现代艺术论文范文

现代艺术论文范文第1篇

表现主义先锋高更和凡•高身处在后印象主义中，其艺术也从浪漫、现实、印象主义甚至巴洛克中汲取营养，又影响着野兽、立体、综合等主义。表现主义之父蒙克，从后印象主义和象征主义的探索中发展出自己的路子，也不乏象征性的内容、野兽派的色彩。还有两位现代表现主义不得不提到的人物，即恩索和康定斯基，而恩索又是超现实主义和20 世纪幻想派之父，康定斯基则是抽象派之父。看来很难判断哪位画家、哪幅作品、哪个时期是表现主义的，而各种主义更多是艺术批评中运用的公式或标签，更应是一个概念或理念。如果说绘画从对宗教的弘扬和自然的再现这一传统中解放出来，发生变革，那么现实主义是将自然与社会结合进行表达；印象主义是将自身的感受与自然结合进行表达；而表现主义则是终于摆脱自然，独立于自然之外，对人自身的内心、精神、情感、感受等的表达。而后的许多主义又脱离了人，就绘画而绘画，发掘绘画世界本身的价值。从另一个方面说，所有绘画艺术都有“表现性”和“再现性”，两者是相对存在的。即便如米开朗琪罗、拉斐尔或雷诺兹、安格尔的绘画也有表现性；如康定斯基或蒙德里安的绘画也有再现性。

所以作为艺术运动的“表现主义”的提出，本意是以革命者的身份与“再现”对立的立场，而“再现”的承载不是绘画的再现性，它应是当时学院派古典主义、新古典主义和现实主义等既有艺术。一般认为“表现主义”一词在1911年被《狂飙》杂志正式使用。但在这之前，1880年就有批评家用“表现主义者”来描述表现自身情感的现代画家。1901年在巴黎举办的画展上，画家茹利安•奥古斯特•埃尔维以《表现主义》命名自己的油画作品。“表现主义”的产生是“革命者”区别“旧艺术”而创造出的“新艺术”的名称，它的本质与现代艺术运动“革命与实验”是一致的。“高更把绘画的本质看成是某种独立与自然之外的东西，当成记忆经验中的一种‘综合’，而不是印象主义者所认为的那种直接的知觉经验中的东西。”“凡•高试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”蒙克将内心世界的表现发挥得淋漓尽致，造型问题是第二位的，心理方面的问题才是第一位的。他的艺术作品表现人类的苦难、贫困、暴力和激情。主题多暗示和寓意病痛、孤独、恐惧、忧郁、死亡、暴力和。恩索奇特的幻想、对恐怖的探索揭示了艺术家纷乱的内心世界和感情的强烈程度，作品践踏了形式原则以便表达主题，空间组合的杂乱无章是为描画世界的杂乱无章。康定斯基强调纯色的心理效果，渴望通过一种纯“心灵性”的新艺术使世界更新。绘画本身抽象的色彩与形式的和谐，必须“以触及人类灵魂的原则为唯一基础”。以上五位画家可以说蒙克是比较纯粹的“表现主义”，所以表现主义和蒙克通常一起提及，同时与表现主义一起提及的还有德国。

二、在19世纪末和20世纪初的艺术巨变中

法国是当之无愧的中心，几乎所有具有国际性影响的思潮都以它为中心展开，在造就了本土艺术家的同时，它还是各国艺术家的圣地，很多艺术家到了巴黎才有了成功。但从表现主义开始，这种与巴黎的疏离与对立有了兆头，与法国的那种试图建立一种世界性流行语言相反，表现主义强调个性和种族性，它以斯拉夫民族和北欧国家的宏大、悲悯情怀为精神依托，对所处时代的动荡不安有着最细致和钟情的表现，并以悲剧的形式面貌和气质为其总体的特征。客观上讲蒙克的影响对表现主义在德国的重大发展有着相当的贡献，但表现主义在德国有最集中的表现，更重要的是主观与精神气质方面的契合，德国由浪漫主义到自然主义再到表现主义，都体现出了一种敏感、激荡的民族心理情绪，这不是一个容易简单地快乐起来的民族。

除了精神气质的契合，还有一个理论背景，新康德派哲学家菲德勒大概是第一个认识到作品是“内在需要”所产生的评论家，他认为艺术作品本来就是艺术家独特的视觉知觉对象，以他的选择能力所得出的自由形式，还有“移情作用”这一理论得出的色彩、线条、形状或空间，都是一种特定情绪特征的提示。随后沃林哲认为现代艺术家在走向对自然的有选择性的组合或抽象的“内在的不可抗拒的冲动”。桥社、青骑士等众多德国画家将这些理论、观念充分强调和实践。20 世纪初德国有“桥社”和“青骑士”等艺术团体。“桥社”是蒙克的追随者，成员基本都出生于普通家庭，其作品给予普通人同情；惊讶大城市的魔力同时又表达身在其中的焦虑；热衷表现舞蹈的瞬间，这可能与他们的15分钟素描法训练有关；此外在艺术上融合了非洲艺术的一些元素。“青骑士”的作品更为抽象，他们对内在精神和情感更感兴趣，并试图用视觉的形和色来表达，可谓纯“心灵性”的新艺术。德国表现主义艺术家普遍有“革命”色彩，强烈要求变革已有的艺术形式，规模宏大的叙事性题材极少出现，而经过简化和夸张的人物、风景和景物大量涌现。其作品倾向表达痛苦、绝望、紧张、狂喜之类的极端情感。虽然20世纪初德国大部分表现主义画家在画面上始终没能走出蒙克、凡•高、高更、马蒂斯等现代艺术巨匠的阴影，但他们的坚持是值得肯定的。

现代艺术论文范文第2篇

1.1民间美术的审美性

民间美术的审美性在人们的脑海中一直是极富艺术形态的，其具有独特的造型艺术、色彩艺术等，比如民间美术的剪纸、刺绣等就体现了“吉祥如意”之情，其图案多为富有意象化的福娃，燕子等，在色彩上普遍采用传承中国喜庆欢乐气氛的红色，总而言之，民间美术具有独特的审美性。

1.2民间美术的民俗性

民俗是一种特定的文化现象，不同的民族各具民族风俗，是对人们社会生的一种不同诠释，而这种诠释，却成就了民间美术另一种艺术特征，例如，民间美术中的风筝、年画等，早就不仅仅是原有的功能和形态，而是经过民间美术的雕琢，成为了一种特殊的民俗文化形态，在祈福、祭祀等活动中经常可以看到。人们用色彩丰富的风筝来驱走一年的霉运，用年画娃娃来祈祷来年的福气，这些都体现了浓浓的民俗风情。

1.3民间美术的实用性

民间美术来源于民间文化，因此一直保持着民间生活最原始的形态，民间美术的“本元性”使其与人们生活中的衣食住行息息相关，所以民间美术是生产者的艺术，是将生活中最真实的一面以艺术的形态来展现。如在民间饮食文化中，面花成为了民间艺术造型的典型，这是一种用简单的面来创造艺术形态的一种方式，体现了浓浓的生活气息。

2民间美术对现代艺术设计的启示

2.1造型设计启示：道法自然

造型和形象是艺术设计的第一大特征，而中国民间丰富的艺术造型是非常值得现代艺术设计借鉴的，由于民间美术造型讲求视觉独立性，其独特性体现在其取材和造型体系不仅仅来源于单纯的自然取法，而是在其基础上，充分发挥主观想象力和创造力，是一种自由而又随意的创作过程，作者通过作品将其观念暗寓其中。现代艺术在造型上可以充分借鉴民间美术的造型。首先，在设计思想上，应充分借鉴民间美术“不拘一格“的造型风格，生活中的点点滴滴都可能是创作灵感的源泉，再通过主观的审美进行二次创造，使民间美术融入现代艺术设计中，形成独特的风格。其次，在造型的取材上，可以借鉴民间美术的造型意象，为冷硬的现代艺术设计增添些许生活气息和人文情怀。

2.2色彩运用启示：配色鲜艳

色彩是艺术设计的精髓所在，现代艺术设计在色彩上也要借鉴民间美术色彩的精髓之处。民间美术源于民间生活，民间生活随着时间的变迁形成了具有民族特征的色彩，例如我国的年画、剪纸、皮影、木偶、脸谱刺绣等都呈现出色彩丰富的文化底蕴。中国的五色观源于传统的五行观念，将“东、西、南、北、中“的空间观念搭配五种色彩，形成东方主青色，西方主白色，南方主赤色，北方主黑色，中央主黄色的独特五行色彩组合。其次，中国传统的文化观念将“吉祥如意”也延伸到了色彩中，以“红红绿绿”来体现吉祥如意，譬如节假日的年画，对联等，都以红色作为主色调，突出节日的红火热闹。这种将风俗愿景与艺术形式相结合的方式，不仅能感受到节日的喜庆吉祥，更能体味浓郁的艺术气息。

2.3创作观念启示：保留民族性

现代艺术论文范文第3篇

前面已经提到，所谓的现代艺术中心就是一个城市传播文化艺术与精神文明的主要阵地和载体，也是城市居民日常参观、学习、休闲的地方，是一个城市重要的建筑。例如，本文通过对现代艺术中心设计情况的陈述，运用圆方互融、天圆地方等中国传统文化理念及基本风格，着重分析了传统文化要素在现代文化艺术中心设计中的运用。现代文化艺术中心的设计，从理念、风格与手法上都应该追求现代设计模式的运用，即以现代的技术手段、机器艺术或功能主义艺术为设计的主要架构，形成较为完善的设计模块。当前我国很多地方现代艺术中心以“圆方互融”为核心的设计理念，即追求中国传统的天圆地方的建筑设计哲学与现代设计美感的结合，进一步提升建筑物的美学品质与现代化气息。众所周知，所谓的“天圆地方”，是中国传统的建筑设计的哲学基础，也是设计风格的一个总结。将天地宽广与建筑物的棱角分明、圆润饱满、中轴线设计等概念有机统一，最终形成极具中国传统特色的设计模式。所以，当前我国很多现代艺术中心的设计就是要尽可能地吸收传统中国建筑设计中的净化思想，并融合现代艺术和空间设计的理念，形成圆方互融的现代艺术中心的设计概念和模式。例如，现代文化艺术中心的景观系统就是展现传统文化要素与设计理念的重要载体，也是文化艺术中心“天圆地方”基本设计原则的附着物。例如，文化艺术中心景观系统的整体分布和概念，以红色中轴线为界，景观大体上被区分为左右对称的两块，彰显出设计严格遵循传统建筑设计的原则，即以天圆地方的设计概念为引导，辅以现代设计的手法和风格。此外，景观的整体设计外观多以圆润饱满的风格为主，无论是花草树木的规划还是滨水河池的布局都要突出圆形的特色，从远处俯瞰一派古典建筑设计的气息。此外，景观节点要已圆形的设计图案为准，中轴穿插其中，外部辅以装饰，可谓是和谐统一的极致。另外，整个景观的设计和规划圆中有方、方中有圆，即景观外部的“切割”与“划分”可谓棱角分明，体现出模块化设计的现代设计风格，同时由于圆状的主体景观完美融合，形成十分自然、舒适的滨水现代艺术中心的设计效果。因此，当前我国诸多现代艺术中心的设计将传统“天圆地方”的建筑设计哲思与现代艺术空间设计手法相结合，达到了圆方互融、和谐公存的良好效果，整个现代艺术中心的景观与美学气质可谓“蔚然成风”，极具感染力和吸引力，同时为更好的弘扬和传播传统文化做出了贡献。

2现代文化艺术中心设计展现传统文化与人性化、艺术化的结合

我国传统文化要素能够在现代文化艺术中心设计中得到很好的运用，一方面是因为传统文化具备强大的生命力，能够为文化艺术中心设计提供很好的帮助；另一方面，传统文化对艺术、自然和人性的尊重，是传统文化要素存活的关键。所以，必须要把传统文化要素与人性化设计、艺术化设计完美结合，这样才能得到更好的设计效果。具体的，在遵循现代设计理念与手法的基础上，现代艺术中心的设计要将古代中国传统的建筑设计哲学充分运用其中，形成了较为创新的艺术中心设计模块，也进一步提升了艺术中心之于城市发展的促进作用。但是，在传统设计风格的主导下，现代艺术中心的设计并未失去其最重要的诉求和功能，即满足城市文化艺术发展的需要，为城市居民提供高容量、大空间、便捷快速的学习、休闲与体验的场所。也就是说，新时期现代艺术中心的设计必须满足“人性化”“、实用性”这两个原则，满足人们的需求，同时提升建筑设计的实用性与务实性。要知道，新时期的现代艺术中心的设计必须严格遵循人性化的基本原则，必须体现建筑物设计的实用性与务实性，即实用而不浮夸、人性而不浪费，这样才是对传统文化的尊重和践行。例如，现代艺术中心的绿化设计与建筑物区域的分割，无论是绿树成荫中的宽阔道路还是垂柳下面的休憩地域，都要考虑该艺术中心在设计中关于行人、游客与参观者的需求，尽可能的为人民、游客、行人提供舒适、便捷与健康的环境。此外，根据现代文化艺术中心建筑物局部设计的传统文化要素的渗透要求，实际的设计工作也要凸显实用性的诉求，将空间充分利用，体现出传统建筑设计的简约理念。再如，我国传统建筑设计要求设计必须体现功能的多元化。因此，建筑物占地面积要基本上集中在中心区域，范围极为有限，这为其他服务型功能的拓展与基础设施建设提供了可能。广场区域的设计力求符合行人、游客的需求，与外部空间贴合度较高，绿化的设计围绕整个中心的内部和外部展开，可以确保现代艺术中心的环境质量、空气状况与良好的美化效果。此外，停车场的设计也要十分实用而耐用，要连接文化艺术中心与外部空间，同时开阔的停车场区域规划能够满足海量人群的停车、取车的需要。总体来看，新时期现代艺术中心的功能布局和设计不仅要充分考虑到现代艺术中心的设计品质和规划质量，而且以人性化和实用性为指导原则，以传统文化要素为设计理念，力求发挥出现代艺术中心的最大功能，实现传统建筑设计与现代建筑设计的结合。此外，新时期现代艺术中心设计还要具备一个很大的特色，即设计空间内大量水、湖泊和植物的应用，这也是传统文化要素的重要组成部分。从设计学的角度分析，水、湖与植物的大量运用，是设计造景的最佳选择，一方面可以提升设计的品质；另一方面彰显出现代艺术中心的独特吸引力。可以想见，在湖光山色之间，品味鸟语花香与潺潺流水，一定可以将人们带进人山人海的美化境地，从而进一步凸显现代艺术中心的特殊文化气质与艺术内涵。

3总结

现代艺术论文范文第4篇

(一)消解艺术和非艺术的界线

传统艺术首先体现的是一种精神向度，体现了一个民族对自身文化、历史、宇宙的认知、沉思和想象，对人的存在状态热切的表现，特定时代、民族的艺术总是与特定时代的民族风俗、风情相关，与时展的技巧相关，当然也与艺术家个人对生活的体验、个人的精神气质有关。但无论艺术的品种如何丰富，表达手法如何多样，艺术家如何创新，艺术基本的特征是美，没有美就没有艺术。无论是引起受众情绪的激动还是理性的沉思，艺术总是要诉说。但后现代艺术解构的正是传统对美的原则的追求。弗雷德里克•杰姆逊在其《晚期资本主义的文化逻辑》一书中对比了梵高《农民的鞋》和华荷画的《钻石灰尘鞋》。“《农民的鞋》是一幅画得美仑美奂、多姿多彩的作品。”“在梵高的画作里，倘若辛酸的农民生活可算是作品的原始素材，则那一贫如洗的乡土人间，也就自然成为作品的原始内容了。这是再显然不过的历史境况了。农民在这里熬过了人类最基本的生存经验、体现了劳动生活的种种辛酸;在这里，汗流浃背的劳动者，因被生产力日以继夜地不断磨炼、不断鞭策，而得终生陷入一种极端野蛮残酷、险恶可怖、最荒凉、最原始、最远离文明的边缘地域和历史境况。”“华荷所作的《钻石灰尘鞋》已不再用梵高处理农民鞋子的方式向我们直诉他心底的话。我们甚至可以说，华荷画的鞋子已经不再跟观画者诉说些什么了。”“摆在我们面前的，实在只有一堆随意凑合起来的死物。它们排列起来，好比一串被人遗弃的萝卜，漫不经心地挂在画布上，仿佛跟那个未来孕育它们的人间世完全切断了关系。”［3］弗雷德里克•杰姆逊的经典分析说明，后现代艺术消解了艺术与非艺术的区别。后现代作品取消了传统艺术严肃的哲思而代之以游戏的态度。在后现代主义笔下，艺术不是创作而是制作，他们追求表现形式的庸常、生活化，艺术不是艺术家心灵的创造而是任何人都可以为之的任意碎片的拼贴。

(二)概念阐释大于作品本身的内涵

艺术与非艺术的界线取消了，但艺术毕竟还有个名字叫“艺术”，作品本身无法超越，于是就在作品之外寻求深度。这就需要阐释，需要概念，需要在话语层面寻找与“艺术”这个孤傲的命名相称的东西。“你不懂”，“艺术家”们绝不肯承认自己的平庸，他们热情地用话语阐释作品的内涵，称他们的作品表现了他们对人生、对宇宙严肃的思考。2008年第六届深圳国际水墨双年展上，“日本现代水墨”单元充分发挥了话语阐释的威力。日本画家福岛敬恭名为的画，据说制作很费心思，难度很高。其中一个部分是黑色的长方形背景下，不规则地分布了九个方向不同的白色的点，该单元的策展者、日本京都国立现代美术馆馆长、画家岩城见一先生解释说，①到底黑色是背景呢，还是白色是背景?表面和背后混然不能分，就像我们的生活，我们看到的是表面，但不能区分到底表面与背后的内容哪一个更真实，生活的真实在哪里。画的另外一个部分是蓝色的长方形色块里，在灯光的照射下可见淡淡的不规则的曲线。岩城见一先生说，绘画本来就是一些线条，线条才是绘画的本质。人们不能把线条读成山还是水，如斯，则失去了绘画的意义。画只是线条，别无其他。还有一个部分是四个大小不一的铜钵，打磨得很光滑。岩城见一先生解释说，如果拿木棒沿着钵的边沿移动，会发出“嗡……”的声音，那就是天籁，是大自然的声音，是庄子欣赏的声音。也许画家是对人生、宇宙进行过思考，但这种作品，比如那些淡淡的线条和白色的点，是不谙世事的孩子也可以做到，至于钵，交给技术工人就好了，他们的制作会比画家更精美。作品很随意，但阐释却很认真。岩城见一先生说他们的艺术要颠覆人们对美的传统观念。他们认为，他们的作品做到了，却用了过多的话语解释他们的作品。后现代主义的绘画，需要语言作为画外音，失去了语言的帮助，他们的艺术什么也不是。

(三)融合多种表现形式

传统的艺术表现形式遭遇到了强烈的反抗，后现代艺术充分利用了当代科技发展的便利，各种科技手段都应用到艺术创作的过程，被称为新媒体艺术。绘画加入了灯光、音响、动漫、网络、摄影等当代科技因素，如上述的钵，就利用了当代的工艺制作技术等。同在第六届深圳国际水墨双年展展出的日本SZ五人组创作的作品利用了现代光电技术。据说，该作品试图再现宇宙诞生地球形成的过程。一个坐在凳子上的女性背影面对大屏幕，观看了这个形成的过程。岩城见一先生说，这是宇宙中的山水画，是通过人造卫星摄影制作加工形成的。利用现代科技参与作品的完成是后现代主义绘画的一个常用技法。

二、探究：后现代艺术现象成因

莫拉夫斯基认为，后现代实践是高级文化的堕落，但却是一种有意的堕落，有意将自己下降到低级文化的水平。［4］取消艺术与非艺术的差别，取消作品本身的深度表现而代之以作品之外的话语阐释，充分利用现代科技，后现代主义艺术以一种叛逆的姿态宣告艺术的另一种面貌。后现代艺术是如何成为可能，并迅速成为全球化的现实呢?后现代艺术反映的是二战后人们的心理图像。二战后，欧洲对科技的信仰遭到毁灭性打击。第一次、第二次科技革命带来的物质财富的迅速增长以及随之而来的幸福感破灭了，科技带来了生产力的迅速增强，也带来了政治阴谋和毁灭人类的杀伤力，怀疑、颓丧、冷漠、焦虑、绝望情绪在蔓延，反映到艺术领域，便是对传统艺术所追求的诸如真实、美、崇高的不信任和艺术实践中的解构。后现代艺术认为，真实不可触摸，美是一个虚假的幻想，崇高从根本上就是一个骗人的幌子。没有什么是确定的、可信任的，一切都捉摸不定。后现代主义艺术是艺术家游戏状态下对人、世界、宇宙的严肃思考，并使用了游戏、夸张的笔法，试图表现二战后的欧洲情绪以及对这种情绪的理性思考。20世纪中期以后出现的哲学思潮深刻地影响了后现代艺术。解构主义、后现代主义、女性主义、新历史主义、后殖民主义从不同角度批判传统的文化思想观念，解构是这些思潮共同的主题词，正切合了后现代艺术的传统美学观念的解构。许多绘画作品表现出对这些人类共同关心的问题的关注。女画家萨维尔笔下的女性与传统女性的柔美不同，她们往往体格巨大，有着男性一样的强健的肌肉，但作品却表现出被动和无力，因为作品的构图显示人物的姿态是被设计的，是在强权之下的压制和变形。这些绘画作品具有女性主义色彩。后现代艺术也是艺术本身发展的要求。艺术要求变求新，必然不能墨守成规。艺术需要突围，那么从哪个方向、如何突围就成了艺术的首要课题。既然时代已经给了艺术解构的语境，赋予了艺术挑战传统的勇气，给予艺术新的表现手段，灌注艺术以先锋的姿态，也就必然会在艺术实践中表现出来。至于这种突围是否成功，是否具有艺术价值，似乎，后现代艺术还来不及思考这个问题。后现代艺术家自然热爱他们的艺术，也期求得到专业批评家和一般受众的认同。后现代艺术与美国的积极推动有关。上文所述“美国抽象表现主义绘画”由美国开始发端，向欧洲辐射并逐步全球化，取得了官方承认的合法地位，并在世界各国举办“双年艺术展”“三年艺术展”，美国文化观念随着后现代艺术得以在世界范围内流行，并发出强势的声音。这是在强大经济支持下的美国文化推广。河清非常直接地把后现代艺术的盛行称为美国“艺术的阴谋”。所谓文化艺术的全球化，实际上是美国艺术的全球化，它在经济霸权支撑下谋求文化话语权。

三、艺术的焦虑：解构之后，艺术剩下什么?

时代给予了后现代艺术生存的语境，后现代艺术作品正当盛行。那么，后现代艺术成就如何呢?勿庸讳言，大部分作品都很平庸、浅陋、庸俗，刻意追求震惊效应，如表现色情、用排泄物制作作品，或者仅仅罗列图像，不知所云，愚弄受众。这就需要对后现代艺术进行诘问:解构之后艺术还剩下什么?解构之后艺术要走向哪里?或者换一种问法:艺术全球化到底全球了谁的艺术，什么样的艺术?经济的强弱是否决定艺术成就的高低，是否就天然拥有了艺术话语能力?作品的意义是在作品本身，还是作品之外?概念是否可以替代艺术的表现力?艺术是否还需要传统，传统仅仅作为艺术的对立面、参照物存在，还是与现代艺术血肉相连?在传统与当下之间，我们站在哪里?一时间取舍也许有些艰难，后现代艺术家们也不太可能轻易放弃他们的坚持，有时候他们甚至不屑回答(或者假装不屑)上述问题。但问题终究存在。游戏也许会成为一种艺术的形式，夸张也会放大人世间的某个特征，解构一切也许是对传统的离散，可是，离散之后，艺术还剩下什么呢?换句话说，给艺术剩下了什么?艺术剩余的结果将直接取消艺术本身，取消了艺术与非艺术的差别，艺术将不会有价值。解构是必须的，艺术需要突围，需要面对新的语境，需要有新的表现方式，新的历史时代也需要艺术来表达。但是，解构不是最重要的行为，解构后的碎片和拼贴不会是真正的艺术，哗众取宠的噱头也不能糊弄真正艺术的眼睛，解构只是艺术实现的第一步，被零散化的艺术需要重新建构，新的审美标准需要确立。

四、重构:当代艺术的突围之路

现代艺术论文范文第5篇

现代艺术设计关于面的整合创新。传统艺术设计当中对面的处理达到了较高的艺术水平。但是这些成果并不能直接应用在现代艺术设计当中，而是应当经过必要的加工整合才能发挥出更加有效的作用。现代艺术设计中赋予面更加广阔的功能，面的宽度和广度两个特征被充分利用起来，而且面的厚度也被充分开发出来。在现代艺术设计当中发挥着更加重要的作用。在艺术当中，面具有一定的抽象性，而现代艺术设计就是针对这种抽闲属性进行切割、重叠，赋予其更加强大的表现功能，同时也给与这些面更为丰富的视觉效果。

2传统元素的几何特性在现代设计中的创新

几何图形是现代艺术设计中一个重要元素，同时对于几何图形独具匠心的艺术处理也是我国传统构图中的一个重要应用方式。几何语言是构成主义的因子，同时也承担着更为重要的表达效果和作用。几何语言虽然在表达审美思想方面存在诸多不完美之处，但是现代艺术设计的抽象性却能够在几何图形的构成中发挥重大作用。对于一些特定的主题利用几何化的语言形态表达出更加有效的主题和作用，使其成为更加有效的基础地位，这些都为语言的成功运用奠定了良好的基础。同时这些语言也为现代艺术设计增添了更为丰富的视觉效果。因此，在艺术设计的不同阶段，应当充分结合传统元素，以及这些传统符号背后最蕴含的意义和独特的特征。这些不同的方面应当具备更加积极的理想和现实意义。同时这些影响因素也成为影响他们关键技术的重要理论基础[2]。

3结语

现代艺术论文范文第6篇

从以上可以看出，现代陶瓷雕塑创作，不外乎解决传承与发展、传统与现代，抽象与具象的关系问题。而解决这个问题的关键，就是处理好陶瓷雕塑艺术设计问题。提起景德镇的艺术设计，大多会认为是陶瓷产品的设计包装，抑或是日用陶瓷产品的普通设计，而鲜有人把它与陶瓷雕塑挂钩。陶瓷雕塑艺术设计是陶瓷雕塑艺术创作的重要途径，雕塑是以造型艺术展现艺术美，同时兼容色彩学、材料学、建筑学、美术学诸多学科要求，陶瓷雕塑还兼具了陶瓷学与陶瓷文化学科等。它的材质从软到硬，由冷到热，从平面到立体，从形体到意像，它实现了陶瓷从泥到火的涅磐。陶瓷雕塑设计通过形体造型的构思、变化，通过雕塑题材的涉及与使用升华，将美术中绘画拓展延伸、将建筑中力学平衡，实现了人类造物的梦想。陶瓷雕塑艺术设计具有极大的构思空间，它可立据传统雕塑模式，借鉴石雕、牙雕、木雕等技法精华，同时摒弃其不足，陶瓷雕塑可以在其烧制时修改完善，同时它丰富的可塑性，为艺术家提供了极大的创作思维空间、制作施展空间，在艺术技巧上、个人品味上，也为雕塑家布设了重重障碍，提出了诸多的挑战。

当今景德镇陶瓷雕塑无外乎两种模式，一种是走中国传统的路子，另一种是走西方的雕塑路子。传统陶瓷雕塑在景德镇具有深厚的根基，在国内外有着深远的影响，景德镇许多优秀的瓷雕艺术家继承发扬景德镇优秀的传统雕塑文化，将传统瓷雕赋予新的艺术生命力做出了杰出的贡献；另一批艺术家则大量借鉴吸收国际上新的雕塑创作手法，有些甚至抛弃传统雕塑造型模式，以新的类似中国画表意手法，创作出一批抽象、前卫的瓷雕艺术作品，这些艺术家有中年的，但更多的是年轻艺术家，他们观念更新，思想更激进。后一批艺术家作品更强调新颖或直白说逆古、叛逆，这些雕塑作品强调装饰性与造型的抽象以追求其表意性。现在风起云涌的现代陶艺如陶艺墙，其实根本还是陶瓷雕塑浮雕、堆雕、雕刻等技法的表现，但这种司空见惯的雕塑手法被冠以时尚的词汇“现代陶艺”，景德镇现在已有许多著名的陶瓷雕塑家，在继续探讨瓷雕艺术创作的同时也在不断地研究陶瓷绘画，并且还有一些著名的陶瓷绘画家又是陶瓷著名雕塑家的现象。景德镇陶瓷雕塑艺术设计与审美新要求，又造就了一批将传统与现代结合的陶瓷雕塑家，景德镇由于以上雕塑家的与时俱进，使得瓷都景德镇雕塑艺术异彩纷呈。现代陶艺的呼唤，很多原来从事陶瓷产品设计的陶艺家也通过作品走向陶瓷雕塑，现在很多城市陶艺雕塑造型，其实有不少不擅雕塑的陶瓷设计人员参与进来。这充分说明陶瓷雕塑在走向大众的同时更是走向不少艺术家的内心。

二、景德镇现代陶瓷艺术的文化特色

景德镇的现代陶艺人，正在把瓷与五千年中国文化结合成现代陶瓷文化，如笔者瓷绘的四大名著之一《红楼梦》，作品以242幅全过程讲述《红楼梦》的故事情节，人物多达3800多人次。历经5年之久，采用明末清初宫廷重彩渲染，每件所绘物体，反复加色，6次烧制成品。为烘托出陶瓷特色和质感，运用了古彩、粉彩、新彩、墨彩描金等多种用彩技术相互结合，穿插使用。其程序是：1.破土、压坯、吹釉、高温烧瓷坯；2.定稿、构线、第二次烧制；3.粉彩打底、渲染底色、补线、三次烧制；4.全面渲染、粉彩点苔、四次烧制；5.整理补色，第五次烧制；6.墨彩描金、补色、六次烧制；7.玛瑙笔刮金。其程序禁然，工艺复杂，烧制中风险性不言而喻，其中表现内容涉及服饰学、建筑学、园林学、民俗学、礼仪学等多种美学问题。构图继承传统，采用散点透视，打破时间定律，将不同时间、不同场合的故事情节，巧妙地组合在同一幅画面上。创作者精确地把数以千计，不同身份、性别、年龄、形体、性格、容貌的人物在瓷板上刻画得惟妙惟肖，把不同场合人物的各异表情、姿态体现得生动、细微、贴切；将宁荣二府中的亭阁楼榭、山水拱桥、古树名刹、奇花异草绘制得生动而逼真，葱郁而鲜活，完整地再现了《红楼梦》的主要故事情节，使我国博大精深的文化内涵为世界叹服，丰富地展现了中国封建社会的历史人文长卷，使《红楼梦》这一不朽的中国古典名著得以在瓷板画这一全新的艺术形式传世，为景德镇现代陶瓷艺术的发展另开渠道。

四、景德镇现代陶瓷艺术百花齐放

景德镇现代陶瓷艺术如雨后春笋，百花齐放、种类繁多。如釉上装饰有古彩、粉彩、墨彩、新彩、广彩、电光彩、刷花、贴花、喷花、戳印花、描金、腐蚀金等。此外，还有圆雕、堆雕、捏雕、镂雕等技法；各种颜色釉更是五颜六色，仅一个瓷厂就能生产100多种色彩缤纷的釉彩，其中青花釉里红更是托出景德镇艺术陶瓷的特色。又如鲜红、桃红、翠绿、玛瑙红等高温釉和金星绿等低温釉都已超过历史水平。目前，景德镇已建成一个拥有陶瓷原料、机构、生产、教育、科研、机构等比较完整的陶瓷工业基地，发展前景可想而知，也得到了政府的大力支持。如著名书画家张玉东先生还被邀请到景德镇在陶瓷上作画。张先生深厚的书法、国画功底，及其在青花上表现得如鱼得水的精湛技艺，使南北文化在陶瓷上得到了完美的融会贯通。

五、结论

景德镇陶瓷雕塑是景德镇陶瓷艺术的重要组成部分，在目前市场经济的冲击及国际金融影响下，陶瓷雕塑艺术收藏受到了一定的影响，但大多数雕塑艺术家仍然继续思考、创作，他们在艺术造型、表现内涵等表现社会意义上，均有一定进步。景德镇陶瓷艺术的教学也不断吸收国际新观点新思想，广开讲学交流。总而言之，景德镇陶瓷雕塑界要树立信心，坚持传统瓷雕与现代结合，立足本土优秀的传统文化，继承优秀的瓷雕传统，不断钻研瓷雕技法，景德镇陶瓷雕塑的春天又将灿烂展现在我们眼前。

【参考文献】

［1］严维明.景德镇粉彩瓷艺的历史与现状,景德镇陶瓷.2008（4）.

［摘要］景德镇陶瓷自古以“薄如纸，声如磬，明如镜，白如玉”的四大特点享誉世界，备受收藏家的青睐。文章论述景德镇现代陶瓷艺术的艺术特色，以及景德镇现代瓷艺的收藏与发展。

现代艺术论文范文第7篇

服装造型是指服装在形状上的结构关系和廓形上的存在形式，由外部造型空间构成。其中包括局部与整体，局部中有衣身、领部、袖部、裤腿部等造型空间。整体造型是服装最基本的廓型，也是服装本身的外在形态，服装的外部廓形主要有A、H、T、V、X等造型，还有一些特殊的造型形态。“A”型上紧下宽，上部贴体，下部为夸张的变化造型；“H”型具有上下直型的视觉效果；“T”型上宽下窄，表现出刚毅的性格；“V”与“T”较接近，表现为更突出的上宽下窄造型；“X”型为收腰设计，常体现人体自然状态的造型。不同的造型空间具有不同风格特征，服装外形设计不仅表达了服装的风格，同时还能表达出各种艺术特点，体现出流行、时尚与审美的变迁。我国著名服装设计大师张肇达，他的设计以追求典雅、含蓄、简约、雍容华贵、精雕细琢的美为前提，在造型上追求较西式的艺术思维，以西方宫廷晚装变形解构的廊形，结合中式传统元素，在采用经典西式晚装“X”造型艺术的基础上，运用皱褶、镶珠、钉珠等传统与时尚工艺，以时尚的夸张理念，将“X”型以巧妙的局部叠加、装饰、省略等设计手法，使服装更具时尚的造型艺术特点，作品既蕴含着西方传统紧身衣和裙撑的造型特征；同时又具有时尚与艺术的造型特征，打造出经典的服装造型艺术，也成为“X”型时尚造型设计的佼佼者。现代服装更是通过各种不同廓型的时尚变化，演绎着现代服装的造型设计，使服装造型形态更具有时尚与艺术的特点。服装造型设计既是形态的，又是艺术的。服装造型的创新就是打破传统呆板的造型模式，将艺术之美融入造型形态中，利用各种艺术意蕴通过分割、组合、叠加、秩序等形式设计出形态各异的服装造型；同时对服装的整体视觉效果起到变化与统一、对比与调和、节奏与韵律等多种艺术形式美感的强调，并结合服装的款式、风格和审美特征而营造的。在服装造型范畴里，人体着装后，服装的整体效果、材质、裁剪技术及装饰工艺的关系，构成了服装造型艺术的视觉美要素。它蕴含着时代与艺术相结合的美学特征。这种美的构成是由每个时期文化与经济的发展以及人们主观审美所决定的。当服装造型的主观感觉要素、客观物质材料要素和主客观应用技术要素相结合时，便形成一个时期的服装造型艺术理念，从而呈现出千姿百态、变化无穷的服装样式，并淋漓尽致地表现出服装造型艺术的创意空间。

日本著名解构主义设计大师三宅一生以“形”传“神”的无结构造型艺术设计理念，创造出民族审美文化与时尚完美融合的典范，他对东方服装内部和外部空间结构的把握，利用西方三维的裁剪省道变化，消除面料自然悬垂产生的内部空间，使服装尽量紧贴人体结构，同时运用胸衣、臀垫、裙撑等夸张手法使人着装后的外形达到凹凸有致的艺术造型效果。另外，在褶皱造型艺术上，三宅一生以其独特的造型设计手法，将平面的面料材质通过现代工艺手段，在充分考虑人体造型和运动的基础上，对压褶工艺处理中就直接依照人体曲线或造型艺术的需要来调整裁片与褶痕，并在整理阶段以高超的处理手段完成褶皱的艺术造型，使褶皱形成一种特别的艺术造型效果，使服装作品呈现出一种超越平凡的美，从而构成了三宅一生独特的服装造型艺术。服装造型艺术是典型的视觉艺术，主要通过视觉和感知获取造型的美感。服装造型艺术依据人体为基础，以美为理念，以创新为导向，以人体表现为对象，通过对款式与色彩、造型与风格、面料与工艺、形式与美感等元素的有效把握与融合，才能营造出既时尚又具有艺术意蕴的服装造型。

二、服装造型艺术的创造形式

在现代服装造型艺术的创新营造中，设计师要提倡锐意创新，出奇制胜，这是服装造型最基本的设计理念。然而，只有外表没有内涵，服装造型就失去了生命力。因此，服装造型的艺术意蕴就变得尤为重要。一种时尚服装造型的诞生与流行必定蕴藏着一个时期的文化与艺术形式，以及设计师在融合时代审美的基础上而形成的设计理念。他利用一种艺术思维，结合传统造型形态，通过材质与现代工艺手段，在人体基础上创造出一种时尚与经典的造型艺术设计，从而营造出优美的形式美感。服装造型艺术的形式美感，是著名设计师们提出的一个重要概念。

现代服装设计在构成形式上，非常重视服装构成的艺术效果，主要包括造型美、材质美、结构美和工艺美等形式。其中造型美便是现代服装设计的一个重要前提，并且由材质、结构和工艺等形式构成。设计师往往将一些时尚的造型概念融入艺术的形式美，创新出一种既有造型特点又具有艺术形式特点的服装，不只是渲染个人的设计才华，更重要的是带动着现代服装的流行，创造出时尚的、艺术的生活理念。日本服装设计大师川久保玲的设计更是独具一格，设计融合东西方的概念，她将日本典雅沉静的传统、立体几何模式、不对称重叠式创新剪裁，加上利落的线条与艳丽的色调与创意结合，呈现一种非常态的艺术形式。在2012秋冬折纸系列设计中，通过折纸艺术对服装造型设计的启发，服装造型借助人体以外的空间，利用面料的形式特点和立体工艺的装饰手段，营造出人体和面料共同构成的非常态的服装造型；并运用折纸艺术形式中的反复褶皱与材质组合拼贴，形成立体的造型艺术效果，既有具象的表达也有抽象的概括，作品往往形成多层面的艺术视觉美感，打破了传统固定的结构形式，以二维平面到三维立体结构形式的创作手法，运用全新的结构理念塑造创新的造型艺术，从而有效拓展了服装造型艺术的创新空间。服装造型艺术形式是多渠道、多方位的。从外部形态的基本形式上看，造型艺术既有整体的，又有局部的。整体是指服装的外观形态；局部是指领、袖、裤脚、衣身等单独形态的构成。服装造型依靠材质、结构和工艺等组成，不同的面料材质具有不同的形态表现；不同结构形式呈现出不一样的造型风格；各种工艺同样可以营造出时尚的造型。但是，只有艺术形式的融入，才能形成具有生命力的作品。约翰•加利亚若的设计更是把巴洛克、洛可可时期的艺术意蕴，通过服装结构轮廓的影子，应用异国情调的布纹和摇摇欲坠、夸张高耸的头饰设计，将服装塑造出既华丽又特别时尚的造型，表达出一种巴洛克、洛可可时期的艺术形式美，使华丽的设计通过艺术形态的表现成为现代服装造型的经典。服装大师范思哲则应用高贵华丽的面料，借助斜裁艺术的形式，在生硬的几何线条与柔和的身体曲线的巧妙过渡，以结构线条的形式美感为标志，性感地表达女性的身体柔美，并强调性感的领口常开到腰部以下，采取了古典贵族艺术风格的豪华造型，在充分考虑穿着舒适及恰当显示体型的同时，做到奢华的造型和优美的形态相融合，表现出极致、时尚的“A”型设计。对于造型艺术每个设计师都有着不同的理解和不同的表现手法。设计思想与设计理念奠定服装设计的形式美感，也体现出不同审美观和时代的追求。服装设计大师们考虑更多的是如何运用当代文化、艺术审美与个人追求的融合，表现出超前的服装造型艺术，从而带动时尚的流行。

现代服装的造型更是体现着时代气息，除了在大师设计作品的演绎之外，在成衣与时装设计中，新颖、时尚的造型也层出不穷。如“H”造型的服装打破传统宽松阔宽体的设计理念，较贴体的胸围、适度的臀腰设计，直型袖子、裤子以及简洁而短装的设计造型，体现着性感与时尚的形态，表现出时代的艺术审美情趣。“A”型设计更是以其丰富多彩、变化无穷的形式，营造出时尚的造型设计。层叠式的造型结合长短搭配，无论在连衣裙、半腰裙、袖子还是在领部等造型中都具有塔式艺术造型的美感，在人体与服装造型中，既可以松体造型又可以紧身塑体，运用底布叠加的工艺设计手法，或应用褶皱的艺术处理方法，使“A”型设计呈现出时尚缤纷的造型艺术效果。不同的形式都可运用现代设计理念表达出时尚的艺术造型空间。现代西服更是应用这一设计思想，运用特殊的结构艺术形式，将袖子塑造出时尚的抬肩袖、皱褶袖等，在传统袖型中融入省缝结构、皱褶结构等形式，使传统袖子蕴含着时尚造型的韵味，产生时尚的造型艺术效果，彰显出灵动的造型艺术之美。哈伦裤也是运用这一原理，在传统裤装造型中，加入宽松裤裆的造型设计，较深的裤裆和宽松横裆结构形式，使裤子形成一种自然悬垂的褶皱，无论是静止还是走动，一种律动的褶皱艺术美感油然而生，从而使呆板的裤子呈现出时尚缤纷的造型艺术效果。

三、结语

现代艺术论文范文第8篇

传统绘画艺术的人文精神和审美追求是现代艺术设计灵感来源和设计思维的基石，现代艺术设计是对传统绘画艺术的人文价值的继承和再创新。在现代艺术的诞生和演变过程中，始终与传统绘本体化画一脉相承。在传统绘画人文精神的熏陶下，设计师将艺术审美与生活服务融合起来，实现设计形式的不断推陈出新。19世纪以来，一大批具有印象派色彩、立体主义的形态建构等现代艺术的艺术理念的西方传统艺术的现代艺术大师实现了设计理念在包豪斯设计学校的传播，使得设计形态逐步摆脱了简单模仿自然的样式，更加趋向主观的再创造。

1.1西方绘画艺术的引领

一方面，现代艺术的变革起源于印象主义，先后经历了印象、新印象和后印象主义的初期探索阶段，使人类对于物象的感知和表现方式产生了新的理解，从而使艺术设计进入了崭新的时代。印象主义对现代设计的色彩语言产生了深刻的影响，使得现代设计的色彩语更加炫彩夺目，也是人们对于设计的审美追求有了新的理解增强了艺术设计的视觉信息传播力，使得设计内容过多地开始强调自然生态中人类自身；另一方面，作为现代艺术的视觉传达形式的两种类型之一的再造自然型，具有强烈的主观抽象的表现特点，体现了现代艺术设计的以人为本，面向人类自身服务的艺术设计理念。

1.2中国传统艺术的滋养

现代艺术设计的肌理技术体现了现代社会的技术性，中国传统艺术技法语言的水墨材料体现了浓浓的东方传统文化的人性化精神情节。中国传统艺术追求完美的艺术意境，要求画品与人品相结合，工中带写，许多设计作品在素材选取、构成、色彩以及文字等构成元素上，都洋溢着浓郁的中国传统艺术的审美取向。

2现代艺术设计本体化构建

2.1绿色设计

在当下生态环保理念的影响下，现代艺术设计的审美理念越来越从保护自然生态环境的角度出发，追求自然美和艺术美的和谐统一。绿色设计理念也越来越成为评价现代艺术设计优劣的重要标准。在绿色设计理念的指引下，设计师应从尊重自然生态基本法则的角度出发遵循环生态环保的设计理念进行艺术设计；此外，设计师要树立绿色环保意识，积极通过绿色健康的设计作品来引导人们的绿色审美理念，始终倡导人与自然的和谐相处。总之，艺术设计出了要关注设计产品本身，也要更多地挂住我们的自然生态环境，借助绿色设计理念和手段，实现人与自然的和谐统一，也为现代艺术设计开辟新的天地。

2.2低碳设计

低碳设计旨在降低空气中碳的排放，实现自然环境的可持续发展，最大限度地激发现代艺术设计的人本化灵感。低碳设计、低碳生活已经成为当下社会生存意识的主流，从而引发设计低碳的创意趋势。设计旨在从人类的可持续发展为基点，维护环境的可持续发展的基本规律，降低对空气中碳的排放量，保护自然环境，并且最大限度地发掘各种艺术设计的人本性设计灵感，使人们对生活质量和精神享受拥有最大程度的满足感。

2.3非物质设计

在工业化大生产的时代，技术设计的理念在于更多地满足人们的物质需求，而现代艺术设计在设计理念、设计方式和设计导向等方面更多地趋向人性化，向非物质的设计理念发展，更多的是满足人们的精神需求。在更为深刻的艺术设计理念中，面向人类的需求和发展，凸显艺术设计的终极追求，依托本体化设计导向，通过设计所产生的精神效应来抚慰人们在高速度、快节奏的生活压力下所产生的焦虑和不安，使人类超越物质的束缚，进而追求精神健康的体验。因此，现代设计艺术的非物质化是设计发展的一个重要趋势。

3现代艺术设计本体化化溯源

3.1大众化

现阶段的互联网信息和知识经济时代，在很大程度上是由图像视觉信息所传达的人类认知和审美世界。也正是由于当下图像信息设计人类社会生活的各个方面，使得现代艺术设计具有强烈的大众性理念，这直接表现在现代艺术设计的文化基础、思维导向和设计灵感来自大众文化，同时也致力于使现代艺术设计到达简洁、深刻、直接和精致的艺术追求和审美取向。因此，大众性正是现代艺术的时代特征，同时也称为评价现代艺术设计水平的重要参考标准。现代艺术设计借助各种各样的设计形式传递信息知识、表现艺术审美。除了满足人们的物质享受，更多的是启迪人们的审美意识，洗涤人类的审美心灵，提升人们的审美艺术享受。

3.2网络化

随着互联网时代的到来，不论是信息的传递容量还是信息的传递速度都在飞速地增长，使得原先的语言和文字媒介已经无法满足信息传递的需要，信息容量大、内容丰富、传播快捷的视觉媒介应运而生。由于图像传播媒介不具有文字等的认知隔离和交流障碍，突破了不同地域和文化传统的束缚，超越了时空的局限性，已经越来越成为符合人们交流习惯的交流媒介，也被大众和现代艺术设计界所广泛接受，迅速形成网状传播的设计优势。现代艺术设计通过设计图像将设计理念和图像信息以更加便捷并且覆盖全球的传播途径传递给更加广泛的受众，信息时代的图像艺术设计已经成为艺术理念和图像信息的全球性传播途径以强烈的网络覆盖力深受大众喜爱。借助这种网状非线性的方式，现代艺术设计更加便捷地服务于大众生活。因此，网络性也是现代艺术设计人性化的一个重要体现。

3.3多感化

艺术设计审美的受众是具有多感官的审美本体，多感官途径的艺术理念传达更具有高效的艺术审美效果。因此，现代艺术设计通过多感化的设计理念，彻底打破传达媒介的低劣化应用，通过多样的感官参与体验设计信息的传达，到达了直接、真实、直观的传达效果，一起传播范围更广泛、传播效率风高效的特点被大众和设计师所认同，实现了一种全新的设计传达手段。借助多感官的艺术体验和外感价值的完美统一，使得设计作品的信息传播效率和接受范围获得了质的飞跃，最大化了艺术理念的传播效果。因此，多感官的现代艺术设计理念也是时代大众审美和艺术设计理念的时代诉求和历史潮流。

4结语

现代艺术论文范文第9篇

中国传统工艺美术广泛上指的是中国手工业发展中将艺术融入到手工业发展中，形成的具有时代性的传统非物质文化，即所谓的将审美和实用结合在一起。传统工艺美术最大的特点是手工艺性较强并且具有较高的审美价值，中国传统工艺美术的品种繁多，受到中国各个行业各个领域的广泛喜爱。在中国古代传统工艺美术的发展可谓是达到了巅峰，其中典型的代表中国古代的四大发明中就融合了很多的传统工艺美术的内容，从中国传统工艺美术的发展中能够看出中国历史的发展，及其时代特点。同时，中国传统工艺美术产品作为一种商品，在中国经济的发展中起到了推动的作用，为我国人民带了很大的经济财富，中国传统工艺美术在整个的发展过程中坚持的是体现工艺自然的美，真实的美，质朴的美。但是，随着大机器时代的到来，中国传统工艺美术的发展受到了严重的冲击，工艺发展速度明显不如工业发展程度，同时伴随着世界经济全球化进程的不断加快，中国传统工艺美术传承发展面临的压力也越来越大，再加上人们片面地追求工艺美术中的经济效益部分，中国传统工艺美术的发展的生命力和创新整体表现不佳。对此应该引起高度的重视，采取合理化的措施传承和发展中国传统工艺美术，提高中国传统工艺美术的生命力，创新传统工艺美术，不断地为中国工艺美术融入新鲜的血液，实现中国传统工艺美术的传承和健康发展。

2提高中国传统工艺美术生命力和现代创新

2.1正确认识传统工艺美术的积极作用

中国传统工艺美术是中国民间手工工艺和美术结合长期发展的产物，蕴含了丰富的民间艺术和智慧，不论是经济价值还是技术价值和文化价值都很高，对此应该正确认识传统工艺美术的重要价值，重视传统工艺美术的传承和发展。传统工艺美术的相关管理部门应制定相关的保护措施，针对传统工艺美术发展过程中存在的问题和面临的挑战制定科学的应对措施，同时对市场进行调研，根据市场发展的需要，创新传统工艺美术发展规划。政府应该给予传统工艺美术的发展提供资金支持，鼓励中国传统工艺美术行业的发展，营造良好的市场环境，为中国传统工艺美术的发展奠定良好的环境基础。

2.2搞好传统工艺美术和现代工业之间的联系

近年来，随着我国现代工业的不断发展，在很大程度上影响传统工艺美术的发展，传统工艺美术的发展逐渐地朝着现代工业的方向发展，在当前的环境下，传统工艺美术要想得到传承和发展就必须同现代工业相结合，搞好传统工艺美术和现代工业之间的关系，利用现代工业发展的优势弥补传统工艺美术发展较慢的不足。这样不但能够实现中国传统工艺美术的发展，现代工业的发展中也融入了传统工艺美术中的优势，能够提高现代工业的发展水平，实现传统工艺美术和现代工业的共同发展，促进我国经济的不断增长。

2.3创建传统工艺美术社会服务平台

随着信息产业的不断发展，传统工艺美术的发展应该同信息技术相结合，通过创建信息平台，完善传统工艺美术的发展体系和服务体系，制造中国工艺美术发展点。如创建一批具有传统工艺特色的批发市场，同时国家的教育教学部门应该开设相关传统工艺美术课程，提高下一代对传统工艺美术的认识，培养下一代传统工艺美术观念，从而充分地引导和推动中国传统工艺美术的发展。

2.4加大对人才的培养力度，壮大传统工艺美术队伍

在传统工艺美术的发展和继承中，始终要坚持人才第一的基本原则，正确认识人才培养的重要作用。目前我国传统工艺美术队伍尚不健全，对此应该加大对工艺美术人才队伍的培养和建设力度，做到结构合理。同时教育部门加大对传统工艺美术老师的培养力度，通过有效的政策刺激推动教师队伍的发展，增加该专业方向老师的工资待遇。同时相关的部门应该对传统工艺美术方面的创业进行扶持，进行资金支持，并给予一定的鼓励，刺激传统工艺美术的健康稳定发展。

3结语

现代艺术论文范文第10篇

1现代传媒的内涵现代传媒是随着现代科学技术不断演进而产生的一种新型传播方式，在信息从传播者向接受者传递的过程中，基于互联网和现代化技术手段对文字、音频、图片以及视频进行传播，兼具报纸、广播、电视、图书、期刊等多种媒介在内的传媒优势的总称。随着电子科学技术的普及，现代网络数字化技术被广泛应用，传媒业呈现出数字化的发展态势：即兼具传播技术和现代化数字技术，形成全新的数字化传播技术，推动了传统媒体业的快速转变与发展，这种现代化传媒属于数字化媒体形态。

2现代传媒的特点存在模式更具开放性。现代传媒以信息技术为基础，其存在模式并非封闭，而是开放的，较之传统媒体具有传播范围更广、传播速度更快的特性。利用新技术进行传播是现代传媒的主要方式，不仅能使受众突破时空限制，更能极大提高获取信息的自由度。此外，现代传媒传播模式呈网状结构，极大地减少信息传播的限制，增加了受众获取信息的宽度与深度，而且受众成为信息的传播者。由此可见，现代传媒突破时空限制与传播的主体限制，更具开放性。传播载体更具兼容性。现代传媒的传播载体兼容了数据、文本、图形、动画、音频以及视频等多媒体呈现模式。在全球化大背景下，现代传媒的包容性要求也随之提高，新媒体不断向外拓展生存发展的空间，开拓传输范围，打破地区之间、国家之间的隔阂与壁垒；此外，媒介技术与媒介话语具有包容性和拟真性的特点，使得媒介信息对受众认知行为产生影响，塑造着受众的世界观，多样化媒体的相互融合愈加明显。传播速度更具时效性。较之传统媒体的传播速度，现代传媒更多的是借助于网络体系、数字技术，具有更快的制作与传播速度，让受众获取的信息更具时效性。而基于网络传播的多媒体格式，能够将图像、文字、音频以及视频等一系列的信息融汇起来反复传播，使信息更为具体、形象、生动，受众在短时间内能够获取更多、更有效的信息。影响力范畴更具广泛性。随着科学技术的发展与进步，现代传媒凭借技术上的优势和稳定的存储系统，突破时空地域、文化水平以及经济条件的限制，其影响范围不断延伸。无论是城市还是乡村、国内抑或国外，都已成为现代传媒影响的范畴；受众范畴也囊括不同年龄、不同职业、不同文化程度的群体；与此同时，受众的教育、生活、工作无不广泛地受到现代传媒的影响。

二、现代传媒与音乐艺术的关系

在现代传媒尚未产生之时，音乐是借助于口传心授和手抄记谱来完成传承的，但是这种传承方式有其局限性，在传播过程中易造成音乐的失去本真乃至被遗失。随着网络数字化的普及，现代传媒技术被广泛应用，音乐艺术的发展与现代传媒息息相关。音乐的传播需要借助现代传媒，而传媒也因音乐的参与而内容愈加丰富，现代传媒与音乐艺术之间彼此依存、相互促进。一方面，随着现代传播技术的日益发展，基于互联网的数字广播技术被广泛应用于传媒，实现了跨地域无限传播的可能性，作为广播传播的主要内容的音乐，能够让不同地域的受众同时接收。另一方面，数字电视技术在我国的大范围应用和普及为数字信号走进千家万户提供了可能性，脱离了距离因素的限制后，电视事业获得了长足的进步，音乐电视也迎来了更广阔的发展前景。对音乐艺术而言，电视媒体在引导其潮流发展,推进其艺术创新方面功不可没；对媒介载体而言，音乐已成为十分重要的内容构成。基于现代传媒，音乐艺术呈现出许多新的特性。现代网络数字化技术的广泛应用，对音乐艺术的发展产生深远影响，为音乐艺术注入新鲜血液、赋予了新的生命，使音乐艺术表现出许多新的特性。第一个特性是传播的全球化。现代传媒是在全球范畴内进行传播，网络传播不受任何限制，所以现代传媒视域下的音乐同样具备全球化这一特性。世界各地的人们都可以通过网络的传播，获取相应的音乐产品。第二个特性是创作个性化。现代传媒数字化的优势为音乐艺术家提供了一个展示才华的平台，音乐创作艺术家们通过数字化手段，创作出极富个性的音乐艺术品。第三个特性是涵义的表层化。随着多媒体技术的广泛应用，视觉媒体逐步介入到传媒制作之中，音乐通过视觉这种屏幕化的辅助手段被呈现出来，其深层次的涵义被简单直白地传递，造成音乐接受者无暇或是没有机会对音乐艺术的意蕴进行深层次的挖掘，这就造成音乐艺术涵义的表层化特性。

三、现代传媒背景下的音乐艺术发展

现代传媒对音乐艺术影响深远，为音乐的发展提供了一个更为广阔的空间，主要影响了音乐的创作理念、制作模式、审美观念以及教育方式。现代传媒发展了音乐的创作理念，使音乐创作更具个性化和自由化特点。现代传媒为人们构建出一个多元化的虚拟世界和丰富的资源信息库，不仅为音乐创作者提供数字化传媒的平台，同时促使音乐家的创作理念不断革新，主要表现在两个方面：其一，现代传媒对音乐艺术创作者的创作视野产生影响，使其具有更为广博和前瞻性的创作艺术视野，通过对当下各种风格类型音乐作品的品鉴，即时收到听众对音乐作品的反馈意见。其二，现代传媒对音乐艺术创作者的思想观念产生影响，使他们的思想逐步向大众化、娱乐化贴近。大众传媒缩短了听众和音乐家的距离，听众可以随时随地享受音乐带来的娱乐性，音乐创作者的创作思想也向自由化、个性化发展，产生了一大批独具特色的原创音乐作品。现代传媒转变了音乐的制作模式，让音乐在创作过程中加入了数字化和自动化创作手段。现代传媒出现之前，音乐作品诞生的次序是：曲作家谱曲、词作家填词，再通过现场录制，由演奏者和演唱者将乐曲表演出来，这种传统的音乐创作对参与人员、现场录音设备要求极为严格。随着现代传媒技术的发展，现代化的电子合成器等软硬件应运而生，音乐制作模式也逐渐开始转变，开启了数字创作的新时期。音乐创作者通过使用不同的音乐软件，可以制作出囊括各种流行、民族等不同乐器音色的音乐作品。现代传媒改变了音乐的审美观念，让音乐在欣赏过程中更为轻松和愉悦。现代传媒技术的不断发展对人们的音乐审美观念产生了影响。其一，现代传媒在音乐的传播中加入了画面、影像等更为丰富的素材，使听众在直观欣赏音乐以及表演者舞蹈画面的同时，对音乐艺术有了更为具体感性的认知。其二，现代传媒也为音乐欣赏提供了多种选择，表现在音乐播放器以及音乐作品的选择上，播放器有电脑、手机或是专业数字音响设备，受众可以选择在线试听，或者下载保存后随时欣赏。现代传媒影响了音乐教育的方式，使音乐在教育的过程中更为人性化，更具开放性。现代传媒技术影响了音乐教育的方式，转变了传统的教育模式。一方面，在网络这个开放、公平、自由的大传媒平台之上，可以实现音乐资源的共享，为音乐教育者所使用。另一方面，借助于网络音乐资源数据库，教育者可以为学生量身制定符合其性格特点的个性化音乐教学课程。最为重要的是，现代传媒提升了教学环境和条件，音乐教育者可以利用现代传媒产品、音乐多媒体教室进行教学，使学生的体验更为深刻，使课堂更具人性化。

现代艺术论文范文第11篇

而宋元明清四朝更是如此。随着制作工艺的进步，出现了琉璃瓦当。并且由于王权不断加强，宫殿建筑中不断出现的龙纹瓦当也风靡一时。但是毕竟琉璃制作困难，龙纹也不是寻常百姓可用的纹饰，加之民间的墙雕艺术不断兴盛，瓦当这种艺术形式不得不慢慢退出历史舞台。

二、瓦当与环境

瓦当艺术之所以被称为艺术，不仅因为它独特的艺术形式，更因为它背后承载着的文化因素。瓦当这种艺术形式是时代文化的代表，所以瓦当艺术与环境的关系也可以被称为时代背景、时代文化与周遭环境的关系。首先，瓦当文化可以反映出中国传统文化的民族性。从瓦当纹饰上看，无论是“祥云纹”“、四神纹”还是“动物纹”“、文字纹”，这些变化多样的纹饰都能够反映出中国传统文化中崇尚神灵，趋利避害的特点。至于后期出现的龙纹等，更是体现了中华民族特有的图腾崇拜特点。“中国龙”的形象是中国特有的，现在也成了中国在世界的代表图像之一。这些图像在瓦当上的出现，深切体现出了瓦当文化的民族性。同时，瓦当文化也体现出了中国传统文化中的尊卑长幼关系。儒家思想一直是封建帝王用以控制国民、稳定统治的手段。儒家思想的核心之一就是长幼尊卑有序的等级观念。这在瓦当文化中也有强烈的体现。比如在西汉时出现的文字瓦当上，就有许多表现伦理观念，表现“忠”、“孝”、“节”、“义”等传统精神的文字图像。这些文字大多是“道德顺序”“光耀宇宙”一类表现建筑主人忠君爱国，高风亮节，追求高洁品质的。这也是瓦当文化体现传统伦理观的表现之一。由此我们可以看出，瓦当这种艺术形式与文化、人文环境是有不可分割的关系的。

三、瓦当艺术在现代艺术中的变体

现代艺术论文范文第12篇

（一）叙事角度的转换体现了现代主义叙述风格在《夜色温柔》中，菲茨杰拉德彻底抛开传统的全知全能叙述者的叙事角度，以频繁转换的视角来刻画鲜明的人物性格，增强作品的艺术感染力，体现现代主义叙述风格。小说开篇从电影演员玛丽的视角向读者展现了迪克夫妇奢华的生活和迪克的绅士风度，年仅18岁的玛丽无法判断迪克夫妇之间的关系，但她觉得“他们之间存在某种亲昵的关系”，“他们似乎过得很开心”，这种幼稚的话语符合涉世不深、头脑简单的少女语言特征。

当迪克沉迷于玛丽的美貌难以自拔时，小说以迪克的视角向读者揭示了他痛苦、彷徨、矛盾、消沉、复杂的内心世界，生动地展现了他是怎样从一个风华正茂的年轻精神病医生转变为一个道德堕落、染上酗酒恶习、精神死亡的人，深入剖析了他不断失控的自我意识和心路历程。频繁转换的视角不仅揭示了玛丽的纯真、迪克的内心矛盾和道德困惑，而且体现了作品的现代主义叙述风格，但在视角转换过程中，最具现代主义特征的则是作品中连绵不断的意识流叙述手法。如在作品第二部分长达3000余字的书信中，菲茨杰拉德以意识流的手法展现了主人公尼克尔杂乱无序的心路历程、她与迪克结合的历程以及生父给她造成的人格损毁。

在第二部分第十章，菲茨杰拉德又以内心独白的方法向读者展示了迪克与尼克尔婚后的生活经历和双方在许多问题上的分歧，此刻菲茨杰拉德从作品中完全隐退，让尼克尔以内心独白的方式来展现自己的思想，这种意识流叙述手法为作品增添了无限的现代主义特色。频繁转换的视角不仅有利于刻画人物性格特点，描述人物间错综复杂的关系，体现事件的立体感和层次感，而且有助于淡化情节，形成交错式的叙事方式，真实反映人物的内心世界，使作品具备现代主义注重刻画人物精神世界的倾向性。

（二）巧妙的时空处理体现了现代主义艺术时空传统小说往往在开始时由全能叙述者按照故事发生的先后顺序对人物、环境和事情的来龙去脉做出详细的交代，与这种线性叙述模式不同，现代主义文学作品则按照人物意识流动和人物的主观时间任意组合结构，这种完全打乱故事发生的时间顺序，以心理时空代替物理时空的时空观念打破了传统小说写作的时空顺序，发挥了时空在支配和渲染主题上的重要作用，体现出现代主义艺术时空的独特处理手法。在《夜色温柔》中，菲茨杰拉德以插叙、倒叙、内心独白等方式来叙述漫长的故事情节：小说第一部分详细地描述了迪克与妻子尼克尔在法国度假的生活；第二部分先以倒叙手法叙述了迪克与妻子相识、相恋的故事，而后又以内心独白的方式展示了他们之间的恩怨，随之，故事又回到当前迪克的堕落、沉沦，迪克与妻子在德国和法国的旅游度假以及在法国的彻底分手。整部小说钟表时间与心理时间相互交错，跳跃式时空组合打破了传统小说的时空设置，构成了一种完整的现代主义艺术时空。此外，美国学者玛丽·伯顿认为，无论在艺术上，还是在主题上，《夜色温柔》的结构都完美地体现了心理疗法的情景。小说第一部分展示了迪克与人相处融洽，带给人们幸福，是一个完美的魔术师式的人物；而与之形成鲜明对比的则是第三部分，他不仅荒废了人生最美好的、最有创造性的年华，而且成了一个酒鬼、堕落者和无能者。第一部分与第三部分在形式上构成了平行关系，在结构上起着平行和平衡的作用，这种独特的结构与空间形式形成了巧妙的时空相关性，具有非凡的艺术魅力。

二、典型人物形象的刻画与新颖的零度结尾

（一）塑造幻灭的主人公体现现代主义人物典型传统小说在传统价值观念和审美意识的影响下都是通过对正直善良、无私无畏等崇高人物形象的塑造来体现社会的卑鄙、残暴，表现善与恶、美与丑、爱情与自由等题材，现代派作家则通过对痛苦、病态自我的表现来反映人的异化感、焦虑感和绝望感。在菲茨杰拉德的作品中，人们很难看到幸福的结局。如在《了不起的盖茨比》中，主人公倾尽所有追求的“美好爱情”到头来只不过是一个幻想而已。在《人间天堂》中，主人公在经历了迷惘和幻灭后终于认识了自己。在《夜色温柔》中，这种对梦想的追求与破灭表现得更为深刻，如主人公对玫瑰色梦想的追求以及幻想的破灭，展现了主人公无法压制的绝望情绪。《夜色温柔》中的主人公迪克是一个有理想、有抱负、善良正直、完美的人，他将爱情与理想抱负结合在一起，将他与尼克尔的婚姻作为追求理想的赌注，但沃伦家族的钱势、尼克尔反复发作的精神病、电影明星玛丽的美惑以及他内心矛盾和道德困惑的不断加剧，终于使得既努力保持经济与人格独立，又竭力维系没有感情基础的婚姻的迪克染上了酗酒的恶习，一个成熟稳重、温文尔雅、带给人们幸福的魔术师式的人物最终衍化成一个可怜的堕落者。身处异化和充满幻灭感的社会环境中，美好的理想和抱负都已灰飞烟灭，迪克———梦幻世界的“治疗者”却成为这个世界的牺牲品，在尼克尔与他离婚后，迪克只身回到美国，最终成为尼克尔“记忆地平线上一个越来越模糊的黑点”。作为作品中的典型主人公，迪克理想的幻灭是美国时代生活与感受的真实体现。

（二）新颖的零度结尾凸显了现代主义象征主题作为一种表现手法，象征在文学作品中的运用既是形式对内容、有形对无形的一种表现，也是对作品精神意蕴和题材意义的超越。在《夜色温柔》中，菲茨杰拉德成功地运用象征手法来揭示人物隐秘的情感，赋予小说巨大的语言艺术力量。小说的书名宣称夜色是温柔的，作品中温情脉脉的“黑夜”与“黑暗”代表着梦想世界，却缺乏活力，象征严酷现实社会的“白昼”与“光明”却生机勃勃。黑夜与白昼、黑暗与光明的对立不仅象征着截然不同的世界和两种相互对立的观念，而且将作品划分为以尼克尔内心独白连接起来的两部分。故事开始部分，白天灼热、刺眼的阳光炙烤着孩子们的草帽，在海滩上游玩的人们不得不撑起遮阳伞，整个城市令人沮丧，天气犹如一张旧照片，黯然失色，这种景象令人感到痛苦和恐惧；相反，柔情似水、冲动的夜色带给人欢乐、梦幻和遐想，但黑夜并不比白天更美好，白昼虽然是现实残酷的，但是充满活力；黑夜虽然是悠闲迷人的，但是缺少生气，它掩盖了白昼暴露的社会现实，容易使人脱离现实世界。正如作品在多角度刻画主人公曲折复杂的心路历程后，迪克悄然消失在西部温柔、迷惘的夜色中，在悲风中缠绵地倾诉着悲哀秀美之诗。他犹如一只受伤的夜莺，身心俱残地回到西部成为一名默默无闻的普通医生，黯然消失在温柔哀伤的夜色中。这个曾经有着伟大抱负的年轻人最终成为那个时代幻灭性的典型悲剧人物。这种渐降式结尾不仅创造出一种言犹未尽的艺术效果，而且体现了小说强烈的现代主义艺术表现力。

三、结语

现代艺术论文范文第13篇

关键词：构成艺术几何抽象现代陶艺精神土壤

一、现代陶艺之概念

中国素来以“瓷国”著称，具有悠久的陶瓷文化历史，对世界的陶瓷艺术做出过杰出的贡献。但正是由于这种极为深厚的历史底蕴和根植于国人心中的陶瓷审美模式拖延了中国现代陶艺的萌芽时间，忽略了世界范围内新兴的现代陶艺审美观念，而一些西方国家，如英美和日本早在上世纪二三十年代便开始了近现代陶艺的起步和不断发展。

现代陶艺以其内在的张力、实验性、具象和非具象性的形式美感来承载当代文化精神，是现代人远离城市的喧嚣和冷漠、回归自然的一种最好方式。就现代陶艺的观点来看，陶和瓷都只是媒材，现代陶艺并不泛指所有的陶和瓷的艺术。现代陶艺是艺术家借助陶瓷材料，或是以陶瓷材料为主要创作媒介，远离传统实用性质的观照是，表现现代人的思想个性、情感、心理意识和审美价值的作品形式。它有最重要的两点：一是作为精神性的表现媒体而存在，精神属性是主要特征；二是表现手法技巧不拘一格，造成极丰富而随机的视觉效果，超越传统的技术标准，拓展全新的表现领域。

这些也正是构成艺术在现代陶艺中得以运用的契机。而且艺术本身无疆界，一种风格或主义的确立，必将影响当时一切与艺术相关的领域。正如抽象表现主义对建筑、服装、平面设计等的冲击。陶艺界也就不可避免地迎来了抽象艺术在其界内的发展，立体主义大师毕加索加入陶艺作品创作，从而开启了抽象艺术运用之先河。

二、何谓构成——几何抽象

对于构成，并不单纯指三大构成的知识，它的触角可以涉及到艺术的各个领域。如果非要加个定义，那么所谓构成，就是组装，即把设计中诸要素像机器零件那样，按照美的法则进行组装，形成一个新的适合需要的艺术作品。而直观一点说，就是几何抽象的艺术。

三、解读几何抽象与现代陶艺的融合

顺着构成艺术即几何抽象艺术的发展脉络，去探寻现代陶艺的变化，通过拜读现代陶艺家们的作品，可以从中体味抽象艺术渗透的魅力，窥探现代陶艺是怎样于传统到现代的过渡中接纳和吸收了抽象艺术，从而开启了现代陶艺由具象或实用到抽象或非实用的转换。

19世纪末到20世纪初，艺术观念处于大变革时期，反传统、追求艺术的独立性与纯粹性的运动风起云涌。而立体主义的丰碑人物毕加索更是致力于从描绘自然具体形象向抽象化形象的转化，从他的陶艺作品中便可见一斑。分解与重组，不同视点的并置都是立体主义理念为陶艺注入的新鲜血液。立体主义的理念被他直接运用到陶艺的创作上，陶盘、陶器都只是画布的替代品。虽然在陶艺语言上毕加索还没走向深入，但这种直接的挪用或者甚至说玩票性质的举措却为现代陶艺揭开了新的篇章，是对现代陶艺家们抛开传统束缚探讨新的陶艺语言最早的启发，开始了陶瓷艺术对实用器具背离的萌芽。

上世纪20至30年代是几何抽象艺术的感觉性表现的发现期。1931年，法国成立“抽象一创作”的艺术团体，推动了与自然完全断裂的几何造型艺术的发展，并在1936年把几何造型表现的艺术命名为“具体艺术”。在陶艺界，我们看到的是以美国的彼得·沃克思为首的抽象表现主义风格的兴起。他主张陶艺创作中即兴、自由的发挥，将黏土作为表现情感的载体，随意地叠、刮、戳、压。背离传统，彻底放弃了以往的造型完整和传统工艺技巧美感。甚至，他在作品上总是有意无意留下产生的瑕疵、开裂和斑孔，一目了然地记录着作品创作的过程。这个过程是沃克思用于表述隐喻及记载人与水、火、土的交流和联系的重要手段。没有具象，只有抽象表达，正是先锋派艺术家在陶艺领域对构成艺术的最好回应。陶瓷艺术开始了真正的对于传统的反叛，一切实用的器具已失去意义，几何抽象的表达方式为现代陶艺揭开了新的篇章！

上世纪60至70年代是几何抽象艺术的成熟期，同时也是极少主义成为具有绝对统治地位的艺术流派的时代。在陶艺界,与之相呼应的是极限主义的崛起。其代表人物是美国的布瑞斯·梅森和西班牙的恩瑞特·梅斯特。极限主义需要一套严格的成型工艺技法的支撑，但这并不妨碍陶艺家们对黏土的抽象表现。理性、简洁是其根本。极限主义陶艺家的作品通常采用一种预先构想的理智方式，根据数学体系、几何图形的一些理念来对烧成品进行艺术创作。而真正将这种风格发展得比较好的是布瑞斯·梅森。他的巨大的“+”字型雕塑，尽显气派和庄重；西班牙的恩瑞特是极限主义的又一典范。他的作品造型结构严谨，棱角的平直转折犹如刀切，是严格意义上的硬边风格，精心设计又使其具有精妙的比例尺度，把构成因素发挥得可谓是淋漓尽致。而极少主义的另一端则是被称为集合主义的构成艺术。艺术家们利用现代材料和“现成物”为素材，提倡基于“单个间的关系”来把握世界。以很多数量相同或相似的作品集聚在一起，经过理性的形式化的组合，使之构成了另一崭新的巨大的艺术形式。

“装置风格”则是“集合艺术”在陶艺领域的又一体现，是陶艺家对单件陶艺或非场域性的作品，在情感观念和视觉艺术氛围整体表达上的乏力和不足的必然选择。但是，这并不意味着简单的堆积或叠加，而需要考虑的除了作品本身的材料、色泽、形态，还包括与作品共生的环境的因素，诸如灯光、布局等。日本的三岛喜美代是这方面的灵魂人物。她擅长布置场面巨大的、极具震撼力的展览作品。其作品甚至超越了普通装置艺术所展示的视觉和观念的范畴。她对材料质感具有敏锐的把握力。报纸书籍、纸箱的酷似，垃圾方体的逼真，都让她的作品无懈可击。而当多个单位造型组成一个巨大的集合体时，自然地产生了一定的造型扩张性，环绕着一股内在的力量，似乎有一种可视的运动存在。陶土的可塑性和亲和性则更将它的视觉冲击力提升到了极致。

在陶艺这一领域，构成艺术的痕迹还可一一探寻。像日本的八木一夫——陶艺界的泰斗，他的许多作品表现与象征并存。他不断将自己融入黏土之中，感知黏土与生命深处的渊源。这种纯粹的方式和净化的结果让人从他的作品中感到如宗教符咒般的昭示。在《我的自述传》中，他说：“如果要忠实地服从自己的心情创造，应该脱离传统陶瓷工艺过程。(转第97页）(接第113页）我想现代人的心理情感这个世界，如果用古文来陈述，怎么也表达不了。根据这些想法，我走向了所谓超现实立体造型，从此我可以自由自在的自我展开了。”正是这样，他的作品《萨姆先生的散步》将陶艺带入了一个全新的领域，同时也是对构成艺术作了最好的诠释。

而在陶艺创作中，只单纯追求形式美感、讲究比例尺度重理性的作品也不少见。有的将对象进行分裂、破坏、拆散，然后根据需要进行重构和组合，有的更直接将二维的构成因子注入到立体造型中去，这里便不再列举了。

结语

艺术是相互融会贯通的，现代几何抽象艺术在世界美术史中虽然只踞于一种艺术类型的位置，但在现代设计史中却有举足轻重的地位。正因为有了印象派、立体主义到抽象主义等各种艺术发展的脉络，才有了现代陶艺由具象到抽象、由实用到纯粹艺术的转变。现代构成艺术的历史从某一方面来讲，也是陶艺由传统到现代的变迁史。

总之，纵观现代构成艺术和陶艺的发展、抽象艺术的概念和语言，随着年代的变迁、社会的进步、科技的发展，逐渐渗透到陶艺的每一块领域。通过摆脱传统，从单纯的抽象走向了多元化、综合性的陶艺制作。不只对泥土自身特性的挖掘，还采用多种现代手法，加强高科技与泥土的对话，创造出土与火、土与自然、土与人的心灵相融合的艺术。其中构成艺术始终是现代陶艺不可逃离和最眷恋的精神土壤。

参考文献：

[1]白明编著．世界现代陶艺概览．江西美术出版社．

[2]白明编著．外国当代陶艺博览．江西美术出版社．

[3]许以祺主编．陶艺家通讯．

[4]世界构成艺术100年．

[5]（美）阿纳森著．西方现代艺术史．天津人民美术出版社．

现代艺术论文范文第14篇

1.推动经济市场的发展在社会主义社会不断发展的情况下，人们的生活水平也有所改善，经济发展的车轮也在不断的前行，人们的文化内涵、审美价值观、精神品味等需要也都有所提高，这也推动了艺术水平的提高，我国经济市场也逐渐成形，经济市场的存在是一种形式，而现代艺术才是推动经济市场发展的核心，因此说，现代艺术与与社会经济发展有着直接的联系，只有现代艺术的不断发展才能促进我国社会经济的不断发展。

2.推动社会实践的前行现代艺术的发展主要是为了满足消费者的需求，要结合消费者的兴趣来提升现代艺术水平。在前十年人们的需求与现在有着很大的不同，而在当时为了满足人们的需求，现代艺术也跟随着人们的兴趣进行发展。在当今人们的需求又与十年前的需求有着天壤之别，十年前人们所需求的产品，到当今可能已经下线，也可能已经更新换代。总之，会以另一种新颖的形式出现的世人面前，这就是现代艺术的发展，不仅是为了满足人们的需求，更是推动社会实践前行的动力。

3.推动社会科技的创新在现代艺术不断进步的同时，社会科技也在不断的创新，这是现代艺术一种外在的表现形式。只有人们对现代艺术的认识不断提高，才能在想象的基础上对社会科技进行不断的创新，尤其是电力行业的进步，这都是有目共睹的，在近些年电子产品的更新换代可谓是迅速，例如，从十年前的非智能手机到JAVA系统的手机，再几年前安卓系统的手机也逐渐流行，以前大家都用电脑上网，现在电脑能办到的手机也都能办到，这就是社会科技的创新，因此说，现代艺术的发展是推动社会科技创新的根本。

二、高校美术教学与现代艺术的结合策略

1.重视内在的审美性高校美术教学的发展不应将眼光局限在美术领域中，更应与现代艺术结合，重视高校美术教学的内在审美性。另外，高校美术教学在与现代艺术结合的过程中，不应完全依赖于现代艺术，要体现出美术的本质，尤其是现代艺术的造型和环境，在高校美术教学中，可以借鉴现代艺术的外在造型和环境，但是不能完全的效仿这些，可以将其融入到高校美术教学中，再结合美术的理论性知识，正确的培养学生的审美观，提高学生美术学习的个性化以及创作风格，要利用现代艺术对学生起到美术的引领作用，而并不是按部就班的教学，这样才能促进学生的综合素质得到提高。

2.追求新的发展趋势美术教学是培养学生情感，提高艺术修养的重要途径，传统的高校美术教学过度重视“美术教学”，而忽略了美术的内涵以及美术的特征，更缺乏与现代艺术的结合，大多都停留在传统的教学阶段，严重影响高校美术教学的发展。高校美术教育与现代艺术的结合应形成多学科的融合、交叉、渗透的教育方式，这是现今乃至未来高校美术教学的必然发展趋势。高校美术教学在与现代艺术结合的过程中，不应完全跟随着现代艺术的脚步发展，应有着一定的局限性，主要从美学研究的方向作为主要发展趋势，这样才能不失现代艺术的发展，不失美术的本质，形成美术理论与现代艺术创新的结合，对培养高校学生美术的创造性思维能力、想象力、多元化、多学科的发展有着极大的作用。

3.提高美术教学的创新意识任何一部优秀的美术作品，都是他人无法想到的，更是将艺术美表现的淋漓尽致，而且，作品中还带有丰富的内涵，任何一名成功的美术家都具有较高的创造能力，这样才能在美术行业中脱颖而出。高校美术教学通过与现代艺术的结合，以美学发展作为核心、以现代艺术作为一种衬托，对培养学生的创新意识、创造能力有着一定的作用，这也是当今高校美术教学发展的必然趋势。

现代艺术论文范文第15篇

1.推动经济市场的发展在社会主义社会不断发展的情况下，人们的生活水平也有所改善，经济发展的车轮也在不断的前行，人们的文化内涵、审美价值观、精神品味等需要也都有所提高，这也推动了艺术水平的提高，我国经济市场也逐渐成形，经济市场的存在是一种形式，而现代艺术才是推动经济市场发展的核心，因此说，现代艺术与与社会经济发展有着直接的联系，只有现代艺术的不断发展才能促进我国社会经济的不断发展。

2.推动社会实践的前行现代艺术的发展主要是为了满足消费者的需求，要结合消费者的兴趣来提升现代艺术水平。在前十年人们的需求与现在有着很大的不同，而在当时为了满足人们的需求，现代艺术也跟随着人们的兴趣进行发展。在当今人们的需求又与十年前的需求有着天壤之别，十年前人们所需求的产品，到当今可能已经下线，也可能已经更新换代。总之，会以另一种新颖的形式出现的世人面前，这就是现代艺术的发展，不仅是为了满足人们的需求，更是推动社会实践前行的动力。

3.推动社会科技的创新在现代艺术不断进步的同时，社会科技也在不断的创新，这是现代艺术一种外在的表现形式。只有人们对现代艺术的认识不断提高，才能在想象的基础上对社会科技进行不断的创新，尤其是电力行业的进步，这都是有目共睹的，在近些年电子产品的更新换代可谓是迅速，例如，从十年前的非智能手机到JAVA系统的手机，再几年前安卓系统的手机也逐渐流行，以前大家都用电脑上网，现在电脑能办到的手机也都能办到，这就是社会科技的创新，因此说，现代艺术的发展是推动社会科技创新的根本。

二、高校美术教学与现代艺术的结合策略

1.重视内在的审美性高校美术教学的发展不应将眼光局限在美术领域中，更应与现代艺术结合，重视高校美术教学的内在审美性。另外，高校美术教学在与现代艺术结合的过程中，不应完全依赖于现代艺术，要体现出美术的本质，尤其是现代艺术的造型和环境，在高校美术教学中，可以借鉴现代艺术的外在造型和环境，但是不能完全的效仿这些，可以将其融入到高校美术教学中，再结合美术的理论性知识，正确的培养学生的审美观，提高学生美术学习的个性化以及创作风格，要利用现代艺术对学生起到美术的引领作用，而并不是按部就班的教学，这样才能促进学生的综合素质得到提高。

2.追求新的发展趋势美术教学是培养学生情感，提高艺术修养的重要途径，传统的高校美术教学过度重视“美术教学”，而忽略了美术的内涵以及美术的特征，更缺乏与现代艺术的结合，大多都停留在传统的教学阶段，严重影响高校美术教学的发展。高校美术教育与现代艺术的结合应形成多学科的融合、交叉、渗透的教育方式，这是现今乃至未来高校美术教学的必然发展趋势。高校美术教学在与现代艺术结合的过程中，不应完全跟随着现代艺术的脚步发展，应有着一定的局限性，主要从美学研究的方向作为主要发展趋势，这样才能不失现代艺术的发展，不失美术的本质，形成美术理论与现代艺术创新的结合，对培养高校学生美术的创造性思维能力、想象力、多元化、多学科的发展有着极大的作用。

3.提高美术教学的创新意识任何一部优秀的美术作品，都是他人无法想到的，更是将艺术美表现的淋漓尽致，而且，作品中还带有丰富的内涵，任何一名成功的美术家都具有较高的创造能力，这样才能在美术行业中脱颖而出。高校美术教学通过与现代艺术的结合，以美学发展作为核心、以现代艺术作为一种衬托，对培养学生的创新意识、创造能力有着一定的作用，这也是当今高校美术教学发展的必然趋势。

三、总结