艺术创作特点范文
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第1篇
[关键词]摄影构思 瞬间性 现场性 科学性
摄影艺术属于视觉艺术，是一种审美评价活动，这种活动是审美主，客体的双向交流。一方面是客体向摄影家提供各种各样的生活信息，摄影家把许多生活画面印入心里，另一方面，摄影家把自己的主观情感、愿望、理想以及气质等因素融合到对象上面，也就是说，摄影艺术家要用自己的全部身心去关照融合对象，把自己体验到的美的生活，美的形象和美的情感，通过艺术观察和构思，用摄影工具表现在作品中并传达给观众，在摄影艺术创作的过程中，摄影构思将起着举足轻重的作用。艺术创作的构思，是作者艺术地反映客观世界的过程中所进行的积极的、能动的思维活动。构思的目的是为了探求能够充分体现创作意图的艺术形象。不同艺术形式赖以表现艺术形象的手段不同，创作过程不同，因此构思的途径和方式也不大一样。同一艺术形式，不同题材，不同体裁的作品，不同作者，在艺术构思方面也有不同的特点、规律和习惯。摄影艺术的基本特征就在于：它是科学和艺术紧密结合的产物，一位曾为美国《生活》画报工作过二十多年的知名记者A.菲宁格这样说“技术+艺术=给人深刻印象的照片”，因此摄影必然受到摄影器材的制约：它主要是以生活本身的形式直接反映生活，必然受到拍摄现场条件的限制：它主要摄取生活的一个瞬间，大多是在极为短暂的一刹那完成拍摄。这就使得摄影创作构思具有明显的瞬间性、现场性和科学性。
一、摄影艺术创作构思的瞬间性
艺术作品的构思，一般都要经过创作欲念的萌动，形象的酝酿、孕育和具体的艺术处理三个阶段：摄影创作的题材非常广泛，体裁形式多种多样，其中有一些题材和体裁的拍摄。有比较完整的构思过程，有比较长时间的酝酿、推敲，构思的各个阶段比较明显。如风光、花卉、静物、寓意、讽喻之类作品的拍摄大多如此。《东方红》(袁毅平摄)、《十且的螃蟹》(黄翔摄)的拍摄过程都是明显的例证。但是在以抓取“决定性瞬间”为主的人物摄影、社会生活摄影等“偶成”作品的创作过程中，瞬间的发现，瞬间的敏感与认识的飞跃则往往是主要的，如《小柱子》(索祖钢摄)，《天真》(郑捷摄)等，都是突然发现，迅速抓拍的。
在摄影创作实践中，经常出现所谓“偶尔碰到”，“突然发现”的现象，这就是摄影作者在长期的艺术实践中锻炼了自己丰富的想象能力和明锐的直觉能力，进而运用自己的审美理想。审美标准，对客观生活中的某一具有审美价值的瞬间场景所作出的审美判断。“偶尔”考验着每个艺术家的生活根底和艺术功力渗透着艺术家对生活的理解和对美的判断能力，所以偶然中其实体现着必然。这类作品的拍摄，从题材的发现到按下快门，往往只是一个极为短暂的瞬间，但同样有一个比较完整的构思过程。在这瞬间的构思当中，既包含有创作欲念的萌动，对题材内容和社会意义的判断：也包含有形象的取舍和艺术处理。不过这个过程常常不是取自判断和推理的思维形式。而是表现为近似直觉的瞬间敏感。这正如法国著名的摄影家亨利，卡蒂尔，布勒松为摄影所下的定义，他说“摄影是在若干分之一的时间里识别出时间重要意义，同时又识别出使事件得以适当地表现出来的精确的形态和结构。”
现实生活丰富多采，瞬息万变，许多珍贵的瞬间是可一而不可再，可遇而不可求的。因此创作的机遇和契机显得十分重要。这正如黑格尔说的，“最伟大的艺术作品也往往是应外在的机缘而创作出来的。”但机遇和契机能否成为创作灵感的触机。主要还在于感受，认识和提炼生活的能力和感应的速度。人们常误以为抓拍主要靠“碰”运气，碰机会，以抓拍著称于世的布勒松就最反对“浮光掠影式摄影”而反复强调“从生活的素材中进行提炼再提炼”。许多优秀的摄影作品，都是在现实生活中“偶尔碰到”、“突然发现”拍摄成功的。似乎带有极大的偶然性，实际上这种“突然发现”对于摄影家的瞬间构思能力是极其严格的检验。瞬间构思能力越强的人把生活中的机遇和契机变为摄影创作灵感触机的可能性就越大，成功的机会也越多。
二、摄影艺术创作构思的现场性
摄影创作对于拍摄现场，有着极为明显的依赖关系：蜿蜒壮观的《巍巍长城》(何世尧摄)只能鸟瞰：霞光璀璨的《东方红》(袁毅平摄)，只能在北京八月清晨摄取《斗恶霸地主》(齐观山摄)反映农村里的老贫农怒火中烧的愤激之情，只能出现在说理斗争会上。“天时、地利、人和”诸方面的因素和摄影创作的关系都十分密切。因此摄影创作构思，必须从现场条件出发，并受到现场条件的制约。从某种意义上讲，摄影创作构思的过程就是对现场特定的对象进行观察，比较，选择和提炼的过程。“高度的智慧是从观察得来的。”(车尔尼雪夫斯基语)摄影家的创作智慧也需要在形象的观察中培育。有人把照相机比作“身体以外的眼睛”，有的把摄影称为“猎影”这些都是为了说明现场形象观察的重要。我们曾经在相当长的时期里，把“坐在家理想画面”当成摄影构思的普遍规律，其结果只能是主观臆造：现在又有人主张不加褒贬和思考的抓拍，结果使作品流于“自然主义”。
创作实践证明，在摄影创作过程中，不论题材的发掘，主题的孕育，奢华，还是摄影艺术的造型处理和形象的瞬间把握，都离不开现场的深入观察《生命在于运动》(利麟摄)的拍摄就是通过形象观察而后深化主题的。离开了富于典型特征的皓发童颜的老者形象，健康长寿的主题无从体现：离开了老小竞赛的生动场面，作者的认识也无从启迪和升华。通过观察发现题材，再通过观察，思考和选择。使认识逐步提高，主题逐步深化，形象的艺术处理也更加完善，这是摄影创作中极为普遍的规律。摄影艺术的构思，和其它艺术形象的构思一样，也离不开想象和联想。现实生活纷纭复杂，拍摄现场的情况往往是瞬息万变，摄影创作过程中需要估计，需要预想，更需要随着客观形式的发展变化，不断的改变和完善构思。既要善于适应和充分利用现场条件，也要善于突破现场条件的局限，变不利为有利。只有这样，才能在拍摄现场，当注意力处于高度集中状态的时候仍能保持清醒的头脑，具有十分清晰的分析力和敏锐的判断力，既不致因现场情况的突变而茫然不知所措，也不致因一味等待预想情况的出现而坐失良机。
三、摄影艺术创作构思的科学性
摄影艺术是建立在科学技术成果之上的现代造型艺术，一位曾为美国《生活》画报工作过二十年的知名摄影记者这样说“技术+艺术=给人深刻印象的照片”。摄影艺术的创作过程，是摄影技术和艺术技巧全面控制的过程，摄影不是纯粹的对现实生活的再版，它体现着摄影者对镜头前面所展现的事物的一种自我的选择与认识，反映了他对客观场景经过“处理”后的结果，受摄影者的见解和创造力的支配，这种处理。包括摄影技术和艺术技巧的众多方面。摄影艺术是借助光学、化学、机械学和电子学所提供的物质媒介作为表现手段的。摄影艺术的语言和现代科学技术有着十分密切的关系。艺术家总是以一定“艺术语言”来感受、体验和思维的，因此摄影创作的构思必须在摄影家所使用的器材和掌握的摄影技术、技巧的限制下进行。离开了摄影技术和技巧的艺术表现的可能性，任何巧妙的构思都无法实现。
第2篇
一、 油画艺术中的色彩
绘画作为社会艺术形式的一种表现样式, 它的存在标志着社会和时代的意识发展状况。古典油画由于追求形的真实恒久其画面色彩单纯，色彩多以复色和间色绘制，他们追求在二维的画面上塑造雕像一样实在稳定的形象，构图追求稳定，强调形体边界清晰的轮廓感，是一种最明晰的语言，反对玩弄色彩的魔术，反对花里胡哨的东西。印象派绘画研究的是物理学自然现象，是一套新的色彩观和绘画表现手法，它完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念（古典绘画），创立了以光源色和环境色为核心的现生色彩学，并运用到现代学院教学，为现代艺术的产生奠定了基础。现代派绘画大师毕加索的蓝色时期的绘画作品开启了油画刻画主观感情及表达的先河，同时也是现代色彩心理学在绘画中的首次运用。表现主义的先驱蒙克将主观感情的表达与色彩艺术语言融合更是发挥到极致。其后抽象表现主义在色彩运用上综合了后印象派、野兽派及表现主义绘画的色彩特点，用色彩来表达一个非具象的世界。波普艺术的色彩早在20世纪的50年代已应运而生，艺术家一方面在反思艺术的走向，另一方面又在反思当下的生活，他们认为最好的艺术应该就是生活，于是他们的艺术作品便大量取材于生活中实物，譬如广告招贴画、譬如娱乐明星、譬如生活中的汤罐之类的东西，都是生活中触手可及的材料和现成品，其色彩鲜艳时尚充满商业性……
二、油画色彩的主观性和装饰性
油画色彩的主观性是相对客观对象本身所呈现的色彩而言的。艺术家在画面上不再现或不完全再现自然物象的真实色彩感觉，而是根据作品主题和画面的需要对色彩进行再创造，使它成为具有个性的艺术语言，以表达主体的情感、意念，使油画作品获得更强烈的视觉表现效果和特定的精神内涵。
色彩从远古时期就是人们装饰生活、美化生活的主要手段。古代先民用红黄白等颜料涂抹身体和脸部来装饰自己。随着文明的发展，色彩的装饰功能被更多地发挥利用，在陶罐上描绘花纹，在建筑物上镶嵌彩色马赛克，在纺织品中交织印染各种绚丽的图案色彩的这种装饰作用，在油画中也得到体现。19世纪末的后印象主义、纳比派、维也纳分离派、野兽派等，在印象派的基础上，又吸收了东方艺术中的单纯感和平面感，追求那种音乐般令人愉快的色彩组合，因此油画色彩更具有装饰性。
三、当代艺术家油画作品的色彩语言
大卫·霍克尼(David Hockney)是英国最杰出的画家之一，他被称为是“英国活着的最出名画家”，其绘画对色彩的应用上更具有主观性，而非科学、理性地对客观对象进行描摹、再现。画面色彩更加具有形式感和绘画性，不再是二维平面对三维空间的模仿。 其绘画在色彩的运用上多使用纯色及对比色，画面中的色彩强烈而单纯，画作辨识度极高，鲜亮不羁的用色、富于创造力的构图，都使得观众一眼难忘，数十年中霍克尼绘画都吸取这种波普艺术的用色特点，又创造性地融入他的绘画之中。
中国艺术家方力钧在早期进行一些黑白单色绘画实验之后,一方面继续画单色画, 另一方面逐渐通过限制色彩来进行新的尝试,后期大部分作品突出四种基本色彩:红色、黄色、灰蓝色和绿色。画面没有一笔是以写实的色彩描绘,却营造了一种梦幻的真实。作品《2001.9.23》,整幅画面给人的第一感觉就是色彩单纯、艳丽,透露出一种“世俗”的艺术追求,画面运用高纯度的红、黄、蓝、绿等呈现出色彩关系的极度不和谐性,画面上人物的笑容都是那么的无聊庸俗,以至于这种颓唐而夸张的笑让人感到灵魂早己滞灭的行尸走肉般的窒息。人物面部与身上衣服色彩处理几乎一样, 画面上蓝色的山脉加之鲜艳的红花、黄花等所营造的氛围，都表现出艺术家对于单纯色彩所产生的强烈艺术效果的极力追求。
四、当代艺术创作中油画色彩的特点
第3篇
(漫)艺术创作的文化依托中原文化在整个中华文明体系中具有发端和母体的地位，从古老传说中的“开天”、“女蜗造人”、“三皇五帝”、“河图洛书”到早期的裴李岗文化、仰韶文化等考古学文化，都发生在中原。夏、商、周三代，被视为中华文明的根源，同样发源于中原。作为东方文明轴心时代标志的儒、道、墨、法等诸子思想，也正是在研究总结三代文明的基础上而生成与中原。
在动(漫)画艺术的创作活动中，文化的根源性可以作为其地域性特色而被利用，特别是在动(漫)画的情节与内容上，中原文化中远古时期的神话传说、中国古代思想观念产生的根源性探求等都可以作为故事主题运用在其剧情创作上，这样不仅增加了内容的神秘感与丰富性，而且还能更好地体现出文化的厚重感，使民族化特征更加鲜明，更易于焕起整个民族的情感记忆，产生思想共鸣与文化认同。我国的动(漫)画创作中的想象力从哪里来?其中最好的体现方式就是深人挖掘我国传统文化的根源性特征，创建丰富的动(漫)画创作内容体系，最终形成可用于动画表现的现代语言。
此外，一种文化产业是否能存活下来并能很好地发展下去，要看它是否真正扎根于本民族的文化沃土，生长成涌动着本民族文化热血的鲜活的生命体，否则它必定是无源之水，终将干涸。日本和美国的动画虽然不过分强调民族化，但在日本动画中我们不难看出其中隐含的生存危机感，而美国动画中也恰恰反映了自由轻松，幽默的民族特性。中国动画从诞生之初，就有着强烈的民族性，1941年万氏兄弟制作的中国第一部长片动画《铁扇公主》就是一部有着浓郁中国民族风格的动画片。建国之后上海美术电影制片厂厂长特伟提出了“走民族风格之路”的口号，之后上海美术电影厂做出了一大批具有民族特色的动画影片，如《哪吃闹海》、《七色鹿》、《牧笛》、《小蛾鲜找妈妈》等，这些影片不但在国内受到好评价，同时也得到了世界的认可。由此可见，只要拥有了自己的文化特色，动(漫)画创作才能独树一帜，得到大众的认可。
二、从中原文化的包容性特征解读动
(漫)艺术创作的文化依托包容性使得中原文化具有兼容众善、合而成体的特点。中原文化通过经济、战争、宗教、人口普迁徙等众多渠道，吸纳了周边多种文化中的优秀成分，实现了物质文化、制度文化和思想观念的全面融合与不断升华。考古人员发现，20万年前南北文化就交汇在中原一带，进人新石器时代后，文化交流更为频繁，文化融合更为深化。新石器时代中原文化与周边地域文化具有许多共同点，中原的大坟口文化就是东夷集团的海岱民族和中原民族交往、融合的结果;郑州大河村遗址中出土的一些富有山东大泣口文化特征的陶器，说明河南文化在那时就开始吸收周边文化成果，熔铸了自己的文化。胡服、胡乐、胡舞、胡人食品在汉唐间传人中原，都融人河南文化之中。世界其他地区的宗教基本都具有排他性，但是作为外来宗教的佛教传人中原，却被河南本土的儒道文化所接纳，同时也成为中原文化和中华文化的重要组成部分。这种文化的包容性对动漫文化的发展也有着非常重要的意义，在动漫的创作中，本土文化固然很重要，如果同时纳人其它文化于其中，这样不仅能突出本土文化的特色，而且对于其它不同文化也是一种很好的融合和宣扬。
三、从中原文化的开放性特征解读动(漫)艺术创作的文化依托
质是建立在强大的文化自信上的。有了好的传统文化的支撑，体现在动画创作活动中，就要有突出的动(漫)画形象，这种形象必须要具有本土原创性特征。中原地区拥有大量宝贵的历史文化资源，但动漫产品却难以突破创作中形象不突出的瓶颈。动(漫)画最终赢得观众和市场的还是要以内容创新为基础，以高新科技手段和艺术相结合创造出来的具有深度内涵的优秀作品，在突出动漫的原创性时，可以利用中原的文化特色创造动(漫)画形象，如中原的太极拳文化，由此可以创造出一些太极卡通人物;利用豫剧和地方戏剧，可以创造出别具特色的戏剧动漫和卡通形象，等等。总之，作为站在时代浪尖上的动画创作者理应坚持自我，而不是对西方文化的顶礼膜拜，把自己本土的文化通过动画艺术的演绎推向世界，这才是体现中原文化开放性的最本原的文化自觉。
四、结语
