。因为现代艺术太过于抽象，理解起来也过于复杂，它不像传统作品那样直观。”不同的声音还有：对西方现代艺术，我保持中立的态度。因为我们今天鉴赏的这些作品无疑是优秀的，但我们也应该看到并不是每幅绘画作品都有好的创意和绘画风格。我们也不能完全认为都是好的。” 不同的声音还有“对于艺术作品，不会像我们做数学题一样，有且只有一个固定答案，艺术是和我们每个人生长的环境、个人的喜好、审美的经验等诸多因素结合在一起的，所以鉴赏西方现代艺术，我们要有一个包容的空间‘仁者见仁，智者见智'允许每位同学心中都有一个自己的蒙德里安。”[7]

绘画艺术鉴赏论文范文第10篇

【关键词】题跋；形式；作用价值；中国画

1、中国画题跋的概述

一般来说写在书、碑帖、字画等前面的文字叫做题，写在后面的，叫做跋，连起来就叫做题跋。内容是鉴赏、品评、记事、考订等。清代段玉裁《说文解字注》上面写道： “题， 额也……引申为凡居前之称”。[1]

在中国绘画中，只有画家在画幅上题上诗文、题跋和印章之后，才算完成了创作的整个过程。所以题跋是中国画艺术不可缺失的组成部分，这样就形成了国画独有的特征。在画幅上题跋，是我国所有画家艺术思想的产物。

在中国画中写意的文人画在绘画观念上特别强调托物言志、怡情悦性和表现画家自己的审美感受；在艺术的表现上，它要求“意存笔先，画尽意在”，“以形写神，形神兼备”，同时注重“书画同源”和“诗文入画”、“以书入画”，诗书画印的巧妙结合就相得益彰，体现了中华民族文化精髓的思想。

2、中国画题跋的作用

题跋一般寓意深刻，概括精炼，并且要与画相辅相成，相得益彰。不少画家甚至喜笑怒骂，谐庄成趣，借题发挥。书写画跋语不是很简单的随意就可以写成的，它来之不易，它不是简单地用文字描写绘画，而它重要的是在用题跋表达画外之音画外之意。懂的这些知识后，然后再来欣赏国画就比较容易了，也可以说是欣赏国画的入门之一吧。下面就讲一下题跋在花鸟画、山水画、人物画里面的欣赏作用

2.1欣赏花鸟画

郑板桥有一幅名画叫《兰竹》，如果单单只从画面来看，它只是一颗墨兰再加两枝墨竹，并没有引人入胜的地方。但是读过他题画诗“日日红桥斗酒卮，家家桃李艳芳姿。闭门只是栽兰竹，留得春光过四时。”你就会被这位愤世嫉俗的画家带到了他那孤影自赏的意境中去。清代扬州画派李鲜的一幅《鸡冠花》是中国画中比较常见的，可是他在画中的题跋写道：“笑君博带峨冠立，俯首秋风不肯啼。”这就产生了不同的艺术效果，不仅使鸡冠花具有人格，还表达了画家的清高思想。还有在国民统治时期，王友石在《向日葵》上题跋：“恨尔一心偏向日，不知日落将谁倾。”用谐音作比喻，把日伪、汉奸和走狗骂得拍案叫绝，表达了画家的一颗爱国之心。

2.2欣赏山水画

近代画家蒲华的《山晴水明图》，画面远景山峰浑厚，中景竹林幽深，近景有两个人相遇在桥上。这幅国画画面要是不看画面上的题跋的话，无非是很常见的“可居可游之景”类的文人山水画，但作者在画上题：“山路苍茫风日晴，相逢路上画幽情。地多山竹宜琴鼓，水气空明竹气清。”题上这首诗，一下子使这幅画的题意深化了。尤其是最后一句，既有写景也是有在写人，也深化了整个画面的主题。

2.3欣赏人物画

现代齐白石画的一幅写意人物画中，画面上有一位老人依靠在一个褐色酒坛上打鼾。第一次看感觉不到新鲜，如果再看题跋：“宰相归田，囊底无钱，宁肯为盗，不肯伤廉。”的话就有不一样的效果。作者借画劝当官者廉洁，其表达的非常深刻。从而加强了整个画面的艺术魅力。当然，有些人物画没有题跋，这就要去仔细体会了。由此可见，国画中的题跋不仅能使画的主题更加突出，也能增强写意画意境的高度，还能使观赏者对画家在其作品中的画外之意有所感悟。因此读题跋是欣赏国画的导游，欣赏国画不能不去品鉴题跋。

3、中国画题跋的价值

历史价值是文化价值、艺术价值及市场价值的载体。中国画题跋是我国一种独有的绘画艺术形式，在中外艺术史上有非常重要学术研究价值。在长期的历史发展中，中国绘画形成了三大系：皇宫绘画、民间绘画和文人画。一般是继承了传统卷轴画形制和传统文人画精神的现代中国画。中国画的发展史是一部从实用性到审美性转变的过程，并发展出独有的艺术价值，从而体现了浓厚的文化价值。

绘画的题跋对作品市场价格的高低有着很大的影响，比如在1996年中国嘉德推出的傅抱石的《丽人行》画，徐悲鸿、张大千两位大师的题跋使该作显得更加珍贵，最后以1078万元卖出去了，创下了当时近现代书画作品拍卖最高价格。

题跋中的字句有的很有文采，有的很有画意，有的论理非常的精辟，有长的也有短的，还有有诗文的，以满足各种各样的需要，虽不能算全面，但也精彩丰富。比如像摘录自《南田画跋》、《画耕偶录》、《大涤子题画诗跋》等书的文字，文采斐然，读来真能使人唇齿留香，心神怡然。

中国画的诗文题跋，是以依存于所题的绘画形象为前提的，但它同时也具有相对独立性。题跋本身可以作为一件艺术品，同中国画、书法一样具有同等的艺术表现和艺术价值。后人在评判一件作品的时候，往往会综合考虑作品本身和其题跋的价值，二者是互相影响的。

4、总结

题跋是中国画的重要组成部分，可以说中国画的历史是同书法、诗文同辙的历史。从历史的发展来看，在五代之前，绘画的题跋很少见，一直到北宋时期才渐渐多起来，到了明清时期，题跋已经相当讲究了，成为画中重要组成的一部分，不可缺少。在中国画上题写，可以用来“抒发感情，阐述或发挥画意”。也可以用来“增强绘画的形式美感。它将诗文的美妙内容，用书法艺术的形式表现到画中，使诗、书、画三者巧妙地结合起来，融合到一个画面中来，使章法丰富多姿，出神入化，形成了中国画的特色”。现代中国画的题款形式种类繁多，使题跋这一古老形式更加走向完善，更具有审美特征和时代意义。

【参考文献】

[1] 段玉裁.说文解字注[M].上海：上海古籍出版社，1981.

[2] 杨大年.中国历代画论采英[M].江苏教育出版社，2005.

[3] 陈德富.中国书画鉴定基础[M].成都：四川大学出版社，1994.

[4] 徐邦达.再谈古书画鉴别――款、印、题跋极其对古书画的鉴定作用[J].

[5]行晋校刊.津逮秘书[M].汲古阁刻本，壬戍上海博古斋影印.

[6]苏轼.苏轼文集[M].北京：中华书局，1986.

绘画艺术鉴赏论文范文第11篇

1．我国关于美术欣赏的研究

八十年代以来，我国关于美术欣赏的研究取得了一定的成果。1986年，陈望衡、张涵在其著作《艺术美》中提出，艺术欣赏实质上艺术美的欣赏，是一种美感活动，艺术欣赏的特点主要是娱乐性、主客观辩证统一性、与创造过程的紧密联系性等。1995年，尹少淳在其著作《美术及教育》中指出，美术鉴赏是运用感知、记忆、经验、、知识，对美术作品，进行感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识的过程。1998年，张道一在其主编的《美术鉴赏》中提出，美术鉴赏对于鉴赏者来说也是一个复杂的心理活动过程，它与艺术的创造一样，同是知（认识）、情（情感）、意（意志）等过程的系统组合。21世纪伊始，关于此方面的研究近一步深入。2000年，王大根在《美术教学论》中提到，美术欣赏是一种视觉心理活动，它是从视觉对作品的直观感受开始，通过知觉与联觉、统觉而变成情感和意识的过程。2001年，王向峰其著作《美的艺术显形》中指出，艺术欣赏的主要特征有：艺术品相对与欣赏者的外在性、艺术欣赏的过程性、欣赏者在欣赏过程中的创造性。2002年，陈新汉在其著作《审美认识机制论》中提出，艺术欣赏是纯粹化、集中化的审美活动，是客观化审美活动的主观化，它作为对艺术作品的具体把握，是欣赏者接触艺术作品而产生的一种审美活动，也是一种通过艺术作品中的形象去间接认识客观世界的思维活动。

总之，美术的欣赏是运用感知、记忆、经验、知识，对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。

2．写意

汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。我国传统绘画（区别于“西洋画”）。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意，它的精神内核是 “笔墨”。

写意画即是用简练的笔法描绘景物。写意画多画在生宣上，纵笔挥洒，墨彩飞扬，较工笔画更能体现所描绘景物的神韵，也更能直接地抒发作者的感情。

写意一词在元代的绘画典籍中已经出现，一则见于夏文彦《图绘宝鉴》，其中说北宋僧仲仁画梅“以墨晕作梅，如花影然，别成一家,所谓写意者也”。另一则见于汤逅《画鉴》，他说：“画梅谓之写梅，画竹谓之写竹，画兰谓之写兰，何哉？盖花之至清，画者当以写意之，不在形似耳。”前者意在“舍形而悦影”，强调的是略形而重意。后者主张创作的关键在于意的彰显，不应该把形似看作根本目的。在更早的画论里，虽然没有使用写意一词，但南朝宗炳的“畅神”说，唐朝张彦远的“怡悦情性”论，宋代欧阳修、苏轼的“古画画意不画形”、“笔简而意足”、“意气所到”的主张，都说明写意精神出现在前，写意画法出现于后，因此不但概括随意的画法可以表现写意精神，工细的画法同样也能表现写意精神。

3．主体精神

不能说中国艺术精神就是写意精神一端，“写意精神”强调了主体精神世界的表现，通过“寓意于物”、“寄乐于画”，实现个体的“畅神”。但中国的艺术精神，包括两个方面,一个是“载道”精神，“载道”精神注意群体意识的表达，看重表现天人和谐的秩序和人际和谐的秩序，在中国画里一直存在。

另一个是“畅神”精神，也可以叫“写意精神”，比较注重个体意识的自由，个人精神对物欲的超越,这两者的互动和互补推动了中国画艺术的不断前进和发展。但“写意”与“载道”并非互不相关的，个体的“意”直接联系着精神品格和道德理念，所以古人说：“人品不高，用墨无法”。“载道”可以起精神导向的作用，不过也要通过个体才能实现，一张好的画不仅可以让人愉快，而且可以使人得到更高层的启示，因而在中国“载道”精神和“写意”精神，往往是结合在一起的，表现出“寓教于乐”的特点。于是，在人们的认识中，这个“写意”精神就变成了中国艺术精神的一个非常主要的且一直被关注被重视的方面。

4．传神

对写意传统的理解，无外“写”和“意”两个要点。“写”是指书写性，作画时应书法用笔，“意”是指作者主观内心的思想感情，可能是一种审美感情、一种精神品格,也包括艺术家的个性。“传神”的“神”是指客观对象的精神风貌，最早是讲人物传神，为人物传神写照,后来有人用到山水花鸟里面。因此，写意画在山水画、花鸟画中得到发展。在中国画“天人合一”写意性艺术观念的指导下，中国画家“望秋云，神飞扬；临秋风，恩浩荡”（南北朝王微《叙画》）的艺术情怀，使其对自然山水的表现变为人化了的自然，这不仅仅是“天”与“人”的高度融合，而且是画家内心世界自由扩展与情感的抒发。

写意画在长期发展中，造成了主客观结合的独特方式。画家是用“写意”主导“传神”的。所谓“妙在似与不似之间”的造型观,要点是不走极端，既抽象又具象。

画家虽然要以客观世界为依据，但不是被动地模拟对象，画中的客观对象已经经过了画家心灵的陶冶，注入了自己的感受，诸如抽取、疏离、夸张、比喻等因素，而且不同的人，感受也会有所不同。如果画得光有民族性、时代性，没有个性，没有个人风格，那也是不成功的。齐白石所总结的中国画的造型观“妙在似与不似之间”，包括剪裁，包括变形，还包括幻化。所以对写意精神的理解，有写，有意，二者可以并行不悖。作为写意画家更应该考虑：怎样在重视写意精神的前提下，把写意画法与工笔画法结合起来，把“写意”与“传神”结合起来，把“畅神”与“裁道”结合起来，怎样把写实因素，写意因素和传统的装饰因素加以解析重新整合起来。

5．意境

中国画的写意理论，也有一个发展过程。在古代画论中，最早的“意”是讲“立意”， “意境”的意，是讲画家在创作作品以前要有一个意念，要有一个意想，要有一个意图，要有一个创意。这个意图，这个创意当然是跟创作者的艺术思维密切联系在一起的，不是“主题先行”。看一张画首先是感受画家的“意”，画家的精神。所以一张好画不仅要笔精墨妙，还必须神满意足。笔精墨妙离不开在自由书写中形成笔墨相对独立的美，从而又要把意境、意趣书写出来。

绘画艺术鉴赏论文范文第12篇

一、 完善高中美术鉴赏课教学方法

在新时期的高中美术课程教学活动中，教师应认真研读新课标的要求，分析学生的美术知识基础和学习能力，为接下来的鉴赏课教学做好准备工作，提升教学设计的可行性与针对性。在鉴赏课教学方法上，教师需不断优化和完善，除采用传统的理论知识讲解之外，应适当采用小组合作、导学案、集体鉴赏等教学法。通过多种多样的教学形式，提高学生参与美术作品鉴赏的积极性和动力，并在美术教师的引领下，充分发挥其课堂主体地位。

比如，在《咫尺千里――中国古代山水画》鉴赏课教学中，教师需提前做好教学设计和方案，在课堂教学过程中，让学生鉴赏《富春山居图》这幅山水画作品，为他们讲述相关的艺术特点和时代背景知识，即为：中国绘画独特的散点透视法，是元代画家黄公望为郑樗所绘的作品，以浙江的富春江为背景。然后组织学生以小组形式，让每个小组都认真观察和鉴赏这幅作品，相互交流、讨论对作品的看法和见解，并体会作品所蕴含的情感。在这样的教学模式下，教师需关注控制与把握讨论过程，保证学生能够在注意力集中的情况下鉴赏和讨论作品，增强对作品的了解，并掌握我国古代山水画的艺术特点。

二、 充分利用多媒体技术辅助教学

当前，在教育教学中应用多媒体技术已是普遍趋势，可补充和完善教学内容，还能够提升教学的形象性，为学生带来更为直观的感受。为此，在高中美术鉴赏课教学中，如果教师仅靠纯粹的语言讲解，难以全面表现出美术作品的特点和艺术魅力，而积极运用多媒体教学设备，利用声、光等手段展示美术作品，或者加入动态画面、背景音乐等，强化展示效果，为学生带来亲临其境般的感觉，强化他们对美的体验与感受，培养其审美能力。

例如，在进行《宛自天开――古代园林艺术》鉴赏教学时，中国古代园林艺术被称作园林鼻祖，在世界艺术中独树一帜，是我国传统文化的关键组成部分，也是一种载体，可反映出各个朝代的时代背景、工程水平和经济兴衰等。教师为帮助学生更好地了解古代园林艺术知识，可运用多媒体教学设备展示一系列不同园林艺术风格图片，包括：颐和园、北海公园、承德避暑山庄、苏州拙政园、留园、上海豫园和余荫山房等。可将这些园林艺术作品很好地呈现在学生面前，带领他们全方位的鉴赏，可使其充分认识到中国古代能工巧匠的聪明和勤劳，并深入体会园林的意境，以及追求园林艺术的审美情趣。

三、 鉴赏课教学适当增添人文色彩

在高中美术鉴赏课教学过程中，教师需认识到美术作品不仅属于艺术创作，作者也倾注有丰富的思想情感，进行创作出独特作品，并体现出不同的艺术风格和魅力。为此，高中美术教师为提升鉴赏课教学质量，更好地培养学生审美能力，在引领他们鉴赏美术作品时，应适当增添人文色彩，可以是作者介绍，也可以是创作背景，使其结合这些人文知识更加深入的鉴赏和分析作品，真正感悟到作者的思想情感与创作情景，加深领悟和体会。

在这里，以《天上人间――宗教壁画》鉴赏教学为例，针对敦煌莫高窟壁画的鉴赏，教师需先告诉学生它保存从十六国到元代近千年佛教题材的壁画，展示的是佛教创始人释迦牟尼的生平事迹，以及根据佛经内容画出来的绘画作品。之后，教师可对敦煌莫高窟壁画中的《尸毗王本生故事》让学生鉴赏，展示其精美程度和作品特点，让他们仔细鉴赏各个细节，在充分另外佛教壁画的艺术魅力后，教师再结合壁画艺术的发展现状，介绍对敦煌莫高窟壁画的保护情况，以此培养学生热爱中华瑰宝的情感。同时，学生与民族情感产生共鸣，不仅可培养他们的审美与鉴赏能力，还能进行思想教育，升华教学效果。

绘画艺术鉴赏论文范文第13篇

[关键词]高中美术 鉴赏课

[中图分类号]G424[文献标识码]A[文章编号]1009-5349(2010)01-0046-01

高中美术鉴赏不同以前小学、初中美术作品欣赏,虽然只有一字之差,但两者之间却有明确的区别。鉴赏,是鉴别和欣赏的意思,欣赏则不包含鉴赏,欣赏意味着肯定和赞赏,鉴赏则不意味着肯定和赞赏,而是对一流派的艺术主张和作品内容、体现思想和艺术技巧等方面,进行分析、研究、鉴别之后,才能决定对这一流派的作品给予肯定和赞赏的态度,还是否定和批判的态度。高中美术鉴赏课对欣赏课的要求更高,高中学生可能一时难以适应,我们要做好引导工作。

一、要教育学生区分于以前的美术欣赏

首先要教育学生区分于以前的美术欣赏。不单纯的认为课本上提供的绘画作品都是肯定赞赏的性质,课前要对当前所学课时的作品有一定的了解,做出自己的判断,课上再由教师给予讲解和正确的鉴赏。

二、教师和学生共同做好课前准备工作

其次,教师和学生共同做好课前准备工作。课下教师和学生分别准备讲课时的绘画作品的资料,让学生从被动学习变为主动学习,从而增加学生的美术学习兴趣。课堂中,教师提供欣赏作品的挂图或课件,师生共同分析作品,让学生有更直观的感受。分析过程中,教师给予学生肯定和赞扬,并补足学生资料的不足,这样不仅使学生记忆深刻,兴趣增加,也更加突出了新课程改革中,学生为课堂的主体这一宗旨,使美术学习过程成为一个学生亲自参与、实践、创新的过程。

三、鉴赏课应与实践相结合

美术鉴赏应重视理论基础。美术鉴赏分为直观感受和理论知识,缺乏理论知识,学生思路混乱,无法完成欣赏。一开始上鉴赏课,有的学生连绘画形式都不了解,对什么是水粉,水彩,油画等分不清楚,教师有必要在开课初期把这些画种做详细的介绍,让学生了解和认识。在理论和绘画作品结合之后,学生对美术鉴赏由感性认识上升到理性认识,这时,我们再辅以较浅的绘画实践,让学生更加深刻的了解所学的鉴赏知识。例如人美版高中美术鉴赏课本第九课《中国古代绘画撷英》一课,除了让学生了解欣赏中国古代优秀绘画作品之外,还可以让学生做简单的水墨小品练习,切身体会中国画“幽静,清雅”的意境,同时对中国画的工具――纸墨笔砚,及他们的特性、使用也有一定的了解,使学生对中华民族的绘画文化升起民族自豪感。再如第十六课《中国民间美术》,可以课前教师先准备好简单的剪纸图案,再由学生用刻刀等简单工具进行模仿制作,让同学们也体验一回“剪花娘子”的乐趣,也更加深刻的了解中国民间艺术。

四、美术鉴赏课应多应用多媒体技术

过去的鉴赏课,学生们只是通过人手一本的课本来了解、认知绘画作品,绘画作品画幅小,而且数量有限,这些局限性,在互联网高度发达的今天,得到完美的解决。PPT的展示,不仅让学生们欣赏到更多的名画,而且画面质量非常高,可以局部放大观察细节。另外,影像、声音、动画使教材更加生动、活泼,更加具有动态感,营造出立体的教学氛围,强化了学生的审美感受。例如,在欣赏朱耷的《高石水禽图》等中国画作品时,配以古筝、古琴乐曲,画与音交相辉映,古声古韵,有声有形。

五、学生应从美术欣赏走向研究性学习

适当的在高中美术鉴赏课中开展研究性学习,是培养新型人才的需要,是美术与社会和其他文化相联系的需要。研究性学习使美术鉴赏走向了一个新台阶,赋予了新的意义。

教师在研究性学习中作为指导者,研究性学习的题目由老师或学生自己列出。通过民间调查,网络搜索等方式广泛搜集资料,并把所得的图片,视频等围绕自己的研究课题进行整合、汇总,形成研究报告。这种学习方法,扩大了学生学习美术的学习视野,增加了他们的学习主动性,促进了学生对美术文化的扩展探索,加大了知识面。

绘画艺术鉴赏论文范文第14篇

【关键词】高中美术 教学 创造条件

美术教育是基础教育的一部分，也是素质教育的重要组成部分，对提高全民族文化素质有着特殊意义，把艺术教育由专门传授技法技能转为培养素质，是美术教学的革新，符合现代教育思想与规律。在基础教育中，学生应具备的基础素质主要是思想品德素质、科学文化素质、劳动技能素质、身体心理素质、审美素质等，学生的素质是一个和谐整体，忽略和缺少哪一方面都不健全。因此，美术教学对提高学生的整体素质起着不可或缺的作用。那么，高中美术教师如何中为学生学好美术创设条件呢？

1.明确教学目标是为更好的开展美术教学理清思路

作为从事高中美术教学工作的教师，根据多年的教学经验，我认为，明确教学目标是为更好的开展美术教学理清思路，提高教学质量做好铺垫。教学目标要立足于学生的实际情况，通过美术教师教学指导，让学生掌握基本的技法和作画步骤、正确的作画程序和方法，以提高学生绘画水平和顺利完成画作。让学生掌握正确的作画方法和作画程序是力求避免学生作画的随意性和毫无目的性。不仅要让学生养成正确的作画程序、步骤和方法；还要培养学生掌握熟练的绘画技巧，因为所有绘画作品都是通过一定技巧来表现，是绘画作品的形式美。如果不掌握一定的技巧表现，那么画出来的画不能体现出作品的形式美感。绘画技巧丰富多彩，如素描中立体空间的塑造、形体结构的塑造、明暗的塑造、不同质感物体的塑造、各种不同效果的表现，速写中不同线条的表现，色彩中不同笔触的表现等等，都可以根据需要采用不同的多种技巧，虽然这些技巧的形式变换多样，但在作画的过程中，却不可因此迷惑，要根据所画的对象选用恰当的技巧和形式，同时也根据个人的性格、个人的感受而形成个人的风格，或粗犷洒脱、或严谨细腻，达到画面形象生动，艺术感强目的。

2.教学中具体对美术作品的各种形式美感进行细致的解说

高中美术教学是培养学生的绘画欣赏能力，提高学生的艺术修养。教师在高中美术鉴赏课中除了向学生介绍各种美术鉴赏方法外，还要在美术教学中具体对美术作品的各种形式美感进行细致的解说。而目前学生的美术鉴赏能力十分有限，不可能深层次的鉴赏美术作品，但对于较为简单的素描图像、人物速写、色彩写生的审美是不可或缺的。上文提到的各种技巧形式表现最终的目的是要体现出绘画作品的形式美感，营造出绘画作品的艺术效果。因此，教师向学生讲解、演示各种绘画技巧时，不妨向学生解释为什么需要这么画，而这样画能使画面产生什么样的艺术效果。这样，学生在学习、掌握绘画技巧时，提高学生的欣赏能力和审美水平，使他们在作画的过程中，根据画面的需要和自己的感受，并结合自己所掌握的审美要求，积极主动的构造作品的艺术表现效果，以促进学生绘画能力的极大提高。

3.准确地把握新课标的精神，理解文化美术与技能美术的关系，提高学生的综合能力

高中美术教学是培养学生掌握有效的学习方法。在教学过程中，我发现相当一部分学生学习效果不明显，究其原因，主要是没有掌握有效的学习方法。其一是观察方法。掌握正确的观察方法，能够正确的画准对象的形体特征、角度和动态，教师在指导学生时应用打比方的方法引导学生从上下、左右采用直线、横线、斜线等来矫正形体比例，采用各种几何形体来概括对象的形体结构；其二是对比方法。教师在绘画过程中要引导学生理解作画对象的形体比例、体貌特征、明暗、色彩等，都是要通过对比方法来准确表现；其三是作品比较鉴赏法。完成一幅作品后要通过对比、鉴赏方法，从中了解自己作品取得的进步，存在的问题和差距，如将作品和自己以前作品对比、和范画对比、和其他同学作品对比等等。通过这些对比，可以直观的感受自己作品存在的不足，更好的积极主动的进行自我总结，不断地调整，促使自己的提高和进步。教师要给予学生在课程中体验、思考、鉴别、判断学生感悟、理解的机会，对学生进行认识美、感受美、欣赏美、创造美、体现美的教育。在课堂上，运用比较、讨论等方法，引导学生体验、思考、鉴别、判断，给予学生感悟、理解的机会。如在进行一些专题作品欣赏或随堂欣赏作品时，在课堂上给予学生机会对艺术作品进行自我感悟和认识，从而激发学生的好奇心，再组织学生通过一些专题作品欣赏或随堂欣赏作品时，在课堂上给予学生机会对艺术作品进行自我感悟和认识，从而激发学生的好奇心，组织学生通过观察、对比、比较鉴赏、讨论等方法，引导学生展开想象的翅膀，努力提高学生的审美趣味。因此，美术教师要准确地把握新课标的精神，理解文化美术与技能美术的关系，提高学生的综合能力。

4.重视激发学生的创新精神和培养学生的实践能力

绘画艺术鉴赏论文范文第15篇

关键词：绘画艺术 鉴赏教育 美术教育

每一个视觉健全的人都有一定的审美能力，能从个人的角度欣赏一幅绘画作品；但要从专业的角度进行鉴赏却并不是每一个人都能做到的。鉴赏是一种后天专门训练所获得的能力。因此，鉴赏高于欣赏。初中美术欣赏主要通过欣赏活动来培养学生的审美能力,而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论,其根本目的是学会用一种美好的心态面对社会、面对未来。教育的任务不仅是用知识来充实学生的头脑,而且要发展他们的智力和才能,教学应当促进人的全面发展,有助于人的高尚品德的形成。

新课程标准指出:"应通过美术学习,使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性,人类社会的丰富性,并在一种广泛的文化情境中,认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。长期以来,学校美术的评价只是单纯的技巧技能的考查评价,忽视美术欣赏能力的培养。在我们的绘画艺术教育中，我认为应将绘画欣赏作为其基本内容，单纯靠学校每周一、二节课的课堂教学来训练来练就绘画赋形表现能力，无疑是不自量力的。而培养绘画欣赏能力无疑是美育的主旨，也是学校教育可以实施见效的。这在西方许多国家都曾达到验证。

但如何培养学生的欣赏能力呢？我认为应该按以下四步来进行：

第一步：简单描述：

新美术课程标准首次提出了"情感、态度、价值观"的概念,其目的是强调通过学生亲自参与美术活动来体验和感受活动的价值,从而形成自己的艺术和价值观念。美术欣赏是一项审美活动,它需要通过自己的思维活动如观察、判断和想象来感悟美术作品,这种活动更需要个人的审美感受和情感的体验。

情感是审美活动的中心问题,美术作品大部分是以精神产品为主的,它通常表现艺术家某种思想和观念,主要作用于人的情感领域。

学生由于生活阅历、审美经验、知识修养的不足,能对美术作品积极主动地欣赏是比较困难的。教育学家第斯多惠在教师规则中讲过:"我以为教学的艺术,不在于传授的本领,而在于激励、唤醒。

因此，在欣赏的开始，应先抛开含义、价值判断、背景等因素，只让学生指明画面上存在哪些物象，用语言表达直观看到的和感受到的。对变形较大的作品，指出原型；对抽象作品，可指出画面存在哪些形状、色彩、结构等，使学生注意到应该注意的所有方方面面，这很重要。因为人们在看画时，常看主要形象而忽略其他，或只看自己感兴趣的而忽略其他细节。

第二步：形式分析

形式分析是将感性立即转化为理性分析。我们要解决的不再是作品给你什么感受，而是画家是如何使你产生这样感受的。这就是需要从艺术语言和作品的形式感来分析，来探讨色彩、形状、线条，肌理、人物描绘的特点，分析部分与部分、部分与整体、图和底的关系等。这是鉴赏中的重点，也是难点。

如夏加尔的《举杯.双重自画像》，学生通常能感受到画面中的快乐气氛，通过教师诱导和提示，学生会发现原来这种氛围是画家刻意营造的，夏加尔所追求的单纯的形、色、人物动态都体现了天真和童趣，欢乐和喜悦的气氛来自人物的表情和动作，压缩的风景和高举的酒杯也起了很强的烘托作用。

形式分析是帮助学生了解和把握形式美的规律，体验和品鉴形式美的意味，可以由浅到深，由点到面，由形象到风格。分析时切忌繁琐和硬性解剖，破坏作品的整体生命。

第三步：意蕴解释

意蕴是作品中的一切有形事物的无限延伸因素。意蕴解释是绘画鉴赏的最深层次，从外在层面到内在层面的探讨。对超越画面形象即"象外之象"的刨根问底，当然，我们不能只中循迹而求。