大学音乐结业论文范文

大学音乐结业论文范文第1篇

目前，音乐撰写的毕业论文，问题很多，离“学术规范”很远。其中，抄袭、剽窃现象是最为突出问题。主要表现是：或抄袭音乐老师的文章；或抄袭音乐名家权威的文章；或抄袭外国音乐家的文章；或抄袭一般音乐作者的文章。其抄袭的方式多样，有的是东拼西凑，有的干脆从网上下载，改名换姓。

音乐本科毕业论文抄袭、剽窃现象为何如此严重？许多专家教授都曾论述，归纳起来主要有以下几点原因：

（一）“先天文化基础不牢”。音乐专业学生的综合文化素质不高，他们被录取时，文化分数低于其它专业很多。而“论文写作是一种综合的脑力劳动”，撰写论文“实际上是作者思想、观念、知识、修养和语言文字能力的全面体现”。

[1]“他们最应该补习的东西是文化。” 〔2〕

音乐专业学生的文字表达能力，有些“先天”不足。他们从小用大量的时间接受音乐技能训练，文化知识的学习以及文字表达能力的培养自然要受到一定影响。[1]因此，撰写毕业论文困难较大。“论文是人类用语言文字来表达自己的思想观点的最方便、最好的一种载体。”〔3〕“一个受过高等教育的人，首先应该能清晰明白写作，表达自己的思想。他们现在还不习惯人应该有自己的思想，不知道学术思想从哪里来。” 〔2〕

（二）“后期训练不够”。开设相关的课程很少，音乐专业开设此课程更少。他们在撰写毕业生论文之前没有受此教育，没有进行写作音乐论文规范化的系统训练。郑州大学教授郭英剑说：“不客气地讲，我们的大学生，甚至研究生，没有能够受到良好的学术规范教育”。[3]因而，直接导致音乐专业写作训练的不足、学术规范意识的缺乏。中央音乐学院钟子林教授认为：“对音乐系来说，应该把论文写作规范作为一项教学的重要内容”[3] 例如，音乐专业学生不通晓论文写作的技术规范。有位学生的论文题目是《源远流长的古筝史》，其内容摘要：“凭着自己对古筝的兴趣和爱好，以及大学四年所学到相关音乐知识，使我对古筝的学习有了更深刻的体会，写成此文。”显然，这位音乐专业学生不会写“内容摘要”。

音乐专业本科毕业生，是未来音乐学科研究队伍的后备力量。然而，我们目前却没有加强对他们的科学道德教育、没有制定防止学术失范的根本措施；没有教育音乐大学生，充分尊重他人的研究成果，是从事学术研究者所应具有的最起码的道德；也没有组织他们学习《中华人民共和国著作权法》，树立法制观念。

（三）“部分专业教师对此缺乏足够的重视。”教师是学生的榜样，其一言一行、思维方式、指导思想都会对学生的价值判断产生影响。而专业教师中重技术、轻学术的思想也会对使学生不重视毕业论文写作的重要原因之一。音乐专业的特殊性质要求对其所学专业投入大量精力和时间；而对其教学及工作的评价也由其技术水平的高低来决定 ，至使教师产生技术至上的思想。“作为大学教师，要用自己高尚的品德和人格力量感染学生，引导学生树立良好的学术道德。”“如果一个教师在学术道德上不能为人师表，那他怎么可能传道授业解惑呢？所以，教师决不能在学术人格、道德操守上把自己降为普通人”。[3]

一句话，既有主观原因，也有客观原因，最终导致音乐专业学生不知该怎样入手撰写毕业论文，不知做学问的方法。

二、

“音乐学是一门专业技能，要从事这门职业，必须掌握学科术语以及写作技

巧，对音乐学提出看法。这种看法必须就学科规定的内容用学科接受的写作方式表达出来。”〔2〕

音乐毕业论文写作的目的，要在毕业之前受到科学研究工作各环节的初步训

练。在教师指导下，运用所学知识和基本理论，培养学生独立分析问题和解决问题能力的科研实践训练。怎样达到这一目的？

笔者认为：综述训练方法是有效训练音乐大学生撰写毕业论文的方法，能够

达到这一目的。

其实，西方国家的大学音乐教育，早已注意这一问题。“在西方国家学习音

乐，首先要学习的课程是文献书目与研究方法。这门课程的教师会告诉学生各种有关书籍文献、图书馆分类和查找方法等等必要的资料收集手段。”“在学期末课程结束时，教师一般要求学生做研究状况综述，就某一个题目总结有关数据，明白前人做了什么，自己可以做什么。”〔2〕

何谓“综述训练方法”？是指根据论文写作规律，在专业教师指导下，通过

学生根据已掌握的专业理论知识，每年围绕音乐某一选题，一开始就学习将大量分散的有关本选题的音乐文献，通过各种检索方法收集整理；一开始就学习广泛综合、归纳前人音乐文献数据中有实用价值、有见解的新材料的方法；一开始就学习具体分析有关本选题音乐文献的异同点，并学会述评、阐明自己的观点。“综”即收集百家之言，综合分析整理；“述”即结合学生在专业学习过程中形成的观点和艺术实践经验对文献的观点、结论进行叙述和评论。每篇以综述文体撰写的学年论文，字数要求在3000字以上。经过2至3篇的“综述训练”，再撰写毕业论文。当然，优秀的综述文章也可以作为毕业论文。这种训练要求具备以下特征：

（一）连续性。从大学一年级开始综述训练，连续不断，直到大学四年级完

成撰写毕业论文。这样，将音乐本科毕业论文由一次性写作变为“四年性”论文写作过程。从“综述训练”到论文写作，是一个循序渐进、由浅入深的练笔过程；在这个过程中，学生完成论文写作的所有环节，最后撰写出高质量的毕业论文通过答辩。

（二）同步性。音乐专业学生撰写综述与专业理论课的学习、公共课的学习

同步进行，有机结合，其知识结构同步扩大，学问同步积累，到撰写毕业论文时必能很快进入研究状态。因为在这期间，他们学习《哲学》《法律》《教育学》《心理学》和专业理论等课程，通过综述训练的不断思索，已经积累相关知识，感悟必出。

“综述训练”为本科毕业学位论文的写作选题打下基础。学生选择毕业论

文课题，总要做到两个结合：一是与专业理论课结合，二是与已撰写过的综述训练内容结合。河南大学音乐教育2000级于捷在大三时曾撰写学年论文《音乐治疗学综述》，她的毕业论文《现代音乐治疗学管窥》就是在综述基础上完成的。此论文被评为优秀论文，收入《河南大学学术论文集》（2004）印刷出版。

（三）实践性。坚持多写综述，实践再实践，是掌握撰写论文和做学问的基

本途径。在实践中学习撰写综述，在实践中提高撰写综述的水平。

（四）全员性。要求所有音乐专业本科学生参加“综述训练”、所有专业教

师参加指导，教学管理人员进行宏观管理。

“综述训练”离不开专业教师指导。有谁来组织实施“综述训练”？笔者

认为：由的二级学院组织，以音乐专业理论教师为主、音乐专业技能课教师为辅，并有教学管理人员参加的队伍，具体指导学生进行综述训练。在教学计划“毕业

论文写作”中，应有所体现这一方案。其指导形式，或专业理论任课教师通过课堂组织；或专业技能课教师单独指导。

三、

综述训练方法的步骤：

（一）选题：一是专业教师结合本课程的教学规定题目。例如，河南大学

艺术学院班一讲师在讲授《中国传统音乐概论》中，为学生学年论文规定的选题范围限定在《中国传统音乐综述》。这样，学生可选其中一章题目综述，也可选所有章综述。学生结合所学课程的内容撰写综述，有可能做到综中有述，述中有综；既不是纯碎的音乐文献堆砌，也不是专业教材的简单重复，而是专业知识的升化与掌握。二是学生结合自己主修课程选题。一般要选较小的题目，文献资料的来源有保证。如果选题太大，不易掌握。例如有的学生选题是《小提琴的发展史研究综述》、《世界舞蹈艺术的发展历程研究综述》，这类选题偏大，难以承载，不能完成。如果没有围绕已掌握的专业知识选题，学生则对要综述的内容不能形成自己的论断。“综述的题目越具体、明确，搜集音乐文献越容易，写作范围越清楚，因而也越容易把综述的“焦点”写深写透。”〔4〕提倡“小题大作”，而不提倡“大题小作”。

（二）收集音乐文献。

“综述训练方法”的基础是检索音乐文献。欧美许多国家，“大学里导师们

对学生的论文写作指导，一开始便是如何使用图书馆数据。”〔5〕音乐专业学生没有掌握音乐文献及其检索知识，也就没有检索音乐文献的能力，在撰写论文之前，对有关课题前人的研究成果不了解，也是抄袭、剽窃的主要原因之一。而当他们具备了检索音乐文献的能力，不但有利于在有限的时间内，确立重点需要阅读与研究的论文论著；有利于确立资料收集的范围与相关研究的意向，避免研究课题重复；而且也能从根源上杜绝抄袭、剽窃现象的发生。

首先，音乐专业学生要认识音乐文献的特性。音乐文献既有理论论著、乐谱，更有载体形式不同的有声音乐作品（单声道唱片、立体声唱片、激光唱片、激光视盘、录音慈带、录像磁带等等）；音乐文献具有语言文字和非语言文字特征。〔6〕

其次，音乐专业学生要熟悉音乐工具书，掌握传统的检索方法，到学校图书

馆、院（系）资料室查找音乐文献。在西方进行音乐研究，其快捷方式是辞典和百科全书。“在这些工具书里，我们可以找到基本事实，某一个术语的准确解释，以及该词条所涉及内容的简要概括。”〔2〕音乐工具书是在已有的大量音乐图书数据基础上，广泛搜集音乐范围的知识材料，按照一定方式加以编排，为人们提供音乐基本知识和数据线索的一种特殊类型的图书。常见的主要有音乐文献目录、百科全书、音乐年鉴、图录等。还可利用音乐期刊查找，效果不错。它分理论和乐谱两类。理论有《人民音乐》《中国音乐学》《音乐研究》等，以评论音乐为主；《中央音乐学院学报》《音乐艺术》《星海音乐学院学报》《黄锺》《乐府新声》《交响》《音乐探索》等，以音乐理论研究为主，以其学术性见长。曲谱有《音乐创作》、《音乐生活》、《音乐天地》、《歌曲》、《通俗歌曲》、《祁连歌声》、《广播歌选》等，以刊载不同体裁的音乐新作为主。〔7〕音乐专业学生可查馆藏音乐期刊目录或馆藏音乐期刊篇目索引，就可获得有关资料。

再次，面对浩如烟海的网络信息，音乐专业学生要掌握现代信息技术的检索

方法，熟悉主要网站及网址，上网查找。（1）雅虎(http:.cn)。其按主题分为14类，音乐专业学生点击“娱乐”类目下的“音乐”，即能获得各类

音乐相关信息；若点击“参考数据”类目下的“图书馆”，又可以查到联网的音乐图书馆的文献信息。（2）中国期刊网(.cn)等.。

（三）做读书笔记和卡片。这是很关键的一步，目的是获得本选题有用的音

乐文献。首先“确定摘录项目：包括参考文献著录项的作者、论文题目或书名、刊物名称或出版社名称、年、卷、期”〔4〕等。其次确定摘录内容：重点在于写好摘要，适当摘录正文内容等。再次将卡片“分类、归入提纲、标号：根据摘录卡片的内容进行初步分类”，〔4〕将相关的、类似的观点内容分别归类；对结论不一致的音乐文献，要学会对比分析，按已掌握的专业知识做出是非的判断。另外，在这一过程中，应将自己的心得、感受、思想火花记录在卡片上 备用。

（四）草拟提纲：在积累大量读书笔记和卡片的基础上，写出本课题综述提

纲。通过提纲，将已掌握的音乐文献组织起来，并串连到本课题研究的问题上。一般可采用“分类综述”，例如余琛《近年来唐代乐器研究综述（载《西安音乐学院学报》2000年2期）就是分类综述：“一、打击乐；二、吹奏乐器；三、弦乐器。”

（五）评判：在概述音乐文献的基础上，本课题的研究现状就浮出水面。这

时，就要评判前人的成果是否有价值、取得哪些成绩，尤其要注意分析两个以上音乐学者不同的学术思想、观点的异同。在此基础上，适当阐述自己的意见，有话则长，无话则短。这样，“文献综述”不是纯粹从文献到文献的碓砌。

（六）回顾研究与建议：这是最后的步骤。在评判的基础上，要提出进一步

研究的设想和内容，力争发前人未发之言，并分析新的研究思路的可行性等。

为便于说明问题，再详细分析上例：

1、综述题目：近年来唐代乐器研究综述（作者：余琛，载《交响——西安

音乐学院学报）

2、前言部分：本文对20世纪50年代以来有关唐代乐器的研究作分类综述。

3、正文部分（分级分类标题）：

（1）打击乐（再细分各种乐器）;（2）吹奏乐器（再细分各种乐器）;（3）弦乐器（再细分各种乐器）.

4、初步印象：总结全文，提出研究不足。

这篇论文作者至少做卡片85张之上，因为本文引用论文85篇。

音乐专业学生可选其中一类乐器进行综述研究，例如“弦乐器综述研究”；

也可先其中一种乐器进行综述研究，例如“古筝研究综述”。另外，根据读书笔记和卡片，可把年限定为“近年来弦乐器综述研究”、“近年来古筝研究综述”。

四、

“所谓学术，它包含着这样两层意思：一是做学问的方法，二是指应用一

定的方法去认识事物所得到的成果。”〔8〕著名学者王力先生特别强调学会撰写论文方法的重要性，他说：“研究生的任务不单纯是接受知识，而且要进行科研工作。因此，研究生有个重要任务就是写论文。”“我们现在要求研究生写论文，就是要他学会科学研究的方法，学会写论文的方法。”〔9〕显而易见，综述训练方案，对培养学生做学问的方法、养成良好的学术习惯、走向“学术规范”能够起到事半功倍的作用。

“综述训练”为音乐专业毕业学位论文的写作提供了命题。“在西方，指导

教授和学界人士一看论文的导言就可以判断论文是否有学术价值，因为导言部分通常会对前人在某一个问题上所做的研究做出回顾和评价，然后以此 作为基础，提出自己的中心论点，即命题。”〔3〕而我们目前，音乐专业本科学生的毕业论文百分之九十以上没有这一部分。

（一）“综述训练”使学生对前人的学术成果一目了然，熟悉本课题的研究

现状、进展和困境，避免“重复研究”和“常识研究”。“按照德国学术规范，在大学学习期间，学生们就受到文献分析训练：要研究某个问题，先必阅读归纳有关这个问题的全部文献，然后再考虑自己能做什么。”〔2〕

（二）“综述训练”使学生正确使用引文、注释等。曲阜师范大学教授杨昌

勇认为：“学术论著注释和索引的规范化是学术规范建设的重要组成部分”[7]“西方的学术论文注释很长，实际上就是一种学术积累和保证学术发展的重要措施。如果不重视这种积累，就为剽窃抄袭制造条件。”〔3〕

（三）“综述训练”能够训练学生科学的逻辑思维方法，锻练学生覆盖专业

知识的能力。分析与综合是科学的逻辑思维方法，而撰写综述文章离不开分析与综合。只有掌握科学的思维方法，才能形成科学规范的写作思路。

（四）“综述训练”能够锻练学生查找和积累文献资料的能力。在这一过程中，学生学会各种检索音乐文献手段和方法；学生做笔记、做分类卡片，为毕业论文积累学问。厚积累，多看书、多搜集、多动手，根深方显凝重，厚积方能薄发。“抄一本书是剽窃，抄十本书是研究，抄一百本书是学问，抄一千本书是大家。” 〔2〕

五、

在音乐专业毕业论文工作中进行“综述训练”，既是必要的，也是行之有效

的培养学生撰写毕业论文和掌握做学问的方法。但要全面解决培养学生走向学术规范的问题，还应开设相应的课程，“学术规范”教育应成为大学生的一门必修课。其内容包括：音乐文献、音乐文献检索、著作权法、学术论文写作等。这门课程可称为《音乐信息文献综合检索与论文写作》。

在音乐专业开设这门课程，有必要与信息素养教育结合起来。当今，在“美

国，信息素养教育成了讨论热点。”﹝10﹞我国在图书馆界也进行了这方面的研究。图书馆员要在信息素养教育中发挥作用，责无旁贷。

从这门课程内容看，涉及音乐学、法学、图书馆学、情报学、写作学及计算机应用。要完成这门课程的教学，提倡图书馆员、音乐教师、法学教师、写作教师、计算机教师等多方合作开课，音乐教师讲授音乐文献部分、法学教师讲授著作权法部分、写作教师讲授论文写作部分、图书馆员讲授计算机检索和手工检索部分；辅导实习以图书馆员为主，专业教师亦积极参与，与图书馆员密切合作，这样才能收到良好效果。在美国，专业教师与图书馆员的合作，表现在两方面：“一方面，它意味着图书馆员积极走进学科教学的课堂，全面地深层地参与课程；另一方面，它要求教师把信息素质内容纳入自己的课程要求，接纳并主动寻求图书馆员的帮助与合作，双方协同进行课程作业活动等的设计师实施乃至评价。这是信息素质教育最基本的合作形式。只有通过它，信息素质教育才能直接惠及全体教育对象。”﹝10﹞美国的经验值得我们借鉴。

参考文献：

〔1〕蔡际洲．音乐论文的写作基础〔J〕．中央音乐学院学报，2004（1）．

〔2〕陈铭道．音乐学——历史、文献与写作〔M〕．北京：人民音乐出版社，2004：

〔3〕程千帆，巩本栋．贵在创新〔C〕．学术规范读本．开封：河南大学出版社，2004：324．〔〕郭英剑．〔〕杨玉圣．学术腐败、学术规范与学术伦理——关于学术道德建设的若干问题〔C〕．697．〔〕张国春．近期学术界关于学风问题讨论综述〔C〕．*128．〔〕刘南平．法学博士论文的命题和注释——简评我国法学研究的流弊〔C〕．497．〔〕王笛．学术规范与学术批评——谈中国问题与西方经验〔C〕．194页．

〔4〕黄栩兵．文献综述的写作〔J〕．人民军医，2004（4）．

〔5〕杨沐．我国音乐学学术论文写作中的几个问题〔J〕．音乐研究，1988（4）．

〔6〕郭旗．音乐文献的特性〔J〕．星海音乐学院学报，1997（3）．

〔7〕童小燕．谈音乐期刊文献的开发利用〔J〕星海音乐学院学报，1995（3）（4）．

〔8〕王振铎主编．编辑学通论〔Z〕．开封：河南大学出版社，**：94页．

〔9〕葛发智，陈崇铨．学位论文的要求、准备与撰写能力的自我培育〔J〕．大连海事大学学报，1996（3）．

﹝10﹞王朴．为信息素质而合作——来自美国的启示．大学图书馆学报2005（1）

大学音乐结业论文范文第2篇

本次大会的主题是“音乐传播与文化发展”。10月27日国内相关专家作了大会主旨发言，28日上午进行了分组讨论，分会场的议题分别是：音乐传播教育与区域文化产业发展；音乐传播学的理论与文化发展策略；民族音乐文化与国际交流。其内容涉及音乐传播学的学科性质、研究方法，音乐传播教育，民族音乐的文化变迁，商业环境下的音乐传播，音乐传播与艺术管理，音乐著作权，大型音乐演唱会的策划，文化创意、文化产业发展，网络音乐传播，音乐传播声学、音乐治疗学等多个领域。

一、学科建设深化与教育体系建立

与前两届研讨会相比，本次会议音乐传播的学科建设与教育依然是代表们所关注、讨论的主要议题之一。学者们认为，学科的属性、定位问题应从学理的层面继续深化；学科的研究方法应多样，其基本方法应采用人文类研究方法(即定性研究的方法)、实证类研究方法(即定量研究方法)相结合；学科的发展应与自然学科相结合，如传播声学、治疗学等；音乐传播与产业化之间的关系等。

《音乐传播的时空关系研究》(曾遂今)基于“对音乐传播现象是怎样依赖于时空的?人类音乐传播活动的发展演变，又是怎样影响着音乐传播活动赖以生存的时空环境?在今天音乐传播时空变化的条件下，我们的音乐文化面临着什么样的挑战与机遇”等问题的思考，将音乐传播方式归纳为音乐的“零信道”传播、“信道”传播、“盲信道”传播、“网络信道”传播四种模式，由此产生两种效应：时空同向效应和时空反向效应。也是因为这两种时空效应观念，从而对音乐文化中的一些美学问题有了新的认识。通过对音乐美学、文化人类学、民族音乐学在研究音乐本质问题上的探究，为今天的音乐传播学研究奠定了一个重要的方法论基础：在音乐传播现象的研究中，把握时空观念，以时空作为该学科的切入点之一，是音乐传播学对音乐传播现象考察的关键环节。

《流动的声音景观――音乐传播与地域分布研究方法新探》(薛艺兵)通过对“声音景观”概念的界定和其理论引申的阐发，探讨了这一概念在音乐地域分布研究和地方音乐历史流变研究中值得思考的新理念和新方法。文中还提出“流动的声音景观”概念，并对其学术含义进行了理论阐述，指出音乐分布和传播研究应突破以往静态研究的局限，以时间和空间双维度动态变化的新视角去审视在历史过程和地理分布中流动变化着的“声音景观”。作者认为西方民族音乐学近年来常用的“声音景观”一词是一个值得肯定和推广的学术新概念，这一概念对于扩展我们有关音乐空间理念的认识具有理论价值，对于深化我国音乐传播学和音乐地理学的研究具有方法论启示意义。在发言时，作者就音乐的时空语境做了进一步的阐释，提出了空间概念、时间概念、传播方式、音乐声音手段分类。

《再谈音乐传播学的学科建设》(汪森)用图表分析的方式，从我国现行的学科设置、体系出发，通过与艺术学、传播学、音乐学的比较，并就美国该专业的发展状况提出：(1)音乐传播学科的学科属性与学科地位。认为音乐传播学不属于横向交叉学科、综合交叉学科，而应围绕音乐与传播的本质构建其学科体系的内容和框架。(2)音乐传播学的研究对象与学科关系，在音乐传播的研究对象与范围方面，可分为作为音乐美学的音乐传播和作为音乐社会学的音乐传播学两个层次。学科关系借助传播学的视角、观念、方法，结合音乐史学、民族音乐学、音乐美学进行研究，至于哲学、美学、心理学、社会学就更是传播学直接的理论来源。

《音乐传播导论》(赵志安)运用传播学的研究视角，指出所谓音乐传播，是指“信息化的音乐文化在社会环境中被交流与共享的系统活动过程”，进而提炼出作为学科范畴的音乐传播所具有的特征：(1)音乐传播是一种特殊的信息传播活动，其内容就是“信息化了的音乐文化”。(2)音乐传播是一种特殊的社会传播活动，主题是社会关系中的人，其活动的展开受到多重社会环境的影响。(3)音乐传播是一种动态的系统传播活动，其中包括多种传播行为和系统活动过程。(4)音乐传播是一种独特的艺术传播活动，其本质是依托音乐艺术符号和共同的艺术经验，音乐信息在音乐传播的传播、接受主题双方之间引起心灵共鸣的一种精神交流行为。

有关学科建设的论文还有：《实践是音乐传播学的永恒话题》(陈荃有)，认为音乐传播的实践性很强，应密切联系具体研究对象和实践活动，充分挖掘音乐传播活动的特殊性。《流氓学视野中的音乐传播》(陈镇华)，运用跨越了社会学、政治学、文化学和美学等多重论域，解析音乐传播过程。《“施之予鱼”不如“授之予渔”》(佟雪娜)，论述了音乐传播调查方法的分类及步骤的重要性等。

音乐传播学的研究刚刚起步，建设具有科学体系的理论条件还不成熟，学科建设将是一个长期的过程。音乐传播学学科理论是建立在传播学基础之上，“对于音乐信息及其传播活动规律的深入认识，不仅要音乐学的知识素养，还需要依托一般传播学中的理论和方法，并且广泛吸收艺术审美、人文社会科学、经济学、市场营销学、管理学乃至相关法学等多方面的学科知识”。尽管传播学是音乐传播学的学科基础、知识基础、观念基础，但音乐传播学毕竟还是音乐学领域的一个分支学科，其研究更多地表现为“音乐学领域的传播学研究”，偏重于从音乐学的角度来研究音乐的传承、交流、传播。所以，从音乐美学、民族音乐学、音乐社会学、音乐治疗学等诸多学科中汲取营养，从而丰富本学科的理论来源，对于构建音乐传播学的哲学基础和理论源泉无疑具有重大的意义。

王建元从我国音乐传播学科的历史与现状出发，介绍了南京艺术学院流行音乐学院音乐传播专业的定位，即以音乐学、传播学、管理学为基础，整合现代传媒、音乐文化事业 和产业等多种组合方式和管理手段，着力培养适应现代传媒和音乐事业、产业的应用操作型、复合研究型的高级应用性音乐人才。对于音乐传播学科建设的设想，他提出四个方向：一是培养音乐传播(音乐编导与策划)人才；二是拓宽音乐商务渠道；三是加强音乐传播研究；四是尽早开设音乐疗法专业方向。

宗晓军则从中央音乐学院艺术管理学科的成长历程，坚持认为实践是一个学科核心理论成长过程中的必走之路，新兴学科的理论形成与总结应该建立在从“实践中来，到实践中去”的理念基础之上，而人才的培养必须和实践、就业紧密联系起来，从而形成有中国特色的艺术管理学科。

曾原纪则主要对中国传媒大学音乐传播专业的发展和建设做了简单回顾，就该校在广播、电视、因特网等媒介教育领域的优势和培养人才的体系和模式做了简单分析。

《由南广模式引发的思考》(周烨)通过对中国传媒大学南广学院近几年的办学经验和自己教学的分析，尤其注重在课堂教学和实践教学的过程中渗透创新教育的特色，认为面对音乐产业化的发展趋势，努力为学生寻求可持续多元发展的道路，走实用性和创新性的人才培养模式是一条必由之路。

由于音乐传播所具有的跨学科性质，因此对于该学科人才的培养尤显重要。在我国现阶段，艺术管理与音乐传播实际上是两种不同的表述，实质基本上是一致的。有的专家认为，音乐传播人才要有全面的知识结构，在立足于传播学研究的视角上，把对音乐传播这一特殊信息传播的研究，与多学科的知识理论联系起来。然而，当面对艺术管理专业或音乐传播专业学生时，有相当一部分人的认识仍然很模糊。所以培养什么样的人才，怎样培养这种人才，如何建立合理的教育体系、就业体系，也是当前亟待解决的问题。

二、传播现象分析与民族音乐传播

音乐传播是一种社会现象，是在人与人之间所形成的社会关系之间实现的。音乐传播现象也是一个漫长的历史现象，因此，在对现实关注的同时(媒体新技术)，离不开历史与传统(民族音乐)，只有在音乐历史和音乐现实中充分地研究音乐传播问题，通过历史与当代的比较，才能发现音乐传播的规律，揭示音乐现象的本质。

《江南丝竹的传播》(伍国栋)通过江南丝竹历史的、现实的传播事实，尤其是对“天下彝家第一寨”迤沙拉的实地调查和对近现代江南丝竹的外传事实的梳理，运用个案分析与史料研究相结合的方法，认为在音乐传播学的研究视野中，居于核心位置的操纵音乐之主题成员流动，应当是音乐传播方向、途径、范围、影响诸多内容判断之根本的或核心的依据。根据这一乐种的传播现状而言，在现当代音乐传播学的研究视野中，物质的、人文的、精神的诸多因素，共同组成了音乐传播、流动、扩散的综合条件。现代音乐传播学作为一个独立化的人文学科，也就成为了一个艺术、传媒与教育结缘的综合性学科。

《音乐传播视野中的曲牌考释研究》(冯光钰)在特别强调实地调查与地域文化相结合的作用下，对音乐传播中的“传者”与接受者的“受众”的研讨，运用定性、定量结合的方法，将众多的曲牌放在传播视野中进行考释研究，通过追流溯源，力求找出各种曲牌及其变体的血缘关系及变化规律。

《音乐传播媒介与原生态文化保护》(吴非)通过参与中央电视台“中国民族民间歌舞盛典”栏目编导工作的体会，对原生态文化传播理念、特点等进行了分析与梳理，并对原生态文化的保护提出了自己的思考。

《“作曲包揽制”、非繁衍性传播与中国戏曲声腔的“太监化”》(周来达)，通过对目前戏曲音乐中出现的不良现象的分析认为，只要强大的戏曲音乐自身的繁衍能力能继续存在，戏曲和戏曲音乐的生存就大有希望，当务之急是要抓住戏曲音乐“创作”、“传播”两个根本环节，改变策略，恢复民间戏曲的主体意识和音乐创作机制等，努力改变戏曲音乐的生存环境。

《南高洛古乐本土受众的观演及听闻状况之田野观察》(邓志勇、史东宁)通过田野个案的描述，以南高洛音乐会的本土受众为重点，考察当下古乐的观演和听闻状况，强调本土受众在民间音乐活动所显示出来的流动性和行为的多元性，并初步讨论了本土受众对民间音乐传承和发展的重要影响。

《大众传播的多元化音乐传播》(曾田力)就作者自己在北京搭建的传统文化传播平台为例谈了体会，进而从文化身份、文化认同、文化重建的角度提出了应加强对中西文化的深入了解。在此基础之上，运用多元化的传播交流手段，最终建立文化生态平衡，改变中国传统文化弱势的不利局面。

《试论数字时代新技术媒体对音乐传播的影响》(庄元)，尝试用传播学的视角就数字时代新技术媒体(主要是指以数字技术平台发展的与音乐传播直接相关的数字音视频、计算机与MIDI、广播电视、互联网、移动通讯等个人媒体和大众媒体)对音乐传播的影响做较为深入的分析。

《当中国音乐家遇到传媒革命的挑战》(冯效刚)从以数字化为代表的传媒革命对社会的影响出发提出：中国音乐家必须面对大众流行音乐文化的挑战；中国音乐家必须争夺大众传媒的“话语权”。

《论音乐传播中的现场互动行为――多重音乐语境中的比较视野》(张谦)力图将音乐传播中的现场互动行为还原到具体的音乐文化语境中，以多重语境的视野比较了西方艺术音乐、北印度古典音乐和流行音乐语境中典型的互动行为，关注互动行为产生的原因和结果。

除此之外，还有学者从音乐编辑学、新技术媒体、音乐心理认知等的角度，分析、阐述了自己的观点。

民族音乐的传承与发展是当代的一个重大命题，运用音乐传播学的视角，或者立足于以民族音乐的土壤为资料源泉，针对历史的、当代的音乐传播现象和行为，来探讨千百年来中国传统音乐文化的变迁和发展。或者把研究的视野聚焦于当代的音乐生活，结合现代高科技，诸如媒体、网络、电视等来研究音乐传播现象的新发展。尽管上述每位专家、学者观察问题的角度和层面不尽相同，但无论怎样，殊途同归，都会促进民族音乐传统和现实的研究与发展，深化民族音乐传承与发展在当代意义的认知。同时也充分说明了在研究文化变迁过程中，从音乐传播学的角度切入必将大有可为。

三、音乐传播事业与文化产业

“音乐除了拥有文化产品的特质之外，还有商品特质，音乐产品尤其是大众流行音乐产品更多地成为以商业利益为主而产制与分销的商品。”但是，盗版、侵权的发生不仅因为暴利的驱使，其最直接的原因在于大众媒介的传播方式。大众媒介，尤其是广播、电视、网络提供了极为便利的音乐传播环境，使我们无时无刻不在与音乐发生关系。在我国，由于科技的高速发展和法制建设的相对滞后，音乐著作权的保护受到了严重的挑战。

《科技与版权夹缝中的音乐产业――从P2P技术所带来的音乐侵权问题谈起》(姚 杰)，以P2P网络传输技术为例，认为音乐产业的前提在于传播科技的发展，而版权问题又是传播科技中音乐产业遇到的根本问题。作者从音乐传播科技发展的历史趋势、音乐艺术功能的社会共享性、音乐版权产业的利益博弈行为等综合角度出发，提出国家应借鉴国外的成功经验，加强版权法的建设，积极引导传统唱片业与新生技术之间相互整合，构建一种和谐的利益分配关系。

《盗之道，非常道――对中国音乐传播活动中侵权现象的思考》(冯玲)，以“音乐传播产生权利”为基点，运用音乐社会学、音乐传播学的视域，试图在音乐传播活动背景下，来探寻音乐作品使用中的各种侵权现象及其原因，从而提出了在传播中加强音乐著作权保护的意义。

文化传播从业人员张正军从文化产业的角度出发，结合自己公司在运营方面的困境，建议音乐传播要与商业紧密地结合，希望各位专家把好的理论导人到市场中来，以便规范文化市场运营，建立健全的市场法律保护机制；建立良好的音乐传播教育体系，在培养学生知识养成的同时，也要积极培养学生良好的职业素质，讲诚信、不浮躁。

《音乐出版界的思考》(杜晓十)认为，中国是一个文化资源大国，但在文化产业上是一个弱国，究其原因是我国的文化产业体系还未完全建立，相关的体系保障还不健全。通过介绍人民音乐出版社近几年的发展，比较了国外专业音乐出版社的出版与经营状况，结合这几年和国外出版界的横向合作情况，提出了加强数字化出版的设想。

《文化产业与音乐的著作权》(谢涛)通过案例分析，就日本文化产业的运行、音乐著作权的保护做了详细介绍。认为日本的文化产业模式值得我们借鉴，在政府重视文化事业的发展下，他们不仅从艺术创作到所属公司再到所属的行业协会形成的一系列相对完整的文化产业链条，还有健全的法律保障体系支撑着文化产业发展。文化产业的良性循环保障了文化事业的健康发展。

《我国流行音乐产业环境分析及其发展》(黄德俊)从流行音乐产业的概念及特征出发，利用产业理论对流行音乐产业的一般环境和行业环境进行梳理，尝试运用SWOT方法分析其所具有的优势与弱势和面临的机遇与挑战，并对我国流行音乐产业未来发展的途径提出了几点建议。

另外，还有一些学者、文化产业职业经纪人就文化事业和产业间的关系，原创音乐在网络交易中遇到的一些困境，尤其是涉及到著作权的问题，唱片公司的经营理念、运作模式和成功经验，中国演艺业宏观管理中的政府角色等有关问题做了深入交流和探讨。

会议期间代表各抒己见，相互借鉴，取长补短，取得了一定的进展。首先，积极推动了音乐传播和音乐传播学的纵深发展。本次会议对于学科属性及定位的探讨，尽管个别问题(学科属性)还不统一，但是增强了大家对本学科整体的认识。针对诸多的音乐传播现象，观察问题的方法、思考问题的角度有所提高。关注现实生活，关注文化事业，关注民族音乐的传承与发展等内容得到与会代表的共识。其次，会议代表大部分都是年轻人，其中硕士生、博士生、年轻教师所占比重较大，对一些新的音乐传播现象，如“粉丝经济”、“3G音乐手机”等给予了积极的关注，表现出这门新兴学科的发展潜力和蕴含的活力。纵观此次会议，笔者以为还有几个亟待解决的问题：(1)作为一个全国性的学术组织，参与的广泛性有待进一步提高。虽然出席本次会议有部分文化产业的职业经纪人，有利于音乐传播与实践的密切结合。但是，对于一个学科来讲，参会单位比较集中，缺少师范性或综合性大学的参与，缺少政府文化部门的参与，缺少全国性的参与，不利于该学科的全面建设。(2)音乐传播学的学科建设需要进一步深化。音乐传播学既然是一门人文学科、自然学科结缘的交叉学科，那么音乐传播的一些基本问题就必须清楚。如音乐与传播的关系，音乐传播的目的、本质、社会功能，音乐为什么会传播，传播的特性，音乐传播与音乐传播学之间的关系，建立音乐传播学的学科理论与学科体系，音乐传播学的学科方法论，音乐传播事业与传承民族文化的关系等等。(3)尽快建立完善的音乐传播教育体系。近几年来，全国各地纷纷建立起艺术管理本科专业，艺术管理与音乐传播之间的关系究竟怎样?各地都是“摸着石头过河”，认识却不尽相同。学生认识模糊，社会认可率不高，似乎艺术管理的人才什么都会，但什么都不懂。从培养目标、教学大纲、教学内容、课程设置、课程结构、课程体系、人才培养模式等都不尽相同，更缺乏专业教材。要汲取好的经验，构建招生――教学――就业一体化的良性循环机制，建立合理的音乐传播教育体系，是学科建设发展的需要，也是时代的呼唤。

大学音乐结业论文范文第3篇

严格地来讲,中国的专业音乐教育始自1927年成立的上海音乐院,后改名为“国立上海音乐专科学校”,而“专业”这个名词,其内涵是十分现代化的。从这个角度来探讨香港的专业音乐教育,本文在时期上的上限应该是在第二次世界大战之后,因为香港在割让给英国(1941)之后论文直到抗日战争(英国称之为“太平洋战争”)战胜(1945),不仅没有专业音乐教育,连中、小学音乐教育都可有可无。假如“专业音乐教育”是指从音乐教育机构培养出来的毕业生,学成后可以在社会里各个音乐行业从事实际工作,如演奏、指挥、作曲、音乐行政管理、主持广播节目、为电影配乐、灌制音乐录音,等等,那么大学音乐系或音乐学院的毕业生算不算“专业音乐”人才?若依照律师、医生、建筑师、会计等专业标准来要求,大学音乐系或音乐学院的毕业生还不能算是合格的专业人员,因为他们没有像律师、医生、建筑师、会计师等专业那样,在大学毕业后经过一两年实习、考牌及格后成为正式、拥有执业资格的专业人员。

音乐学院毕业的演唱、演奏、指挥、作曲系学生当然可以算是“专业音乐”人才,但音乐学系和大学音乐毕业生则只能算是“学者”,不是“专业音乐”家。也正由于这个原因,伯恩斯坦、马友友等人读完哈佛大学学位后,还跑去寇蒂斯、朱莉娅音乐学院进修演奏技巧。我提出这个问题,是想提醒音乐教育界的决策者,在制定高等和专业音乐教育策略上分清学术、理论和技巧等不同领域、不同的标准和要求。依我个人之见,学作曲、演奏、演唱的用不着去念博士,因为他们最终的目标是要成为“大师”(Maestro);学音乐学、音乐美学、音乐史和理论分析的则需要攻读博士,因为他们最终的目标是要做“学者”、“教授”。本文所讨论的“专业音乐教育”,是指香港中学教育以上的音乐教育,包括大学音乐系,演艺学院里的音乐学院、私立音乐专科学校和私立音乐学院。

一、历史背景专业音乐教育在香港最初是以业余兼时形式出现的。抗日战争胜利后,国共内战,一些共产党员音乐工作者于1947年4月初在香港成立“中华音乐院”,院长由着名小提琴家马思聪担任,但实际工作由从上海南下的赵和李凌负责,真正的领导是中国共产党南方局党委。这所音乐院集中了为数颇多的音乐家任教,也培养了不少的学生,以声乐歌咏为主,电影音乐为次。1949年中华人民共和国成立后,音乐院的部份教师留港发展,大部份则北返大陆,成为中国内地的音乐干部。中华音乐院结束后,另一所夜间“以培养宗教音乐基本人才,促进圣乐布道工作”为宗旨的“基督教中国圣乐院”成立。抗日战争时期在重庆青木关国立音乐学院毕业的邵光于1950年在香港教育署立案注册“基督教中国圣乐院”为专科音乐学校。这所专科音乐学校于20世纪70年代中自置校舍,并改名为“香港音乐专科学院”,现以培养中级音乐人才为主,学生毕业后名继续深造进修,有的则返回东南亚国家工作。上述两所专业音乐教育机构是在香港经济非常因难的时期成立的。

到了60年代初,德明书院和清华书院也先后建立了音乐系,前者只办了两年(1961~1963),后者则一直坚持到70年代。70年代末80年代初,岭南书院(后升格为“学院”,再于1997年成为香港政府资助的“大学”)也办了一阵子音乐系,由于过于昂贵,于80年代初结束,部份教师与学生分别分配到香港中文大学音乐系和新成立的香港演艺学院音乐学院。此外,香港联合音乐院和海燕艺术学院于1969年成立,前者以报考英国皇家音乐学院在香港的公开考试为其主要招生来源,故就读学生不少;后者则难以为继,于90年代末结束。1975年成立的南方艺术学院,后改名为“黄自艺术学院”,现在事实上已变成个别教授的音乐“私塾”。与“官方”关系较密切的一批音乐界人士于1978年7月成立“香港音乐学院”,为不牟利并获慈善捐款的专业音乐教育机构,规模远较上述各“音乐院”和“艺术学院”为完善———在[文秘站－您的专属 秘书！]香港艺术中心租了近万英尺的地方,可收学生90名、雇用兼职教师20余名。这所音乐学院于1985年合并入香港演艺学院音乐学院。从上述音乐院、艺术学院和下文所叙述的大学音乐系以及香港演艺学院音乐学院看,香港的专业音乐教育机构大致可分为三个层次:1.夜间上课的私立民间学校。2.私立专上学院、书院如清华书院、岭南书院的音乐系。3.香港政府资助的香港中文大学和香港大学的音乐系、浸会大学的音乐及艺术系以及香港演艺学院音乐学院。

二、目前的专业音乐教育目前,香港培训专业音乐人才主力由香港中文大学音乐系、香港大学音乐系、浸会大学音乐艺术系以及香港演艺学院音乐学院四院系负责。在上文提及的《香港的音乐(1841~1993)》一文里,我已交代了这四个院系从成立到90年代中的教与学以及研究的情况,下面将谈谈他们的近况。

大学音乐结业论文范文第4篇

关键词：高校音乐专业；理论课；课堂教学

一、高校音乐专业理论课课堂教学的发展现状

高校音乐专业理论课指的是基本乐理、视唱练耳、音乐史论类课程和作曲技术理论类等课程。随着高校音乐专业理论的不断深化，在提高教师对理论课程认识度的同时，也促进了音乐专业教学模式的转变。针对于高校音乐专业理论的发展现状，高校在合理安排课程的基础上，也适时调整了相应的发展策略。高校音乐专业理论课堂教学的不断完善，不仅丰富了音乐理论课的教学内容，同时也提高了学生的学习兴趣和专业化知识水平。高校音乐专业理论课课堂教学的现状主要包括以下几方面：

1.教学内容缺乏民族性传承

在音乐专业的理论课程中，有很大一部分的教学是利用西方的音乐理论和音乐标准来学习的，这样不仅造成了我国传统音乐文化的流失，同时也不利于增加学生的学生兴趣。随着娱乐性音乐逐步兴起，原有的民族文化几乎被其埋没，而且学生在学习的过程中没有较高的重视度。可见，音乐专业理论本身不仅能有教育的功能，也在一定程度上传承着我国的传统文化。

2.理论教学缺乏与课堂实践的结合

高校音乐专业理论课的学习，不是单纯的学习音乐理论与音乐史的课程，而是要在学习音乐理论的基础上，注重音乐理论与课堂实践的结合。音乐理论本身是比较枯燥、乏味，很容易影响学生的学习兴趣，这也就影响了音乐理论课教学的顺利进行。适当增加理论与实践的相互结合无疑对提高学生学习兴趣、营造良好的课堂气氛，以及取得更好的教学效果是有很大帮助的。所以，教师在传授音乐理论的同时，一定要注重音乐理论与课堂实践的结合。

3.教师对教学内容缺乏深度认识

在高校的音乐专业理论课堂上，教师不仅是传授知识的主体，同时也是连接学生和知识的纽带。由于，音乐教师在教学中没有适时更新传统的教学理念，没有将音乐理论的相关知识与国外的研究相结合。这样就致使音乐理论课的学习没有新鲜感，而且课堂也显得过于呆板。可见，教师的对音乐专业的认识度不仅影响着学生的学习兴趣，同时也影响着音乐专业的教学质量。

4.教学设备与教学模式缺乏更新

随着科学技术的不断发展与进步，引进先进的科学技术是完善教育体制发展的趋势。但是，在很多高校并没有使用先进的教学设备，而且教学模式也过于落后。这样就制约了音乐专业理论知识的深入学习，同时也在一定程度上影响了学生主观学习意识的积极性。可见，教学设备与教学模式的更新是高校提高教学质量的必要手段。

二、高校音乐专业理论课课堂教学的改革策略

随着教育体制的逐步改革，高校的课堂教学模式也在逐渐的发展与完善。在转变传统的教育理念与教育模式的基础上，实现高校音乐专业课堂教学模式的有效性、规范性。对高校音乐专业理论课课堂教学的改革主要包括以下几方面措施：

1.注重因材施教，开发探索式教学

由于人与人的学习能力与思维方式不同，这就导致学生问的学习水平存在着一定差异性。所以，在高校音乐专业的理论教学中，教师要注重因材施教，针对于不同学生的特点，采取适应其发展的教学方法。教师可以将具有相似的学生安排在一个班，这样便于统一授课。这样，不仅提高了学生的学习兴趣，同时也提高了教师的驾驭能力。可见，这种教学方法不仅提高了教学质量，同时也促进了探索式教学的开发。

2.革新教学理念，加强师资建设

在高校音乐专业的课堂教学中，教师不仅是连接学生与知识之间的纽带，同时也是教学理念的承载者。因此，教师队伍的建设不仅关系着音乐专业理论课的质量，同时也是积极发挥教师主体作用的必要手段。因此，学校应在提高教师对音乐理论认识度的基础上，适时作出合理的课程安排。在传统的教学观念中，只注重教师的教而忽视学生的学，这样的教学观念不仅限制了高校音乐专业课堂的丰富性，同时也不利于激发学生高度的学习热情。

3.注重理论与实践的结合，突出教师的启发性

在高校的音乐专业中，教师不仅要具备专业的理论知识，同时还要注重学生实践能力的培养。可见，教师的职责不是传统的理论讲解，而是应在传授音乐理论的基础上，实现音乐理论与实践的结合。随着与音乐相关的比赛逐渐增多，学生对实践能力的重视也逐步提高。在传统的教学模式中，教师的讲占主导地位，这样就忽视了学生的自学能力。因此，在转变传统观念的基础上，提高教师对音乐理论的认识度，以便实现音乐专业理论课的顺利进行。

4.更新教学设备，优化课程结构

随着科学技术的不断发展与深化，高校应注重教学设备的引进与应用，同时也要适时转变传统的教学模式与教育理念。为了满足学生的求知欲，高校应适时开设与音乐专业相关的课程，在学习基础理论知识的前提下，不断增加相关的专业知识。这样，不仅能优化高校音乐专业的课程结构，同时也能提高高校音乐专业理论的课堂质量。

总结

在高校教学的发展道路上，课堂教学不仅是影响其顺利进行的关键环节，同时也是学生学习理论知识的重要纽带。因此，在高校音乐专业的理论课堂上，不仅要革新传统的教学理念与教学模式，同时也要注重理论与实践结合。随着教育体制的改革与转变，最终实现高校音乐专业理论课课堂教学的创新与完善。

参考文献：

[1]徐希茅，徐飞.地方院校创新音乐教育人才培养模式的改革与实践[J]中国音乐.2007(1)

[2]中共中央国务院.关于深化教育改革全面推进素质教育的决定[N].中国教育报.2000－06－17(1)

大学音乐结业论文范文第5篇

一、评奖活动

中国音乐评论“学会奖”和“人音社杯”书评奖与中国音乐评论学会同根并蒂产生，一直以来都是学会工作中重要的组成部分。此次“人音社杯”书评奖共有28篇获奖文章，分别为本科组一、二等奖各7名。“学会奖”共15篇文章，一等奖3名、二等奖4名、三等奖4名。

戴嘉枋代表评委会进行点评来稿问题：1.文章多为书评，对鲜活的音乐生活关注度不够。其症结在于“听音乐太少”，他用“纸上得来终觉浅”来形容此类文章，倡导关注社会音乐生活才是音乐评论得以发展的长久之计；2.获奖文章集中在几所院校中，～方面反映出这些院校的参与带有明显组织性，应该鼓励和提倡。另一方面也反映出“文章内容雷同”的缺陷，尤其是“书评”类文章多以几个专家的某几本书为主。对此他建议“书评的写作要打开眼界、拓宽思路，在书目范围上更丰富，这样才能有利于整个学术视野开拓。”3.文风、结构太相似，在立意和文风上缺乏新意，究其原因是“学院式”教育模式的结果。他指出“评论写作是在对评论对象有广泛涉猎的基础之上，对其优、劣有所见地的评价，不是说套话”。笔者认为，指导教师应该特别关注这个问题，多反省自己的教学，思考如何培养学生的创造性思维。最后他呼吁“音乐批评的从业者们应投身到社会音乐生活中去”。明言结合往届“学会奖”的情况指出：本届评奖文章在以下几点有所提高：1.研究深度有所深入、文化视野有所开阔；2.涉及音乐活动更为广泛；3.作者来源广泛。虽然仍以高校为主，但也有社会上的音乐爱好者参加。与此同时，他还指出两个问题：1.评论文章以出版物学术评论为主，书目选择过于狭窄；2.文章内容对社会音乐生活关注度还不够全面。两位老师的点评集中了评委会的意见：“音乐批评应该全面地关注社会音乐生活、反映社会音乐生活，真正成为社会音乐文化传播、交流的一部分，只有这样才能充分体现音乐批评对社会音乐文化生活的引领作用。”

二、学术研讨

学会研讨主要围绕着音乐评论的学风和文风问题展开。

学会会长王次熠发言认为：一、音乐评论写作要加强学术自觉性，表现在三个方面：1.选题自觉性；2.评论态度自觉性；3.评价内容自觉性。他以《纽约时报>中音乐评论的例子作为范本，指出音乐评论不是一味的阿谀奉承或者挖苦讽刺，而是能够发现音乐生活中的硬伤，并一针见血地指出，使其在学术高度上有所提升。二、呼吁音乐评论关注社会音乐生活。这一点与评奖环节的呼吁一致，他认为“长期以来集中在专业音乐院校中的音乐评论，习惯以一种学院式（“四大件”技术模式）的眼光来评价音乐，显然这对于丰富的社会音乐生活来说是单一的。”解决此问题的第一要务，是吸收社会乐评人，“用多种眼光去评价音乐”。另外他还提出“专业音乐评论的意义是运用我们的专业知识来帮助、促进社会音乐生活进步，真正推动社会音乐生活发展。”三，强调批评意识在各个专业研究领域的重要作用。他说：“所有的音乐研究领域都应该重视批评意识，它是使研究取得学术提升，推动其深入的重要因素。”他还倡导音乐评论界要成为学术民主的领地，老一辈的专家学者不以“学霸”、“权威”的姿态对待莘莘学子，年轻学生更不能妄自尊大、一味批评前辈思想僵化，而是要客观公正的评价学术问题。最后他对学会寄语：“多产生高质量的音乐评论，使音乐评论真正地推动社会音乐生活进步。”王次熠的讲话触及到了音乐评论写作、社会作用、学风建设等多方面的问题。“三个学术自觉性论题”对音乐评论写作具有启示意义，关注社会音乐生活的提议开阔了音乐批评活动视野，强调批评意识建立和对学术民主的呼吁更是体现了音乐批评对社会文化所承担的职责。

上海音乐学院杨燕迪教授以《论音乐评论写作的文字表述>为题发言。作为活跃在当代的专业乐评人，数十年来他不仅积极投身评论写作，发表了多篇音乐评论文章，还对音乐评论写作的方法论和教学有深入研究。他以自己多年的写作经验告诉大家：音乐评论的写作首先要好看、耐读，其次要清楚自己的读者是谁，这是音乐评论文风的核心问题。对于文风问题他提出两个反对：警惕学院“八股”和避免业余“八卦”。一语中的直指当下音乐评论的通病，如何在两者之间取舍，他讲到音乐评论的最佳状态是文字表达与技术分析“你中有我、我中有你”，但是由于音乐无主题性、情感文字一般性以及评论出版篇幅限制等原因，写作中很难达到这种状态。面对挑战我们应该何去何从？答案是：“首先要意识到这一问题的存在，其次应积极地寻找方法解决。”随后他开列了三个方法：1.借鉴相关发达学科评论文章（如台湾文学评论家王德威）；2.学习同行业优秀乐评家的范文，如约瑟夫·克尔曼（Joseph Kerman）、查尔斯·罗森（Charles Rosen）、科恩（Edward T.Cone）等人。3.不牺牲音乐本质技术分析前提下，充分发挥文字的修辞功底（当然这需要长时间的磨练）。笔者在奋笔疾书做笔记时，也在思考一个问题：在依靠文字与音乐本体说话的音乐评论中，大量的阅读和广泛的倾听无疑是开启评论者写作灵感的不二法宝。

上海音乐学院韩锺恩教授发言《描写、表述与评价一兼谈上海音乐学院音乐批评教学与实践》。他认为：1.“学院式”批评教育应以艺术音乐为主要对象，尤其是正在上演的音乐会。音乐会评论写作要善于从作品入手去把握演出，作品整体结构、历史背景、文化历史价值等都是考量演出的标准；2.音乐批评的两种极端文风（纯粹感性语言描述或干冷技术分析）与音乐批评学科没有建立自己的学科语言有直接的关系。音乐评论亟待建立属于自己的学科语言，这种语言应该以音乐批评对象为基础，在描写时切中其特点，在表述时凸显个人语言风格，在评价时深入到文化价值高度；3.关于上海音乐学院音乐批评专业学生的培养，他谈到前不久学校举办的音乐评论评奖活动及与《文汇报》合作的音乐评论活动，提出音乐评论人才应该根据学生的兴趣爱好、学习经历术有专攻去培养，凸显个人特色；4.音乐批评学科建设，音乐批评意识应该逐渐渗透到各个音乐学学科研究中，“批评音乐学”是未来发展的新方向。他对音乐批评教育和学科建设所做的思考表现出了开阔的学术视野和超前的学科意识，对音乐批评的教育者们具有启示意义，对学科发展更具有指向作用。

《人民音乐》原主编张弦老师发言《热爱音乐、尊重音乐、解读音乐——关于音乐评论学风、文风的一些感触》。她指出当前一些评论文章之所以不好看或者比较干涩，主要原因是评论者写作时对评论对象没有付出热情，应付工作和出于功利目的写作都是不可取的。她认为，评论者首先要对对象付出热情，这是保证文章有血有肉、有生命气息的基础；其次要尊重批评对象，这体现着乐评人的职业操守。另外，她还谈到音乐评论中一味充斥溢美之词的现象，认为这是牵涉多方面利益的结果，也是音乐评论面临的一个雷区。呼吁乐评人要保持清醒的头脑和高尚的职业道德，以音乐艺术的品质为准则衡量作品，尽量杜绝此类现象的发生，这是社会赋予批评家的责任。张弦的发言切实反应了读者的心声，指出现实问题同时也给我们敲响了警钟，如何做一个真正热爱音乐、尊重音乐、理解音乐的乐评人？是我们每个从业者都应该思索的问题。《中央音乐学院学报》编辑部编辑高拂晓发言《精诚所至金石为开——从（中央音乐学院学报）审稿谈音乐学论文写作问题》。来自学报的大量的投稿是他发言的材料基础，他把审阅稿件分为综述、作品分析、学位论文、音乐表演评论、书评几大类，就这些论文中的问题进行细致分析总结，并结合个人经验一一提供了解决方案，同时提出文章写作者应注重培养“道德、问题、语言、自省”四种意识。他的发言直面每一个投稿人，一定程度上代表着期刊、出版社等平面媒体对文章的投稿要求，对写作和投稿具有普遍性的指导性。

甘肃音协彭根发老师发言《音乐评论要求真务实——谈音乐评论的文风问题》。他提出：音乐评论应该是音乐文化的“出入口”和“传播平台”，我们如何将这个平台的作用发挥到最大化，这取决于音乐评论的公信力和影响力，而这两种力来源于评论文风的求真务实。“求真务实”现在看来似乎有些过时，但恰是音乐评论文风问题的根源所在。我们碍于各种原因不敢“说真话”、“说实话”，实则是对“求真”思想的亵渎。试想：如果所有的演出和作品都被叫好包围，音乐评论还有何存在的意义和价值呢？天津师范大学孙光军教授以《科研评价体系与艺术学科规律的矛盾问题我见》为题发言。他从师范院校中科研评价体系与艺术学科规律的矛盾出发展开批评，认为：一方面艺术学科教师在学科专业上术有专攻，另一方面不同专业的教师在授课安排上有所不同，但管理者对他们的科研活动评价标准却毫无区别。这种矛盾引发了科研文章写作质量、可信度等一系列的问题，这与不科学的教育管理体制有直接关系。与此同时笔者还认为：这也反映出一些表演专业教师文字功底薄弱的现实，身为艺术文化的传播者，各个专业的教师都需要有扎实的文化基础，只有教育管理体制改革与教师文字水平提高双管齐下才能从根本上改善这些问题。

大学音乐结业论文范文第6篇

【关键词】 音乐教师 素质 教育 修养

音乐教师是音乐的传播者，是学校教育的实施者，“教育者必须先受教育”，因此教师应该首先提高自身的修养。从某种意义上来说，音乐课的开设目的，不单纯在于技能技巧的训练和培养，而在于音乐的传播和普及，音乐教学的主要任务，不是培养音乐家，而是培养人。中小学音乐教育必须抓住最本质、最核心的教育去培养学生感知、理解、评价、鉴赏、表现和创造音乐美的能力，开发学生的智力，并使学生在其中受到陶冶和思想教育。这就必须提高教师的素质和修养。

首先，音乐教师应当热爱自己所从事的职业，并为此而奋斗，同时高尚的人格和人生境界都是作为优秀教师的首要前提，具备全面的素质和修养是从事教学活动不可缺少的，同时要有历史使命感和责任感，这是做好教师工作的首要前提。

事实证明，从事任何教学活动，都必须具备全面的素质和修养。作为一名音乐教师，自然应当以全面的素质作为基础，同时，还应当具备较高的音乐素质和全面的音乐修养，教师应在以上的基础上再具体有所侧重。具体的说，音乐教师基础知识结构可分为文化知识和专业知识。

1 文化知识结构和基本素养

音乐教师的文化知识修养普遍比其他学科教师略弱一些，音乐教师应当理性的认识到自身的不足。广泛的文化知识修养对音乐专业的教学具有直接和间接的影响，其中尤其显得重要的是英语学科和计算机运用知识。

在21世纪的时代现代化程度非常高，若不懂的英语，可能成为时代的聋哑人，电脑、多媒体在教学中运用也是新课程标准中的要求及提高的教学方法。

音乐教师要多思考，思考是人们获得智慧的源泉。做一名音乐教师仅仅思考音乐本身的知识性、技术性问题是不够的，还应常思考与音乐和音乐教育相关的诸多方面的问题。这其中很重要的一方面就是音乐文化。因为音乐教师的教学对象是具有一定层次文化知识和文化素养的学生。他们往往会站在自身构建的文化视角而非音乐视角上来欣赏和理解音乐。为了我们的学生，为了做好音乐教师的工作，我们应该多思考、勤思考、善思考。思考使我们发现自身的不足，思考使我们有了提高自身的动力，思考使我们变得睿智。我们在欣赏音乐作品时，还要对作品的文化内涵去体验。一部优秀的音乐作品必定有孕育她的土壤，那就是作品后的大文化背景。对音乐作品文化的体验是我们上好音乐课的关键，却也恰恰是被很多音乐教师所忽视的。

文化知识与音乐教学是息息相通的，例如：音乐的历史发展与历史的车轮同时前进的，音乐的风格流派与历史的年代以及重大事件的发生是密切相关的，这充分的说明了文化知识修养与音乐之间有着紧密相连的关系。

应具备高尚的道德情操和革命的理想。有较高的思想道德修养，懂得职业道德，做到教书育人，尽职尽责，要勇于进取勇于创新，虚心好学，独立思考，具有坚韧不拔的精神。要热爱音乐教育事业，具有牢固的专业思想，关心和爱护自己的教育对象，具有培养人才贡献毕生精神。如果我们培养的音乐教师不具备这样的思想素质，即使专业素质好，也很难胜任音乐教育工作，这是在以往的教学中的出的结论。

2 专业知识结构

音乐专业知识有音乐史、音乐欣赏、民族音乐知识和音乐教学理论等学科知识的内容。在教学中音乐教师能娴熟的掌握各专业知识，灵活运用及丰富课堂教学又能大大的提高教师的自我素质。例如：所学知识不巩固，大部分知识很快淡忘，文化知识与专业知识不能紧密相连，缺乏相互联系的学习，最终并不能有效的发挥所学知识的作用，这就好比“竹篮打水一场空”。这样的课堂教学内容含金量并不高。总体来看音乐教师的音乐专业知识结构基本有以下几个部分组成：

2.1 专业精神：教师专业素质的重要内容之一，又称专业情意、专业道德等。它包括：“专业理想，即教师献身教育事业、爱岗敬业精神等；专业情操，即对教育事业的光荣感与自豪感，以及对教师职业道德规范的认同而产生的责任感和义务感；专业性向，即教师从事教学工作应具有的人格特征，如合作的、有责任心等；专业自我，即教师的职业认同感、满意感等。”只有具有专业精神的教师，才对充分调动自身积极性，努力提高专业才能，积极投身到音乐教育教学活动中。

2.2 专业知识：教师作为一名专业人员，必须具备从事专业工作所要求的普通文化知识、所教学科的专门知识和教育学科知识等方面，对这些知识的掌握应该是融会贯通的。因此，音乐教师应该具备：

首先，应具备一定的理论修养，包括艺术概论，音乐美学理论，美育理论，教育学，心理学理论，音乐教学的理论，马克思主义哲学理论，科学方法论的基本原理和音乐专业理论。

其次，具备相应的文化素质，只有专业技能缺乏文化修养，对提高专业水平和教学能力有着不利的影响。因此必须打好知识基础。如总结工作、写论文、总结经验、课堂教学语言规范等，没有语文基础和文学修养是难以胜任的。

再次，应具有音乐专业知识和技能，包括基本乐理，和声学，复调，初步作曲技术，视唱练耳功能，歌唱的技巧，合唱指挥和乐队指挥的能力，键盘乐器应有一定的技巧，合唱指挥和乐队指挥的能力，键盘乐器应有一定的技巧，还应掌握一种选修乐器，中外音乐作品分析和以音乐史，具有开展课外辅导活动的能力和创作能力。

最后，具备音乐教学法的基本理论。师范院校和在职培训培养的师资，不懂得音乐教学发，即使学生掌握了一定的专业知识和技能，也不能胜任教学工作，它只是完成了培养师资的部分任务，作为师范生在学习期间，应了解音乐教学大纲，明确教学的目的任务，教学原则，教学内容和要求。懂得初步教学方法，教案的设计，制定教学计划的一般原则。懂得评价课的标准，掌握音乐教学的基本结构，教学的组织方法，了解国内外的教学方法体系，懂得教学的基本原则。所以，教师应用真实情感启迪陶冶学生，使他们感到真，善，美，成为四有新人。

大学音乐结业论文范文第7篇

革命战争时期延安作为革命文艺中心，出版了大量民间音乐出版物，其中最具代表性，学术成就最高，影响最广泛的，是1939年成立的中国民间音乐研究会编辑出版的大批书籍、报刊。马可、安波、吕骥、张鲁等音乐家持续开展了民间音乐采集、研究工作，对口头传承的信天游、、秦腔等解放区所在地的民歌、民乐、戏曲等进行广泛采录、深入研究，在此基础上，编辑出版大量民间音乐的相关出版物。中国民间音乐研究会自成立后8年间，在民间音乐资料方面，出版10种民间音乐研究资料丛刊，还有编辑完成未出版的民歌集6部，这些都是延安音乐家的大量田野调查成果的汇聚，保存了大批鲜活的民间音乐资料。在民间音乐研究方面，出版会刊《民间音乐研究》（第一期），同时在延安各类音乐刊物发表了一批重要学术研究论文，主要是关于音乐家在田野考察实践中的采访心得、实践研究成果等，如《目前歌曲创作上的几个问题》（马可）、《歌曲中国化的实践》（焕之）、《论民歌的节拍形式》（吕骥）、《略论聂耳的群众歌曲》（麦新）、《试论歌词的八股》（安波）等，其中不少论文汇编于《民间音乐论文集》（1948年东北书店），此外还有些未正式出版的铅印、油印资料。

中国民间音乐研究会出版的民间音乐资料与研究成果，不仅推动了解放区音乐事业发展，也奠定了中国民族音乐学发展的重要基础，其独特贡献集中表现在：由于延安音乐家的民族音乐田野采录实践与理论研究，是在未接受同时代境外学者的有关学科理论，也未经过专业的民族音乐田野考察的业务训练背景下展开的，因此这些本文由收集整理成果作为民间音乐调查、研究等方面的系统理论总结，是完全建立在音乐家对解放区田野调查实践之上的，是在实地采录工作中总结出田野作业的经验与理论。这些理论成果主要集中于两篇重要论文，即吕骥撰写的《中国民间音乐研究提纲》（1941年撰，后不断增补，本文采用1947年东北书店《民间音乐论文集》版），张鲁、安波等1942年集体编写的《怎样采集民间音乐》（1942年《民族音乐》1卷5、6期合刊），它们是延安音乐家长期从事民间音乐田野实践工作的经验总结与理论提升。

1942年张鲁等编写的《怎样采集民间音乐》，对民间音乐采集目的，采集者业务素质，采集内容、步骤，以及如何记谱等问题进行了较全面阐述，它是民间音乐长期采录工作的经验总结。文章特别强调民族音乐考察的现场性，带有鲜明的“实地调查”科学方法色彩。对于采集民间音乐的步骤，该文强调采集前充分的准备工作：“要对该地区的地理环境，经济文化生活，风俗习惯语言人情作一般的了解……调查该地区民间音乐活动的实况”，因为采集者只有预先对对象具有一定的初步认识，接近它们时才不至于手忙脚乱。而对于调查者而言，“如果自己还会演奏一种民间最流行的乐器……进行采访时带着它，对于收集工作是有很大用处的”，因为这样更容易融入调查对象。由于革命战争时期民间音乐采访对象包括工人、农民、士兵、学生、妇女、民间艺人等，文章强调针对不同采访对象，应采取不同调查方法，尤其对妇女更要注意采用诱导的方法，因为妇女一般较难开口，所以采访者开始要由她们的日常生活谈起，然后再慢慢引到中心问题。她们一旦开口，就会提供出乎意料之外的丰富材料。这些都是得之于实践，弥足珍贵的民族音乐学田野工作的重要经验。该文提出民间音乐采集者应具备的业务素质，如“普通音乐的知识”、“辨别音的高低与写谱的能力”、“对节奏的理解”、“对方言的了解”、“懂得新文字的拼音法”。采集者业务素质在记谱环节表现最为突出，因为它最能体现田野工作的学术性。该文将记谱步骤做了非常细致的概括；对于记谱中存在的困难，也提出解决方法。

吕骥为更好地指导民间音乐研究工作撰写的《中国民间音乐研究提纲》，由“研究中国民间音乐的目的”、“研究中国民间音乐的原则和方法”、“民间音

乐的范围”、“应该研究的问题”四部分构成，对民间音乐的研究对象、研究方法、研究意义等进行界定，并对研究民间音乐的目的，应注意问题等进行阐述，至今仍是指导民族音乐学研究的重要指南，如《提纲》着重提出：对于民间音乐的研究，不应只停留在已出版的文字资料上，而“特别应当注意民间音乐在人民生活中应用演奏的情形”，原因在于，“一方面是因为许多形式上技术上的问题不是文字或符号所能说明的，更重要的是因为从民间音乐的应用与演奏中更能使我们了解民间音乐在人民生活中所占的地位，存在的价值，以及与生活相结合的情形”。这些源于实践的真知灼见，对今天民族音乐学田野考察与理论研究都有重要启示。

中国民间音乐研究会出版的民间音乐资料与研究成果，对于中国民族音乐学发展产生了重要积极影响。

一方面，采集的民间音乐资料与对实践经验的总结成果，成为新中国民族音乐学田野考察方法建立的重要基础，同时也为新中国成立后更大规模民间音乐普查活动积累了宝贵经验。其中，张鲁等编写的《怎样采集民间音乐》是解放区民间音乐采集工作实践经验的重要总结，对建立中国特色民族音乐学理论具有重要意义。比如文章对于记谱法的探究，就作出了独特的理论与实践总结。同时他们通过实践的摸索，逐渐总结出一些特殊的工作方法，如对于如何解决记谱困难就提出了解决办法。应该说，这些方法强调了客观、忠实的记录原则，并涉及对唱法、表情、嗓音的处理，真假声的互换，方言音韵，调式和语言等，这是对构成民间音乐完整性因素全面记录的方法，只有在真正深入学习、研究民间音乐的切身经历后，才能总结出如此科学有效的方法，它们完全是感性经验与理性思考的成果，成为记录民间音乐重要原则。而且，延安音乐家通过自身实践摸索出的田野作业方式，不仅符合民族音乐学田野工作基本要求，而且还在很多方面对中国特色民族音乐学田野工作方法的形成做出独特贡献。

大学音乐结业论文范文第8篇

【关键词】音乐教师；继续教育；对策

音乐教师是教师队伍的重要组成部分，是实施美育的重要力量，对于提高学生的音乐文化素质、陶冶情操，把学生培养成为全面发展的、有正确审美观和创新精神的、合格的技能型人才和高素质劳动者具有十分重要的作用。《中共中央关于全面深化改革若干重大问题的决定》强调：“改进美育教学，提高学生审美和人文素养。”教育部长袁贵仁在2014年教育工作会议上强调：要改进美育教学，充分发掘传统艺术资源，因地因校制宜，教会学生使用一两种乐器、培养一两项艺术爱好，提高学生审美情趣和人文素养。这对新时期音乐教育质量和音乐教师素质提出了新的要求。下面，就加强音乐教师继续教育谈谈个人看法。

1 加强音乐教师继续教育的意义

1.1 有利于推进音乐教师的专业化发展

当前，信息社化会的到来导致了知识爆炸，知识折旧率日益加快。据西德学者哈根？拜因豪尔统计，今天一个科学家，即使夜以继日地工作，也只能阅览有关他自己这个专业的世界上全部出版物的5%。有人统计，一个学生在校学习只能获得需用知识的10%，其余90%都要在工作中通过不断学习来获取。正如《庄子》所云：吾生也有涯，而知也无涯，以有涯随无涯，殆已。由于音乐教育的不断发展、教育观念的不断更新和现代科技手段的介入，使传统的音乐教学模式受到冲击，广大音乐教师必须通过继续教育，提高思想水平和业务能力。教育改革的不断深化对教师的知识结构提出了新的要求，教育过程强调各学科的交叉与渗透。因此，对音乐教师进行有计划、有针对性、有实效性的继续教育，不断提高他们的综合素质，具有非常重要的意义。

1.2 有利于促进教育质量和人才培养质量的提高

教育改革成败关键在于教师。如何提高教育教学质量，实现职业教育的良性发展，是我国教育事业的一件大事。目前，我国职业教育地区发展不平衡，一个很重要的表现就是师资力量的差距。以笔者所在的重庆市万州区为例，该区中高职院校在校生人数由2000年的3.3万人增加到2006年的9.06万人。2007年秋季突破10万人。然而，在学生猛增的同时，各个职业学校师资力量普遍没有及时跟上，音乐教师增加得更少，现有教师素质不能完全胜任当前职业教育越来越高的实践能力要求。据笔者调查，万州区职业学校师资中有80%以上是在传统教育模式下培养出来的，在学科结构上，传统学科多，新型学科少；在学历结构上，专科和中专学历多，本科学历少；在年龄结构上，50岁以上的多，30岁以下的少；亟待加强继续教育。

2 加强音乐教师继续教育的对策

继续教育是教师成长的重要环节。但是，在有的学校，音乐教师工作负荷较重，工学矛盾十分突出，在继续教育的机会、时间和精力方面非常有限。因此，学校领导应当高度重视，从内容、形式和保障三方面着手，搞好音乐教师继续教育。

2.1 丰富音乐教师继续教育的内容，注重针对性

音乐教师不同于一般的音乐表演工作者或者音乐理论工作者，他必须具有比较全面的、综合的音乐理论知识和技能，以及与音乐教育教学相关的知识及技能。因此，音乐教师继续教育要突出三个方面的内容：

第一，良好的思想文化修养。首先，提高思想修养。俗话说，亲其师，信其道。在日常工作中，有的音乐教师往往把业务能力看得比较重，而忽视师德的重要性。这种观念对音乐教师的培养和成长是十分不利的。音乐教师应该不断加强师德修养，作学生的良师益友。其次，提高文化修养。有的音乐教师认为，只要有了音乐专业知识就能够做好一个好老师，这种想法是片面的。仅仅有单一的、狭隘的专业知识是远远不能适应教育形势发展需要的。音乐教师应该在“大艺术观”的指导下培养广博的文化知识修养，除学习哲学、社会科学、美学、文学、艺术概论、音乐教学法、科学方法论以及历史、地理、外语知识和现代教育技术等与音乐教学有关的文化知识以外，还应该了解戏剧、曲艺、舞蹈、影视、美术、书法等与音乐艺术有密切关系的姐妹艺术，以形成自己合理的、较高层次的知识结构，增强自己的文化底蕴，只有这样，才能在教学中做到厚积薄发、深入浅出。

第二，全面综合的音乐学科专业修养。首先，夯实音乐教师的音乐专业理论和技能。音乐教师应当掌握全面、综合的音乐专业知识体系和专业技能，在掌握音乐学科的主体性知识和技能，比如音乐基础理论知识、音乐技术理论知识、器乐演奏技巧、声乐演唱技巧、舞蹈、律动等的基础上，进一步掌握相关的文化艺术知识。其次，兼顾“一专多能”和“多能一专”。 在音乐教师的知识技能结构中，“一专多能”要在单一的基础上求全，而“多能一专”则是在广博的基础上求专，体现了新世纪对音乐教师的高标准的要求。在音乐技能方面应该提倡某种特长，但是这个特长是音乐教育专业范围内的特长，也就是说这个特长要更加有利于音乐教育工作。在此基础上，具备某一较高水平的专业特长，对音乐教育工作是十分重要的。

第三，较高的音乐教育理论水平和教学实践能力。首先，掌握音乐教育理论。当前，部分音乐教师的音乐教育理论修养不高，对于学习研究这门理论也不够重视。每一位音乐教师都必须熟悉教育学、心理学和音乐教育教学等基本音乐教学理论，并将它与自己的教学实践结合起来，在正确理论的指导下，不断提高教学水平。其次，培养音乐教学实践能力和多种形式辅导能力。音乐教师的实践能力是在教育教学过程中运用的各种知识和技能的综合素质，具体包括从事课堂教学的能力、组织课外音乐活动的能力和从事音乐教育研究的能力，表现为教师掌握和运用教材的能力、备课的能力、语言表达能力、言传身教能力等，再次，提高音乐教育教学科学研究能力。一个优秀的音乐教师必须既有教学的能力，又有进行科研的能力。音乐教师要不断增强科研的意识，把音乐教育教学研究和音乐教育科研看作是自己义不容辞的职责，不断总结经验，探索音乐教育改革、学习应用新的教育教学理论和方法，开展教学试验，以科研带动教学工作。

2.2 创新音乐教师继续教育的形式，增强实效性

第一，建立多元、开放、互动的培训体系。音乐教师继续教育应当坚持以人为本，建立远程培训、校本培训和面授培训三位一体的继续教育工作格局，采取脱产学习、攻读学位、科研教改、编写教材、学术交流、示范教学、网络远程教育、校本培训、自主学习等形式灵活、途径多样的形式，切实提高继续教育效果。

第二，完善课程设置。音乐教师继续教育课程设置应当体现鲜明的现代音乐教育理念，从我国音乐教育现状、改革目标和未来发展对现代化、高素质人才的需要出发，帮助音乐教师具备现代教育思想观念，具备教育改革的使命感和开拓创新意识，了解国内外教育发展趋势、音乐教育动态和前言信息，掌握现代音乐教育理论、策略、方法和手段。具体来讲，可以开设8门课程：中外音乐教育改革与发展、音乐教育基础理论与实践，音乐教育心理学基础、国外音乐教学法研究、音乐教育课题研究与论文写作、现代科技与音乐教学、音乐鉴赏与音乐文化、音乐专题系列讲座。这8门课程涉及的内容相当广泛，主要涉及到以下与音乐教育相关的重要课题：我国的教育政策法规、素质教育的内容与意义、艺术教育在我国教育大框架中的地位与作用；音乐教学目标与教学设计、音乐教学模式、音乐教学评价、音乐审美心理与生理基础、音乐学习心理基本理论；国外著名音乐教学体系及音乐教育理论与实践的评价；教育及心理统计在教学实践中的作用、音乐教育论文写作的基本程序与技巧；网络及多媒体技术在音乐教育中的运用、音乐软件与音乐教学及音乐作品分析；合唱指挥；乐队排练；学校文艺演出的创意与设计等。

第三，加强“双师型”教师队伍建设。《国务院关于大力发展职业教育的决定》（国发〔2005〕35号）要求建立职业教育教师到企业实践制度，专业教师每两年必须有两个月到企业或生产服务一线实践。学校要转变以前只重学历的培训模式，将理论培训与企业实践有机结合，在建立名师工作室和校内实训基地，对青年教师开展传帮带活动，加强校本培训和骨干教师培养的同时，要与用人单位建立良好的校企合作关系，通过参观考察、座谈交流、挂职锻炼等形式，提高音乐教师的视野和素养，增强职业教育与用人单位需求的吻合度，从用人单位的需求出发，促进校企合作，开展人、财、物的合作与对接，生产与教学要素的有效互动，实现职业学校与工厂企业的九个融合，即学校与工厂融合、教室和车间融合、校长与厂长融合、教师和师傅融合，学生与学徒融合，理论和实践融合，招生与招工融合、育人与增效融合。

2.3 完善音乐教师继续教育的保障，突出全面性

第一，转变观念，科学规划。教育行政主管部门和学校领导应该摈弃短视意识，充分认识音乐教育对学生人格培养、情操养成的重要性，认识到音乐教育在素质教育体系中的重要角色，转变“音乐教师接不接受继续教育无所谓”的思想观念，把音乐教师的培养放在更加重要的位置。要结合本地教育改革和发展规划纲要的制定，制定包括音乐教师在内的详细合理的教师继续教育培训规划，列入工作责任目标考核体系，定期进行专题调研。

第二，加大政策扶持力度，接受解决师资配置不合理的问题。教育部制订的《中等职业教育改革创新行动计划（2010-2012）》提出，逐年增加教师数量，力争使全国专任教师平均生师比从24：1降至20：1，专兼职教师平均生师比从21：1降至18：1，“双师型”教师比例达到35%，兼职教师占专业课教师总量的比例达到25%。学校领导要有长远的眼光，出台激励政策，为教师发展搭建平台，既要落实上级行政部门安排的培训指标，又要针对学校实际，制定与专业建设相匹配的教师培养规划，满足包括音乐教师在内的全体教师不同的培训需求，给予继续教育培训的教师一定的培训时间并且减轻其教学任务，切实保障教师接受继续教育的权利，解决教师继续教育中的工学矛盾，着力提高教师素质。

第三，加强监控，规范管理。教师知识水平的提高除了通过培训、研讨、会议或者外部顾问帮助等手段外，学校工作环境也是提高教师知识水平的一个潜在的丰富资源。有的学校并不缺乏教师培养管理的政策，但遗憾的是在落实过程中大量存在只有表面文件传达而没有跟踪管理的现象。学校要实行教师继续教育责任制、督查制、证书制和档案袋制，对教师研修的目的、安排、过程、效果进行监控，避免随意性，推进规范化和制度化，规范教师继续教育证书，完善继续教育档案，作为聘用、晋级、晋升的重要依据，做到人尽其才，人尽其用。同时，政府要建立教师继续教育专项资金，加大师继续教育投入，改变过去继续教育费用由政府和学校包揽的做法，实行政府、学校、个人共同负担的方式，推动音乐教师继续教育的可持续发展。

【参考文献】

大学音乐结业论文范文第9篇

随着社会文明的不断进步，城市社区音乐教育显得越来越重要。传统的音乐教育人才培养模式已不能满足社会发展的需要。论文首先从四个方面论述了社区音乐教师教育存在的主要问题，然后从三个主要方面对城市社区音乐教育人才培养模式进行了有益探究。

【关键词】

城市社区；音乐教育；人才培养

从某种程度上讲，与其他相对发达国家的社区音乐教育比较，我国的社区音乐教育仍然处在起步阶段，在专业化人才以及基础性设施设备配备方面都比较匮乏。然而，随着社区音乐教育日益发展，传统的音乐教育人才培养模式已不能满足社会发展的需要，如何树立新的音乐教育人才培养观以及如何培养社区音乐教育方面的人才成为亟待解决的问题。

一、我国高校音乐教育专业人才培养模式的分类

现阶段，我国的高校音乐教育在专业人才培养以及管理模式方面可以有效划分成几个大类，具体情况如下：

（一）音乐教育办学模式的职业化

其主要特点为:具有明确的职业化的音乐教育专业办学特色,关注对国内外音乐教学法的学习和研究，对于专业培养目标定位准确,重视对学生教育理论的学习和教学技能的培养,将作曲理论类基础课程的学习与实际音乐创作能力的培养紧密相联;教学理念符合时展的需要。职业化模式下培养出来的学生可以更好胜任实际音乐教学工作。在授课形式上排除钢琴课属于个别课之外,其他课程都属于集体课。然而，因该模式往往将职业化的办学模式作为教学核心，不会开设相应的声乐个别课以及专门化的舞蹈课的等,在挖掘学生舞蹈表演潜力与声乐表演潜力上相比之下存在不足。此办学模式以中央音乐学院为代表。

（二）传统的专才式的音乐教育专业办学模式

传统专才式模式对音乐培养目标不能够准确化理解，因受到专业化音乐院校不同程度影响,一般情况下，学校师生仅仅对音乐技能课程非常重视，却忽视了教育类的课程,具有“轻教育以及重音乐”与“轻理论以及重技能”的思想观念。从课程设置出发，该模式几乎不会设置音乐教育的“师范性”职业特点，所以大多数学生在教育理论以及教学技能潜力上都不能够得到充分挖掘。此办学模式主要包括师范院校、艺术院校等

（三）扩大招生后部分院校的音乐教育专业办学模式

从办学特点分析，该模式为学校发展带来了大好机遇,同时也创造了相对良好的经济性效益。但由于生源增长过快,而学校的各方面没有及时跟上,便造成学校诸如师资力量不足，教学场馆不够，学校管理不到位，教学设备陈旧等等不利教学状况，在学校不进行大的教学改革的情况下，其教学质量是可想而知的。

二、我国音乐教师教育存在的主要问题

（一）重专业知识,不重全面素质

我国高师音乐教育普遍实施比较专一化的教学计划,近年来虽然有一些变化和改进,但是,没有从根本上改变重专业知识不重全面素质和知识结构单一的缺陷。专业量多而面窄,选修课少,必修课多,而且缺乏跨学科知识和全面的文化修养知识,视野窄,人文素质较差，思路不活,造成学生知识结构不合理。另外，教师授课具有较强的师徒关系色彩,我们虽然大力倡导教书育人,教师通过教学对学生产生影响的不仅仅是单纯的专业知识和技能技巧,而是包括教师的综合素质以及人格魅力，但是,在实际教学过程中普遍存在着教书与育人相脱离的状况。

（二）课程结构不合理

音乐教育的课程设置存在不科学现象，主要体现在过细以及过多，出现与城市性社区音乐教学脱节问题。一般情况下，音乐专业的课程有基础乐理课程、中国音乐史欣赏课程、合唱指挥课程、艺术概论课程、民族音乐课程、歌曲作法课程、和声课程、配器课程、声乐课程、复调课程、视唱练耳课程、欧洲音乐史欣赏课程、钢琴课程、舞蹈课程，大致由音乐专业技能教学以及音乐基础理论教学两大部分组成。而且专业理论课程更加注重西方音乐作品，轻视中国音乐作品，且各学科间缺乏彼此联系与沟通。钢琴、声乐、视唱练耳等技能课程的教学内容往往喜欢照搬专业院校，不重视城市社区大众通俗音乐作品。

（三）教学方式方法单一、陈旧

一般音乐教育专业仍普遍沿用传统的填鸭式、灌输式教学方式。一味进行以自我为中心的知识灌输，忽视创造性思维、研究能力以及音乐学习能力的积极培养。现在大部分学校音乐理论课教学都采用了先进的多媒体课件教学，但并没有考虑怎样调动学生的积极性、主动性，不能引导学生主动探究，启发学生进一步思考，而只是把教案从黑板复制到投影仪上，上课的时候老师往往在上面口若悬河，而学生则在下面昏昏欲睡，成为部分同学逃课理由，严重影响到音乐专业学生的学习积极性以及学习主动性。

（四）实习活动不能真正落实

近几年来由于教育目标淡化、教育经费紧张等原因，很多学校对教育见实习活动并不重视。教育见实习是学生在学校期间最重要的教育实践活动，学生创新能力和教学实践能力的锻炼和提高、教育理论知识的检验、教师角色意识的形成都要通过教育见实习来实现。教育见习在很多学校的教学计划中没有体现，学校也很少组织学生见习。教育实习时间一般都安排在学生毕业前的一学期进行，时间安排上不尽合理，因为学生返校后忙于毕业演出和论文答辩，没有足够的精力对实习中遇到的问题进行研究与反思。而且教育实习多数是学生自己联系单位，地点过于分散，不利于监督检查和组织管理，有些学生干脆就不参加实习。

三、城市社区音乐教育人才培养模式探究

（一）面向地方基础教育，科学定位培养目标

端正和明确培养目标是音乐教育专业改革的根本。调研数据显示，一方面，音乐教育专业的毕业生不愿意走到社会基层，从事社区音乐教育相关的工作，且音乐专业毕业生的能力素质结构不合理。而另一方面，大部分城市的社区音乐教学师资力量相对薄弱，教师人数比较缺乏，而且教师素质也急需提高。社会对音乐教育专业的人才需求与高校的音乐教育专业人才培养模式之间存在差距，造成这种现象意味着地方高校在培养音乐教育方面有着不可推卸的责任。由此看来，科学的定位培养目标并自觉承担为城市社区培养专业人才是地方高校首要的任务。具体看来，城市社区应该具备的素质应该包括热爱社区音乐基础教育事业、拥有先进的教育理念、过硬的专业素质、优异的教学能力、合理的知识架构和教育创新研究能力等。在明确了培养目标后，围绕培养目标的课程设置、教学内容、教学方法等方面将有序开展。所谓教师教育，其特点是将学科性教育与师范性教育做到相应结合。那么对于音乐教育来说，音乐教育专业应同样是音乐与教育的有机结合。

（二）强调素质教育，构建音乐教师综合素质

以音乐审美为核心，注重文化传承和创造性发展是现代音乐教育所一直强调的。由此看来，音乐教育不再是传统上的传授音乐知识和音乐技能，必须要在此前提下，不断关注学生在音乐文化内涵上的培养，促使学生加强对音乐价值的积极探索以及开拓，强化学生综合素质培养。现阶段的社区音乐教育要求音乐教师需具有扎实的文化知识基础，综合的专业能力和较高的教学水平。

1.完备的文化知识是社区音乐教师的基础

音乐是一种艺术，更是文化的重要成分。要想对音乐作品进行充分的认识和深刻的理解，只有追溯到音乐本身所处的环境并将其还原于其所在的大文化背景中。因此，具备相对完备的基础性文化知识属于音乐教师应有的基础性素质。通常情况下，音乐师范生在正式入学之前往往具有文化基础差以及文化素质偏低的特点，所以，教师在教学过程中应高度重视学生在文学课程、地理课程、历史课程与自然科学课程上的学习。通过增强学生对音乐文化的了解，拓宽其知识口径，实现音乐专业课学习以及文化课学习的共同发展。

2.综合的专业能力是社区音乐教师的根本

专业知识与文化知识是音乐教育的基础部分，而专业能力的培养将有助于音乐专业学生通过实践强化专业知识的运用。针对城市社区所需求的音乐教师来说，现阶段一个社区往往只有一名专业音乐教师，其不仅要完成正常的课堂音乐教学，还要在平时的社区文艺演出中进行设计与排练，合唱、舞蹈、乐队等活动的组织也要具备指导能力，这就要求音乐教师具备全面多能的专业能力。由此看来，现阶段对乐教师的综合的专业能力应该包括：歌唱、舞蹈、演奏、指挥、音乐鉴赏等。音乐教师只有具备较全面的专业知识，才能够音乐教学中做到得心应手。而这些能力的培养将不仅是理论知识的灌输，还应该在教师的组织和引导下通过音乐审美、音乐创作、音乐表演等多种多样的音乐实践活动得以实现。

3.较高的教学水平是社区音乐教师的关键

对于音乐教师而言，其终将面向求知者传授知识，因此，教学能力是其专业能力的集中体现，是教师能力素质结构的关键。音乐学生接受基础性音乐教育过程中,不仅要掌握相应的音乐理论知识与音乐技能,还必须要深化以及强化自身的音乐审美感知以及音乐体验能力,进而将素质教育落实到实处。不断破除单向音乐知识传授教学思想观念,形成学生为主体以及教师为主导的教学观。

（三）增设前沿学科课程

在计算机技术日益发展的今天,由音响制作技术、计算机技术、声学技术、音乐艺术相结合的电脑音乐及其创作技术已趋于成熟，在日常生活中也可经常可以见到，比如戏剧音乐、演唱、广播、音乐创作、舞蹈、电视之中。因此，开设电脑音乐课程应该是大势所趋，将电脑音乐制作技术引入课堂,也可使枯燥乏味的理论课变得生动，与音乐欣赏、基础乐理、合唱与指挥视唱练耳、声乐等课程相结合,可使课堂变得更丰富多彩，达到事半功倍的教学效果。

（四）重视实习基地建设，提高实习质量

针对以往教育实习走过场、流于形式的情况，应对教育实习加以规范。教育实习是师范生走上教师工作岗位的一次全方位的教学演练，对学生了解城市社区音乐教育实际，学习优秀教师的教育方法，提高和锻炼从事城市社区音乐教育工作的能力具有重要意义。可按期举办各种形式的文艺演晚会和音乐欣赏会，至始至终让学生自己构思、筹划、组织、导演、主持、和演出。学校应该重视实习基地的建设，选择一些条件好的中小学和一些群众文化活动开展得好的城市社区作为学生的实习基地，甚至还可以和他们签订长期的战略合作协议。学生实习过程中，学校要做好跟踪和访问，及时了解学生实习情况。

（五）在高等院校中开设社区音乐教育课程或设置社区音乐教育专业

大学音乐结业论文范文第10篇

中央音乐学院

中央音乐学院，简称“央音”，位于首都北京，是由中华人民共和国教育部直属的一所培养高级专门音乐人才的高等学府，全国艺术院校中一所国家重点大学和“211工程”建设院校，国家首批“双一流”世界一流学科建设高校。

学院设有作曲系、音乐学系、指挥系、钢琴系、管弦系、民乐系、声乐歌剧系、音乐教育学院、提琴制作研究中心、乐队学院、附属中等音乐学校、现代远程音乐教育学院、继续教育学院等教学院系和教育部人文社会科学重点研究基地——音乐学研究所等机构。作为全国音乐教育中心，音乐创作、表演和研究中心，以及社会音乐推广中心，中央音乐学院是一所代表中国专业音乐教育水平，专业设置齐全,并在国内外享有很高声誉的音乐学府。

重点学科

世界一流学科建设学科：音乐与舞蹈学

国家重点学科：音乐学（作曲与作曲技术理论、音乐学和音乐表演艺术）

特色专业

特色专业：音乐学、音乐表演

实验教学示范中心：管弦系

北京高等学校实验教学示范中心：管弦系和乐队学院、音乐教育系

第四轮学科评估结果

音乐与舞蹈学：A+

中国音乐学院

中国音乐学院（ChinaConservatoryofMusic）位于北京市，是以国学为根基，独具中国音乐教育和研究特色，培养从事中国音乐理论研究、创作、表演和教育的高级专门人才的高等音乐学府，国家首批“双一流”世界一流学科建设高校，素有“中国音乐家的摇篮”、“中国音乐的殿堂”的美誉。

学校专业分布为音乐学、作曲与作曲技术理论、音乐表演三大类，设有作曲系、音乐学系、声乐歌剧系、中国器乐系、音乐师范教育中心、钢琴系、艺术管理系、指挥系、管弦系、思想政治理论教学部等10个教学单位，另设有中国乐派高精尖创新中心、研究生院、考级艺术中心和附属中学，形成了以中国音乐理论、中国音乐创作、中国音乐表演为一体多层次教学体系。

重点学科

北京市重点学科：音乐学

特色专业

特色专业建设点：音乐学、作曲

教育部人才培养模式创新实验区：民族声乐人才培养模式创新实验区

北京市特色专业建设点：音乐学

北京高等学校市级人才培养模式创新试验区：音乐学

第四轮学科评估结果

音乐与舞蹈学：A

四川音乐学院

四川音乐学院简称川音，位于四川省成都市，是一所以“音乐”为主要办学特色的省属全日制普通本科高等院校，拥有硕士学位授予权，同时是首批获得国务院学位委批准的艺术硕士（MFA）专业学位授予单位。

四川音乐学院设有作曲系、音乐学系、声乐一系、声乐二系、民乐系、钢琴系、管弦系、音乐教育系、电子音乐系、舞蹈学院、艺术学理论系、歌剧与合唱系、成都美术学、戏剧影视文学系、手风琴电子键盘系、流行音乐学、艺术管理系、乐器工程系、国际演艺学院、传媒学院、艺术教育系、社科学院、数字艺术系、现代器乐系、戏剧系、艺术附中（本部）、继续教育学院（专科部）、基础部、艺术附中（新都校区）等31个教学院系，开办29个普通本科专业、7个专科专业。

重点学科

省级重点学科：作曲与作曲技术理论、钢琴、美术学

特色专业

特色专业：作曲与作曲技术理论、音乐表演

省级特色专业：音乐学、工业设计、绘画、舞蹈学

四川省本科院校品牌专业建设项目：作曲与作曲技术理论、音乐表演

第四轮学科评估结果

音乐与舞蹈学：B+

西安音乐学院

西安音乐学院简称“西音”，坐落于世界历史名城古都西安，其前身是1948年贺龙元帅在晋绥边区创建的“西北艺术学校音乐部”。西安音乐学院是一所培养音乐艺术专门人才的全日制普通高等学校，也是西北地区独立建制的高等音乐学府

学校设有音乐教育学院、现代音乐学院、音乐学系、作曲与作曲技术理论系、管弦系、民乐系、声乐系、钢琴系、舞蹈系、视唱练耳教研室、基础部、艺术学理论研究室12个教学单位，另设有研究生部、现代教育技术与网络信息中心和附属中专、图书馆、陕西爱乐乐团等直属单位。还设有交响乐团、交响管乐团、民族管弦乐团、合唱团、西安鼓乐艺术团、秦筝艺术团等大学生艺术实践团体。“西北民族音乐研究中心”为陕西省（高校）哲学社会科学重点研究基地。

特色专业

专业综合改革试点：音乐表演

省级特色专业：视唱练耳教学专业、作曲（电子音乐）专业、音乐表演键盘乐器（手风琴）演奏专业方向、音乐学（音乐教育方向电子琴演奏）、作曲与作曲技术理论

第四轮学科评估结果

音乐与舞蹈学：B+

星海音乐学院

星海音乐学院，位于广东省广州市，是华南地区的高等音乐专业学府；孕育了冼星海、萧友梅、马思聪、李凌等一批引领中国近现代音乐文化潮流的杰出音乐家。星海音乐学院的历史可追溯到1932年由中国现代音乐教育先驱马思聪、陈洪先生创办的广州音乐院；1985年12月，为纪念广东籍人民音乐家冼星海，更名为星海音乐学院。

目前共设有现代音乐与戏剧学院、音乐教育学院、舞蹈学院、马克思主义学院、国际教育学院、创新创业学院、流行音乐学院、音乐学系、作曲系、声乐歌剧系、钢琴系、管弦系、国乐系、艺术管理系、乐器工程系、民族声乐系、音乐基础部、人文社科部等18个本科院系（部），还设有研究生部、继续教育学院、附属中等音乐学校、音乐研究院、音乐博物馆、岭南音乐文化研究中心、艺术实践中心、社会音乐教育培训中心等，拥有广东省普通高校人文社科重点研究基地、国家大学生文化素质教育基地（联合）和5个实验乐团。

重点学科

广东省第九轮重点建设学科：音乐与舞蹈学

广东省攀峰重点学科：音乐与舞蹈学

特色专业

特色专业：音乐学、音乐表演、录音艺术

广东省级特色专业：音乐学、音乐表演、录音艺术、作曲与作曲技术理论

广东省专业：钢琴

广东省重点专业：音乐表演

第四轮学科评估结果

音乐与舞蹈学：B+

天津音乐学院

天津音乐学院是中国北方地区重要的培养音乐、舞蹈、戏剧、影视专门人才的高等艺术教育学府，学校为天津市高校研究生教育校外创新实践基地建设单位，国务院批准的首批硕士学位授予单位。学校始建于1958年，前身是1950年创办于天津的中央音乐学院，1959年7月，中央音乐学院（留津部分）改称天津音乐学院。1973年，改称天津艺术学院。1980年，经国务院批准，正式恢复天津音乐学院，分出美术部分另立天津美术学院。

天津音乐学院已经发展成为北方地区重要的培养音乐、舞蹈、戏剧、影视专门人才的高等艺术教育学府。学院分为南、北两个校区，现有音乐与舞蹈学、戏剧与影视学2个一级学科（天津市重点学科），1个专业硕士（MFA）授权点，涵盖音乐表演等11个本科专业；设有音乐学、作曲、声乐、民族声乐、民乐、管弦、钢琴、手风琴键盘、音乐教育、艺术管理、现代音乐、舞蹈、戏剧影视13个教学系以及继续教育学院和附属中等音乐学校，形成了完备的专业、业余等多层次、多类型的艺术人才培养模式和中专—本科—研究生系列人才的培养体系。

重点学科

天津市重点学科：音乐与舞蹈学、戏剧与影视学

特色专业

特色专业建设点：乐学、音乐表演、音乐学

天津市普通高等学校品牌专业：音乐学、作曲与作曲技术理论、音乐表演、舞蹈编导、（戏剧影视）表演、文化产业管理

第四轮学科评估结果

音乐与舞蹈学：B+

武汉音乐学院

武汉音乐学院位于湖北省武汉市，是中国中部地区独立设置的高等音乐学府，为硕士学位授予单位，同时也是中国首批艺术硕士（MFA）专业学位教育试点单位。

学校以立德树人为根本任务，以人民满意的高水平音乐学院为建设目标，施行艺术表演、艺术创作、理论研究三位一体的学科建设方针，秉承“立德、自强、崇文、精艺”校训，培养德智体美全面发展的高素质、多样化音乐舞蹈专门人才和拔尖创新人才。学校音乐表演实验教学示范中心是全国2个音乐类实验教学示范中心之一，“音乐表演”、“音乐学”、“录音艺术”3个专业是特色专业，学校是湖北省高校第一批省级重点学科建设单位，是湖北省“人文社科基地”之一。

重点学科

省级重点学科：音乐学、音乐与舞蹈学

特色专业

特色专业：录音艺术、音乐学理论、音乐表演

省级品牌专业：录音艺术、音乐学理论、音乐表演（中国乐器演奏）

上海音乐学院

上海音乐学院前身为国立音乐院，由蔡元培先生和萧友梅博士于1927年11月27日在上海创办，是我国第一所独立建制的高等专业音乐教育机构，1956年起改用现名。2000年，学院由文化部直属划转上海市领导，现为文化部与上海市共建院校。2017年9月，学校被列为教育部“双一流”建设高校。办学九十年来，逐步形成了以作曲和作曲技术理论、音乐学理论研究为核心，以音乐表演艺术学科为主体，以应用音乐为延伸的音乐艺术学科综合体系，培养了一大批杰出的音乐艺术人才，被誉为“音乐家的摇篮”。

学校办学层次涵盖本科教育、研究生教育（硕士、博士），涉及7个专业（作曲与作曲技术理论、音乐学、音乐艺术表演、录音艺术、公共事业管理、音乐科技与艺术、数字媒体艺术）22个方向，设有两个博士后科研流动站，是目前国内拥有三个一级学科（音乐与舞蹈学、艺术学理论、戏剧与影视学）的专业音乐院校。

重点学科

世界一流学科建设学科：音乐与舞蹈学

国家重点学科：音乐学（二级学科）

上海高校一流学科（A类）：音乐与舞蹈学

上海高校一流学科（B类）：艺术学理论、戏剧与影视学

上海市重点学科：作曲与音乐设计、音乐文化史

上海市Ⅰ类高峰学科：音乐舞蹈学

上海市Ⅰ类高原学科：艺术学理论、戏剧与影视学

特色专业

特色专业：音乐表演、作曲与作曲技术理论

第四轮学科评估结果

艺术学理论：B+

大学音乐结业论文范文第11篇

关键词： 高职音乐专业教育 存在问题 改革思路

近年来，伴随着高校大扩招，高等职业院校数、在校生人数和毕业生人数持续增长，我国高等职业教育从规模上已经占据了高等教育的半壁江山，也迎来了其历史发展的黄金时期。高等职业教育从精英教育走向大众化教育阶段，从侧重外延扩张转向注重内涵提升的新阶段。高职教育带动着高职音乐专业教育的发展，面临着新的机遇和挑战，摆脱对本科音乐专业教育的简单模仿和复制，探索高职特色的音乐专业教育发展之路，优化整合高职音乐专业结构，开拓高职音乐专业建设的新思路，建设具有时代特征的高职音乐专业教育体系，是新时期新形势下高职音乐专业教育改革发展的迫切需求。

一、高职音乐专业教育发展存在的问题

1.高职音乐专业整体办学水平低。

大多数高职院校为新办或新升格的院校，其办学师资力量薄弱，职称结构不合理、学历层次低，专业知识水平不高，学术和科研水平缺乏，有益于教学的学术研讨、讲座、观摩等活动开展得非常少，没有形成一定的学术研究氛围。此外，教学设施、设备不是很充足，尤其专业课程模式、教学模式及教材大都不适用，大多沿袭普通本科高校的教学模式和教材，缺乏符合高职教育特点的系统教材和专业培养模式，这都直接影响了高职音乐专业整体办学水平。

2.高职音乐专业建设缺乏特色。

高等职业音乐专业建设仍然滞后于经济建设的需要。许多升格的高职院校仍沿用原校专业，缺乏建设形成具有高等教育与职业教育特征相融合的高等职业教育音乐专业的特色体系，存在很多不合理的因素，基本形成一种陈旧专业缺乏创新，新专业的建设与市场脱节，专业培养基本照搬各大音乐艺术院校的专业设置，包括教学模式、教学内容、课程设置、知识结构、培养方向等，没有形成专业结构合理、职教特色明显、理论实践并重的新时期高职音乐专业特色。

3.生源萎缩，学生综合素质下降。

高职院校面临严重的生源不足问题，这也是受高等职业教育“先天”劣势影响的必然结果，许多考生在文化课与专业课都不理想的状况下，把进高职院校视为与普通高校无缘的一种迫不得已的选择。有许多高职院校出现学生被录取但不报到的现象，导致高职院校为了招满学生，必须降低录取分数，随之而来的是生源质量更为下降，这无疑为以后的教学工作和学生管理工作埋下了隐患，对高职音乐专业教育的发展有一定程度的阻碍作用。

二、高职音乐专业教育发展与改革的思路

1.加强文化市场调研，拓宽专业建设的思路，优化整合高职音乐专业结构，确定专业建设方向。

专业建设是学校适应社会人才需求和引导社会人才消费的一个具体体现，反映了学校对社会经济发展和科技进步及职业岗位的适应程度。故音乐专业建设首先要深入社会和相关行业广泛开展调查研究，把握文化市场与相关行业的发展趋势，认真剖析论证市场对人才需求的情况，加强市场分析对专业建设指导性的作用，拓宽高职音乐专业建设的思路，对现有专业进行科学的整合，敢于大胆地摒弃陈旧的专业，保留旧有专业的优势（如精品课程、先进的教学模式与方法），对新专业建设予以准确的定位和提供有力的前提保障，探索出适应社会人才需求市场的特色专业，为专业建设奠定正确的发展方向。

2.高职音乐专业建设应凸显时代特征――经济文化一体化发展趋势。

当今世界，科技飞速发展、全球性产业结构调整态势强劲、新经济模式日渐显露、市场经济不断向纵深发展，出现了经济文化一体化发展的新趋势，文化因素在经济生活中的影响越来越显著。随着我国社会主义市场经济的逐步建立，文化市场得到了迅速的发展，在人们的物质生活水平得到了很大提高的基础上，文化生活需要也在发生着深刻的变化。人们对于艺术的审美要求越来越高，需求越来越丰富，趣味也越来越趋向多元化，原有的音乐专业教学体系已不能适应目前文化市场的需求。积极探索具有时代特征和社会文化需求的新型高职音乐专业的建设为必由之路。因此，高职音乐专业建设必须紧紧围绕音乐文化市场，面向社会文化部门、文艺团体、大众传媒、企事业单位等音乐产业相关机构与行业，培养具有良好的思想道德素养和系统的专业知识与技能，掌握高等职业音乐技能与管理理论，能在文化演出部门担任演职人员；能进行策划、组织、洽谈、协调；能在文化传媒机构或公司进行形象设计和推广；能以科学的方法协调、管理文化市场，在对内对外文化贸易活动中发挥作用的管理人才；为剧场、影院、传播媒介、影视音响、音像、信息网络、图书电教或音乐院校等部门，培养可以从事音乐电子信息管理、电子音乐制作、音乐产品设计与制作及传播方面的专业人才；培养既熟悉音乐，又具有现代舞台灯光、音响技术和传统乐器调律、维修与服务等方面的复合型应用人才。

3.改革创新专业培养模式，理论与实践并重，彰显职业化特色。

普通高等教育基本上是学科教育，按照学科设置专业，以该学科的理论体系为框架设置课程、组织教学，强调的是理论知识的系统性和完善性，高职音乐专业在人才培养模式上基本沿袭了本科教育的模式，理论与实践基本分离，音乐专业实习实训基地建设尚不完善，例如我省某些高职院校音乐专业实训基地还处于零起步阶段，所以高职音乐专业教育理论与实践并重为当下高职音乐专业教育研究学术领域讨论的焦点，探索2+1的专业培养模式被提到日程上来，高职音乐专业的实践课程应彰显实践的能动品质，应围绕基本理论课程设置改革实践环节，能做到理论指导实践，实践反作用于理论研究，理论与实践并重，实现以学生为主题的自我实践、自我发展、自我超越，彰显人才培养的职业化特色。

4.改善高职师资队伍结构，加强师资队伍建设。

师资队伍水平是高校教育质量和学术水平的决定性因素，为实现新时期现代高职的办学目标，适应高职教育改革和发展及人才培养的需要，必须不断强化师资队伍建设。由于现今大多数高职院校为新办和由中专或中职升格而成，升格后，音乐专业在高职教育发展中处于滞后的状态，师资队伍的建设也相对滞后，师资队伍中真正符合高职音乐专业教学要求的教师比例偏低，专业不对口，结构不合理，学历低，知识结构老化，具有一定的教学研究能力与专业业务能力的教师较少。相当一部分教师未经过进修提高；对当代经济发展文化市场的需求尚不明确，没有完全实现中职到高职角色的真正转型，这与高职教育教学的要求是不相称的。因此，高职音乐专业师资队伍建设应建立在对专业建设准确定位的基础之上。

首先师资引进要严格把好人才引进的“入口关”和“质量关”，优化教师队伍结构。要抓住近几年硕士、博士毕业生就业高峰的契机，大力补充获得硕士、博士学位的教师，提高硕士、博士学位教师的比例，改善师资队伍的学历结构。积极主动与校外的专家、教授联系，请他们到校兼职，并参与教学、科研和学科建设工作。要围绕学科建设、专业建设和课程建设，加大新增专业及重要的基础课教师的补充力度，改善师资队伍的学科、专业结构。

其次把学科带头人和教学骨干等高层次人才作为人才引进的重点。要有计划、有重点地引进一批学术带头人和教学骨干，发挥高层次人才的凝聚力，迅速提高新建高校的教学科研水平。要充分利用联建高校的学科、人才优势，着力引进学科带头人和教学骨干。要进一步加大经费投入，建立师资队伍建设专项资金，为师资队伍建设提供有力保障。

最后是积极组织中青年骨干教师广泛参加学术交流。通过交流，开阔眼界，及时了解学术发展的最新成果，并使他们有机会结识学术大师和专家，建立学术联系。在学术组织、学术团体中，重视发挥中青年骨干教师的作用，为他们的成长创造条件。同时鼓励和支持青年教师在职攻读硕士、博士学位。要充分发挥联建高校的优势，举办各种专业的研究生课程进修班，为提高青年教师的学历层次创造条件。

5.建设完善的高职音乐专业发展的教材体系

教材是体现教学内容和教学方法的知识载体，是进行教学的基本工具，也是深化教育教学改革，全面推进素质教育，培养创新人才的重要保证。当前高职类公共课教材建设已趋于完善，由于高职音乐专业发展滞后等各方面的因素，较完善的高职音乐专业教材体系尚未建立，有部分高职院校尝试撰写音乐专业教材，但还没有形成系统完备的教材体系，因此，音乐专业教材建设是专业建设的重头戏，教材建设直接反映出专业建设水平与未来发展的趋势，教材建设成为当务之急。

（1）建议成立高职音乐专业课程指导委员会，制定高职音乐专业课程指导性教学大纲，指导教材的撰写与修订。

目前，尚无全国性的高职音乐专业课程指导性教学大纲，各大高职院校只是依据本校实施教学大纲来编写，这直接影响了高职教材撰写与修订的质量，建议教育行政部门与行业协会参照高职其他专业指导委员会的做法，成立高职音乐专业课程指导委员会或课程组等相关组织，从学生本位出发，突出教材的高职特色，既要走出传统职业教育教材的束缚，又要彻底摆脱“本科压缩饼干”的旧巢，以市场需求为导向，以提高职业能力为核心，来指导高职音乐专业教材的编写与修订，为建设适应高职音乐专业的教材体系奠定指导方向。

（2）从学生实际出发，深入浅出，凸显高职特色。

当前音乐专业高职生的教材普遍采用本科教材，而高职同本科教育在人才培养目标、培养模式、就业趋向都有较大的不同，加上高职生源素质相对较低，所以本科教材对绝大多数的学生较难。因此，建立高职教材体系，应从学生实际出发，全面化解教材的难点，本着有用、够用、必用的原则来撰写教材，在深入浅出、通俗易懂上下功夫，建立健全高职自身的教材体系，针对高职音乐专业学生这一特殊的高等教育群体，注重高职学生实践技能的培养，建立健全适应当今时代高职音乐专业大学生特点的教材体系。

（3）把握教材质量，与时俱进，力求创新。

高职音乐专业教材力求体现职业教育特色与规律，注重理论联系实际，体现学科间的知识的链接与综合性。由于高职音乐专业教材建设滞后，在编写教材时，要集中第一线的优秀教师与行业内专家，要对经济与文化市场发展的现状进行调研，获取最新信息，把握本课程的发展方向，在把握教材质量的基础上，对课程内容要及时更新，摒弃落后的专业思想和陈旧的知识内容，以适应新时代的要求，突出教材内容的创新。

参考文献：

［1］陆俞锟.高职音乐专业面临的困境及对策.职业教育研究，2009，（10）.

［2］沈波.加强高职专业建设的几点思考.陕西青年管理干部学院学报，2003，（4）.

大学音乐结业论文范文第12篇

    论文摘要:针对面向基础教育改革的高师音乐理论课教学，从当前高师音乐理论教学存在的问题作了较全面的解析，阐述了音乐理论课程与其它课程的联系，提出了音乐理论课程教学改革的一系列方法，对音乐理论课程的改革提出了探索性的意见。

    一、当前高校音乐理论教学存在的主要问题

    1.传统音乐文化主体意识的失落。在过去的一段时间里，港台及西方商业性、娱乐性低俗流行音乐占据我国社会音乐生活的主导地位，社会主义民族化的主旋律几乎被淹没。音乐教师难以驾驭音乐课堂教学，全国统编音乐教材实施阻力较大，高校不少学生对流行歌曲、摇滚乐十分迷恋，对严肃高雅音乐(包括民族音乐)缺乏认同。在高校里，我们相当一部分专业音乐教师用西方音乐理论和评价标准来讨论中国的传统文化，对本民族的音乐价值缺乏正确的估价，对中国文化缺乏应有的尊重，造成中国传统音乐文化主体意识的失落。一个民族的文化传统，渗透在思想、文化、艺术、道德各方面的生活中，通过积累、沉淀、世代相传，形成民族风俗习惯和民族精神。音乐作为民族文化生活的一部分，它不仅有娱乐功能，更有其教育、认识和审美功能。

    2.音乐理论课与实践的结合问题。音乐是一种听觉的艺术，学习任何音乐理论，都不能离开音乐的实际音响，都应与音乐的感性体验相联系，在感受音乐实际音响的过程中加深对音乐理论诸问题的认识。而目前高校的音乐理论课教学中，理论与实际音乐音响缺少必要的结合与联系，枯燥单调的“纯”理论课失去了音乐鲜活的感性特征，因此，学生们对音乐理论课的学习缺乏兴趣，出现了“重技轻理”的现象。

    3.音乐理论课教学的广度与深度的问题。目前高校音乐理论课的教学是短视的并带有功利性色彩，教学中不注重知识的广度与理论深度，这在教学双方都有所表现。教师沿用多年的老教材照本宣科，不能把音乐理论诸多问题的国内外研究现状与教材的相关内容结合起来进行讲授，使授课没有新鲜感;学生对音乐理论课的学习也不求甚解，平时不努力，考试临时抱佛脚，只要成绩及格就行，更谈不上针对某一音乐理论问题自觉地查阅相关的图书资料，以求甚解，课堂内外不能形成较浓厚的学术氛围。

    4.教学手段和设施设备落后陈旧。随着社会的不断发展与科学技术的进步，引进现代化教学手段高校音乐理论课教学势在必行。目前多数院校的音乐理论课教学仍在教学方式、方法和手段上没有变化，多年一贯制。

二、高校音乐理论教学的探索性意见

（一)在教学指导思想上

1.在教学指导思想上主要在创建具有民族特色的中国师范音乐教育体系势在必行，我国是一个历史悠久、民族众多的文明古国、礼乐之邦。中华民族传统音乐文化在世界上也是唯一的从远古不间断传承下来的音乐文化，我们应当珍惜、发扬光大。全国政协主席李瑞环1990年元月在全国文艺工作者座谈会上的讲话《繁荣文艺必须大力弘扬民族优秀文化》中指出“在当前国际和国内形势下，弘扬民族文化不仅直接关系到文化的兴衰，而且在政治上具有重要意义。弘扬民族文化是振兴民族精神，提高民族自尊心和自信心，发扬爱国主义精神，顶住一切外国压力的一个重要条件。为了实现祖国的统一，弘扬民族文化又是沟通海峡两岸的桥梁，是加深海内外炎黄子孙的相互了解，增强民族凝聚力的重要力量”。

    2.加强音乐理论教学与其它课程的联系两个方面来探索。音乐理论课的教学通过这种与其它音乐专业课的横向联系，能够把音乐理论与音乐实践更好地结合在一起，全面促进与提升学生的音乐素养和文化素养。其次，要加强音乐理论课教学与哲学、史学及社会学等学科的横向联系。以辩证唯物主义和历史唯物主义的世界观为指导，运用马克思主义哲学和方法论去研究音乐理论及一切音乐现象，才能把握客观音乐现象的真正脉搏。要正确认识音乐理论问题，学会运用马克思主义哲学的认识论和方法论是非常必要的。史学是以人类历史为研究对象的学科，研究历史最基本的前提是实事求是精神，即以史料为客观依据，以科学的态度来研究历史。音乐发展到今天，经历了漫长的历史过程，音乐理论课教学中涉及到的一切音乐现象，都是特定社会历史时期的精神产物，音乐也有着社会性与历史性特征。在音乐理论课的教学中，要以历史的眼光看待音乐发展史上的诸多理论问题，对音乐家及其音乐作品的评价应持客观公正的态度，这一点在音乐史论课的教学中显得尤为重要。社会学是探讨社会现象、社会关系、社会生活等一系列相关问题，研究人与人之间的社会关系，以及人与人、群体与群体之间的相互关系的学科。音乐也是社会生活的重要组成部分，音乐作品的产生、传播到被社会所接受的过程，都是一定历史时期社会现实的反映，与当时的社会生活有着密切的联系，也就是说，任何音乐现象都是社会历史现象，因此，运用社会学的研究方法去对待和研究音乐理论诸问题，这也是搞好音乐理论课教学的科学方法之一。

    (二)在教学方法上

    1.提高音乐理论基础课的文化品位。纯音乐理论对于音乐基础较差(不识五线谱，甚至也不识简谱)的学生来说，很难产生学习的兴趣，相反，容易产生畏难情绪，这就给教学带来一定的难度。俗话说:“兴趣是比责任感更好的老师”。为了提高学生学习的兴趣，变痛苦教学为愉快教学，我们在讲述枯燥无味的概念的同时，最好能加进一些中外音乐史中的趣味性故事;中西乐理的对比;舞蹈音乐的特征和实例等内容，以活跃课堂气氛，同时也提高了该课的文化品位和课程的含金量。

    2.简明扼要，深人浅出。在讲述每一个概念时，应尽可能的简明扼要，深人浅出，避免繁琐。比如学生演唱音不准，归根到底是音程的关系不对，这就要求我们首先在理论上搞清有关音程的基本概念，能识别和构成各种音程及其转位，判断它们的协和程度。

    3.理论联系实际。学习理论的目的全在于应用，学习音乐基础理论的目的也是为了解决实际问题，这就要求我们在重视理论的同时，大力加强视唱、练耳(听觉训练)、记谱等方面能力的训练。通过视唱练耳的训练，培养学生对音乐的感知能力、音高和节奏的听辨能力、音乐的记忆能力、音乐的审美能力;积累和丰富音乐词汇。它对提高学生的音乐素质将会起到难以估量的作用。

    4.选用合理的教材。选用合理的教材是在有限的课时内取得良好的教学效果的前提。

    建国初期，我国音乐院校使用的教材基本上都是前苏联的教材。具有很强的科学性和严谨性，对我国的音乐教育起到了巨大的促进作用，但这些教材选用的音乐都是以欧洲为代表的西方音乐，不可能表达我国传统音乐的音感特征。学生在听觉上积累了大量的外国音乐语汇，而对本民族的音乐语言反而感到生疏，进而认为土气、低级，产生妄自菲薄的思想。为了弥补不足，我国从事视唱练耳教学的教师陆续编写了一些视唱教材，如上海音乐学院视唱练耳教研组编的《视唱教程》、《多声部视唱教材》(上海文艺出版社，1960年)、《单声部视唱教程》(上、下)、(二声部视唱教程》(上海音乐出版社，1989年)、许敬行、孙虹编著的(视唱练耳》(高等教育出版社，1991年)等，这些教材并不完全排斥外国音乐，而是以中国民歌和中国乐曲为主，它们对培养学生熟悉本民族的音乐作出了可贵的贡献，为如何编写有中国特色的视唱练耳教程提供了宝贵的经验。

   三、高师音乐理论课的教学改革构想

    师范音乐理论课的教学改革对充分认识音乐理论课在整个音乐专业教学中的地位和重要作用有重要意义，需要积极探索音乐理论课的教学规律，加强音乐理论教学与其它音乐专业课的联系，做到互相促进，全面提高，在教学中应加强音乐理论教学与哲学、史学与社会学的横向联系，学会运用辩证唯物主义和历史唯物主义的观点指导高师音乐理论课的教学，要进一步丰富音乐理论课的教学手段，不断增加教学设施设备的科技含量，及时改进音乐理论课的教学方法，让音乐理论课在整个音乐专业的教学中发挥更大作用。音乐教育专业课程设置呈三足鼎立之势，一是政治、外语、体育等公共课;二是教育理论课;三是专业技能及专业理论基础课。这种体系性的引人使中国专业音乐与师范音乐教育逐步走向系统化、规范化。培养了大批的各方面的音乐优秀人才，提高了全民族的音乐水平，促进了中西方音乐文化的交流，推动了中国音乐创作、表演和教育的全面发展。另一方面，这种体系的全面引人，从客观上确立了“欧洲音乐中心论”的地位，阻碍了中国民族优秀音乐文化的弘扬和发展。如何解决这一问题呢?以下是笔者关于教学改革的构想:

    1.音乐教改应在思想、课程、内容、教法上突出师范性和民族性，尤其应以理论课程设置、教材教学内容民族化为突破口。四大件应着重讲授原则与方法，强调举一反三、融汇贯通，而不是用西方的思维模式来指导我们的创作师范生学习。四大件主要目的是为将来从教适应工作、自学提高、进一步深造、增强分析作品能力、接触认识中外经典作品并具备初步的编创能力，打好基础。换言之师范生学习四大件和其他音乐理论不是为了当作曲家，而是为了当好各级各类学校普通音乐教师和部分专业课分科教学的教师。

    2.音乐理论课教改应该精减科目、浓缩内容，扩大知识复盖面、减少重复，并要强调各课程间的渗透贯通，增加应用性内容与基础性训练，这是教改的出发点和指导思想。课程内容的调整，首先应着手教材体系的民族化，以我为主，增强民族传统音乐主体意识，逐步过渡到建立独立的民族课程和教材体系:(1)和声学—教改的方向是删减内容、改革教法、中西并重、训练多样。(2)复调音乐—师范专科大多不开此课，本科在高年级以必修或选修的性质开设。(3)曲式与作品分析—从曲式人手对作品全面剖析，分析作品应成为本课的主体内容中西兼顾，不可偏颇，理论结合实际，并尽可能的做到乐谱、音响对照、视听同步、理性思索与感情体验合一，这应是本课的特色和教改出发点。这门课还应与音乐文献欣赏、音乐人文历史知识、和声风格分析渗透教学，不应只限于音乐材料组合发展、曲式框架的纯理性分析。

    3.师资队伍与其他改革是为了发展，发展要落实到提高教育教学质量上。在技能课如声乐、钢琴、中外乐器选修、视唱练耳等教学中实行分级达标管理方案，参考中国音协器乐考级办法，定出各技能课各期各级达标练习曲、乐曲、歌曲曲目的选择也要充分考虑民族性特点。

    4.就弘扬民族优秀音乐而言，从一所院校来看，要注意整体布局形成良好的外部坏境并建立有效机制，以保证民族优秀音乐文化的传播、学习和继承。如为了促进文理结合、理工浸透、完善学生的知识结构，增强学生适应社会的能力，应开好非音乐专业的大学音乐欣赏课公共选修课，开设中国音乐和中国音乐史课。搞好音乐课外活动，用中国民歌演唱、民族器乐独奏合奏比赛代替大学校园还在升温的通俗歌曲卡拉大赛和现代舞大赛。开设中国民族音乐系列讲座课。总之，师范音乐教育通过一系列教学改革弘扬民族音乐文化，来强化爱国主义精神，增强民族主体意识，并不断造就出对我国民族音乐的传播有责任心使命感、又有一定民族音乐理论、技巧和良好的民族音乐审美习惯和趣味的新一代音乐师资。

大学音乐结业论文范文第13篇

关键词：音乐文化产业；音乐美；相互联系

引言

音乐是一种特殊的艺术表达形式，需要完美的表演技术与美学思想作为指导，人们对音乐的接受与满意程度取决于音乐本身所表达的意境，音乐的流传要给人们留下深刻的印象。为了体现音乐的自身价值，需要在音乐作品中融入美学元素，人们在创作音乐的同时就会对美学的问题进行思考，音乐的美学是研究音乐与人们感官理智的学科，通过美学促使音乐产业的发展更加完美，人们通过对音乐的欣赏可以丰富精神生活，提升精神境界。

一、我国音乐文化产业的内涵

音乐文化产业是文化产业的重要组成部分，在我国文化产业发展的进程中，艺术市场占据了重要地位。从产业经济学的角度分析，音乐产业包含的范围比较广，主要包括核心音乐产业、数字音乐也以及唱片业，同时也包含了一些与音乐产业有关的外延性产业，例如音乐设备的制造、音乐软件的开发等，音乐文化产业还包括与媒体相融合的相关产业，例如音乐广播、音乐电视、网页制作等。我国的音乐文化产业具有一定的创新性，所有的音乐文化活动都是在音乐文化背景下的创新活动，依靠人们的想象力与创作灵感，借助现代的科学技术对音乐文化资源进行进一步的提升。对于音乐文化产业，其核心要素是信息、文化、技术等无形资产，在音乐产品的价值中，无形资产的附加值比例明显高于普通产品。

二、我国音乐美学的兴起与发展

音乐美学近几年得到广泛的发展，是一门对音乐进行哲学式的思考学问学科，经历了非常漫长的发展过程，最早可以追溯到春秋战国时期。历史思想家结合当时的音乐实践，从不同的角度对音乐进行论述与思考，从音乐的本源方面及音乐的美感方面，甚至从音乐的内容及形式方面对音乐进行阐述，这些阐述都以音乐思想的形式存在，当时还没有形成专门意义的学科。美学是一门学科的特指概念，由德国哲学家鲍姆嘉提出，他认为，人的精神生活大致可以分为情、意、知三个方面，理性可以通过逻辑学来研究，意志可以通过伦理学来研究，只有情感，一直没有相应的学科来进行研究，所以建立以一个全新的学科专门来研究人们的情感，从而产生了美学这一学科。音乐美学在我国出现是在20世纪20年代，距今只有几十年的时间，由中央音乐学院美学教学起到了带头与骨干的作用，音乐美学是音乐与美学有机结合的一门交叉学科，是具有哲学性质的音乐基础理论学科，音乐美学是通过美学的方法与观点来研究审美与音乐美的美学，同时也是音乐学中比较侧重于研究音乐艺术规律与特征的一门基础性理论学科，音乐美学是美学的一个分支，通过美学的原理来研究艺术中的美学问题，音乐美学的建设与发展会使美学研究的内涵更加完善，更加具有说服性。音乐美学同时又是一门具有哲学性质的基础理论学科，音乐美学作为基础理论，其作用在于对音乐的评论提供强有力的原理。作为音乐评论者自身也要有较高的美学修养，能够自觉地把美学作为音乐品论的理论基础。音乐美学主要以研究音乐艺术的美学规律，把音乐美学的发展历史作为研究对象，研究人与音乐的审美关系问题，分析人与音乐的本质关系，揭示音乐艺术的美学本质相关问题。

三、音乐文化产业中的美学规律

我国音乐文化产业中，音乐曲式的结构是对客观事物运动过程以及人的情感运动过程的逻辑概括，音乐在时间发展过程中会呈现不同的形态特征，在不同的音乐文化中，人们的审美追求是大有不同的，不同的曲式结构体现出不同的审美特征，在追求音乐结构美的同时，不但有人们文化心理的原因，而且还有人们普遍存在的审美心理需求，是音乐文化产业从生活事件到艺术事件的有效转变，艺术性质强的音乐是存在一定结构的，作曲家们通常把音乐创作分为三个层面：感官层面、音乐层面和表达层面，感官层面是通过音乐来刺激自身的内在感觉，音乐层面是在感受音乐的同时，进一步关注音符组合的方式，表达层面是要研究乐曲所表达的真正含义，如果不去认真分析乐曲的音乐结构，优美的音乐就会变成一团乱麻。

四、美学在音乐文化产业中的意义与功能

音乐文化产业在我国得到了很好的发展，受到人们的一致认同，我国独特的美学特色理论推动着音乐文化的发展，无论是社会心理、大众文化的载体，还是娱乐媒介与音乐艺术，都需要独特合理的美学特点，美学观点建立的重要指导思想就是传统的美学思想，我国音乐文化产业的发展要建立起中国流行音乐的美学意蕴，用流行音乐来表现传统文化，传统美学的思想要渗透到音乐当中，使音乐更加具有开拓性，相互依存，开创出流行音乐在中国的未来发展之路。美学在音乐文化产业发展过程中的功能如下：1.对音乐的传播与发展。美学在音乐文化产业中起到传播与发展的作用，很多音乐作品都是通过表演者的二度创造之后才被听众们所接受的，对社会产生广泛与深刻的影响，在音乐文化产业发展的过程中，许多作品要通过作曲家反复的磨合，才能成为经久不衰的巨作，只有艺术中含有美的元素，才能被人们广泛地流传。2.教育功能。音乐的教育功能要通过人们感情思维的训练，情感的熏陶以及对社会的认知来实现，优美的音乐旋律可以陶冶情操，使人们身心愉悦，对聆听者的心理健康有着积极的促进作用，美的音乐可以培养人们的感知、想象力，促进人们的思维能力的发展，开发智力，增强人们对情感的体验，人们生活的环境属于群居性，音乐可以成为人们沟通与交流的有效方式，起到调节人际关系的作用，通过音乐之间的传递，增进人与人之间的情感，对人们的生活起到良好的教育作用。3.信息传递功能。完整的音乐作品中蕴含着作者的内心情感，其中包含着完美的画面与意境。人们通过欣赏优秀的音乐作品，可以提高自身的审美观。音乐是文化传承的载体，烙印着过去，记载着现在，憧憬着未来。通过音乐的传输，流传着中国历史上下五千年，通过音乐中信息的传递，使人们更加了解我国社会的发展历程，从而更加促进我国音乐文化产业的健康发展。

五、音乐发展中美学内涵的培养策略

丰富的精神内涵可以通过音乐的方式来更好地体现，在体验音乐内涵的过程其实就是对音乐本身进行分析的过程，音乐中的美学可以更进一步地揭示音乐中的内涵，在音乐产业发展中，蕴含着生活的酸甜苦辣场景，通过美学的转变，被人们所接受与喜爱。1.技术与表演相统一。音乐文化产业的发展离不开舞台，在舞台表演中，技术与表演是分不开的，缺乏表演技巧，就会使音乐的呈现缺乏感染力，表演也就丧失了自身的价值，舞台表演技术是突出艺术表现的一种手段，音乐表演与艺术表现力相结合是实现表演价值的重要途径。在表演过程中，表演者首先要理解音乐作品的真正含义，体验到其中的美，把高超的技术与深刻的艺术表现有机地结合起来，才能够引起人们的共鸣，达到启人心智的最终目的。2.时代与历史相统一。音乐作品的历史性是指作品所具有的独特历史风格，时代性是指作品要有新时代的精神，音乐文化产业的发展是历史时代下的产物，表演者要结合时代的特征来演绎作品，要求音乐作品的表演者要从历史的角度去发现全新的因素，注重音乐艺术的个性化发展，把时代精神与当代人的审美观点结合在一起，实现历史与现实的融合，从而达到震撼人心的表演效果，使人们拥有深刻的记忆，真正地发掘音乐中的美，感染到人们的内心深处，激发对音乐文化发展的正确认识，从美学的角度接受音乐的广泛流传。3.真实性与创造性并存。在音乐文化产业发展的过程中，秉承真实性与创造性并存的原则，符合音乐发展的规律，真实性是指音乐表演者要热衷于原创音乐作品，把握住音乐时代的风格，认真分析与研究音乐作品的载体形式，体会到音乐地真正内涵，用审美的心态来欣赏与演绎音乐作品，认真地对待乐谱，通过二度创作把作品升华，从而使人们更好地接受，传承音乐文化精神。结语音乐是人们抒发感情，表达意志的一种艺术形式，是音乐实践主体的意向性活动，通过表演的形式来被人们所接受。通过美学的介入，可以使音乐的表达更加丰富多彩，体验出音乐中的内涵，音乐原作不能称为完整意义上的音乐作品，一部完整的音乐作品要通过音乐表演的手段把符号体系变成实际的音响效果。我国音乐文化产业的发展比较迅速，人们对音乐也比较喜爱，美学对音乐文化产业的发展起到积极促进的作用。音乐美学所涉及的领域非常广泛，关于音乐美学对音乐文化产业的影响还有待于更深一步地研究。

参考文献：

[1]赵晓生.音含美乐孕哲——根植于音乐“本体”的“音乐”美学与“音乐”哲学[J].星海音乐学院学报，2010，(1).

[2]薛瑞芝.现代音乐美学对音乐表演艺术的启示研究[J].音乐时空，2016，(1).

[3]陈骥.谈中国传统音乐美学建设的相关问题[J].当代音乐，2016，(5).

大学音乐结业论文范文第14篇

艺术学已成为当下大学学科体系的一个学科门类，其下音乐舞蹈学为一级学科，音乐学为二级学科概念。它涵盖了音乐表演、音乐教育以及音乐创作理论等多种学科类型，每一类都需学理、学术支持，或称都要有学术之展开。因此，作为学术研究可针对的音乐学类下所有层面，这是广义的音乐学。当音乐专业的在校大学生完成本科学习进入到研究生阶段，所学专业知识趋于深入，这为其走向社会所从事的职业奠定了扎实的基础。

中国高等教育中的音乐学教育从专业音乐院校发端，这是狭义的音乐学概念，主要指专门以音乐学理论为研究方向的学科。它突出理论学习而非技巧技能用于创作与表演的出色展示。换言之，这个学科的学生在对音乐的演奏、演唱以及创作的过程（音乐本体之上应用技法理论架构）有基本把握的前提下更重学理认知，强调语言表述与逻辑思维、思辨的能力。作为音乐技巧与技能（或称音乐表演）为专业方向的学习，在技艺的基础上首重形象思维，但作为理论研究方向则是要把握音乐形象思维的前提下侧重逻辑思维，否则便不是一名合格的音乐学系毕业生。

既然学科门类为艺术学，专业音乐院校或是师范大学以及综合性大学音乐系科的学生其所学专业当然是“艺术”，这是很明确的认知。我们的音乐教育体制基本沿袭欧美专业音乐教学模式，音乐被定位为美育范畴，有专门群体创造并承载音乐形态以供社会欣赏、审美、娱乐等诸种功能的需求。社会既有对音乐形态创造的教育，也有以音乐形态对社会人群实施审美的教育，重点在音乐的创造以及从审美和心理学视角进行把握，重音乐艺术自身发展，如此形成学术思维定势，这是对音乐艺术的审视。所谓音乐学是诸种音乐形态创造、承载与审美之学，既有音乐学依此进行课程设置。

20世纪80年代以来，“新”的学术理念不断出现，这既有外来因素，也有文化自觉。人们发现，既往沿袭或称效法的音乐学（这里侧重狭义）教学模式并非唯一，20世纪90年代中期，我参加了《世界各国音乐院校名录》一书的翻译工作，书中介绍美国大学培养专业演奏、演唱和创作人才更多在专门音乐院校，招收的研究生多与音乐创作和表演关系密切，但作为音乐学专业教育还有另外一种途径。美国近两千所大学中有一千四百余所大学设置音乐学专业，而音乐学理论专业的研究生多以综合性大学为主导实施培养。从相关课程设置来看，综合性大学音乐学专业的本科阶段都要掌握一门音乐表演技艺，但对于人文社会科学的相关内容比专业音乐院校比重要大，这显然不是以创作和表演为专门人才的培养模式。综合性大学音乐学研究生教育的课程设置强化了理论学习与研究的学科意义，实际上是将音乐学明确作为人文社会科学、以理论研究为重的学科建制，这样的建制是要借助于综合性大学人文社会科学以及自然科学的综合性学术优势。当然，综合性大学也有侧重音乐创作和表演的研究生教育，但教育的目的多为社会多层面的音乐教育培养师资，不是为舞台表演所专设。

有这样一种现象值得关注，即音乐学界所推崇学术方法论代表人物多来自综合性大学的音乐系科。以民族音乐学为例，这是文化人类学与音乐学的有机结合。文化人类学作为学术方法论重在把握当下社会中活态的文化事项，这其中当然也涵盖了音乐。也就是说，文化人类学既可作为独立的学术论域，又为人文社会科学提供理论支撑。在这种意义上，诸种艺术门类都可借助于文化人类学的学科方法论或称学术理念进行相关学术探讨，如此产生所谓艺术人类学、美术人类学、戏剧人类学、影视人类学、舞蹈人类学等学科。有意思的是，同样是与人类学结合音乐学界对其命名却是为民族音乐学，依在下看来其实就是音乐人类学的意义（虽然也有声称差异者）。

作为一个世纪以来成为显学的文化人类学与以上这些艺术门类组成的“新学科”，基本都在综合性大学相关系科中产生，如此方显学术的交叉与整体性，而这些学科所研究的领域恰恰不是各自艺术门类的专业院校以技巧技能为重者。从文化人类学的视角看，这是对人类社会中被认定为艺术的形态从文化视角进行整体解读的意义。

以上是以民族音乐学为例。其实研究音乐学的方法论常与时俱进，随着学术进步总会有新的理念和方法论不断被创造出来。当然，专业音乐院校的学者从事相关研究同样可以运用这些方法论。但所谓术业专攻各有侧重，欧美专业音乐院校的学者更多围绕艺术的意义展开，吸收相关学科的知识也多有选择，更何况这些专业方向自身也有研究不完的选题以成为自己的特色（中国的音乐学专业设置之初是在专业音乐院校，因此在侧重艺术本体研究的同时有扩展的意义）。而综合性大学中每个学科都会有系统性的方法论，学者们在各自领域不断耕耘创造的同时又吸纳互融已然成为趋势，这给学科交叉提供了便利条件，对于音乐文化学的研究亦不可或阙。

所谓音乐文化研究的对象，是社会生活大背景中与音乐相关的诸种事项（当然涵盖对音乐本体的认知，对创作、表演自身的研究以及从艺术、审美、欣赏视角加以把握）。我们看到，音乐在社会生活中的担当绝非仅是审美与欣赏，而呈现多功能为用的意义。音乐在社会生活中的多种功用仅以艺术视角显有不足。要认识多功能为用的意义，显然不是以音乐创作和表演为重的专业音乐院校关注的重心，需要研究者学术视野的开阔、知识结构的调整与知识面的拓展，这些恰恰是综合性大学的研究优势所在。所以说，作为以理论研究为重的音乐学专业（特别是研究生层次，涵盖硕士生与博士生）以音乐文化为研究对象显现更为全面的意义。音乐学当然不能离开音乐自身，但仅就音乐自身研究显然不是综合性大学音乐学教学的整体意义。作为理论研究的中国音乐学专业现状

多年前我著文探讨了中国高校音乐学专业的设置情况，认为一个世纪以来中国专业音乐教育培养模式以创作和表演人才为中心，以致在音乐学院里有这样的话语“音乐学、音乐学，搞不了音乐的才去学”。如此认知乃培养模式所决定。在这样的理念下，专业音乐院校音乐学系更多围绕创作与表演的相关研究展开（这是欧洲专业音乐的培养模式）。

20世纪80年代起，中国大陆师范院校和综合性大学乃至理工科大学中的音乐院系如雨后春笋般成长起来（这些院校设置音乐院系的初衷各异）。师范院校当然首先是为中小学和社会音乐教育培养师资，但也自觉不自觉地向专业音乐院校培养模式看齐；其他类型的院校既有以艺术表演型人才培养为目标，也有以活跃学校文艺生活为目的者，多数在培养模式上有向专业音乐院校靠拢的趋势。这表现在压缩史论课程和文化课的空间，学生的活动范围多在音乐院系之内。作为师资培养同样需要高水平奏唱以及音乐创作的基本技法，研究生阶段也需要对教育模式进行深层把握，这种模式无可厚非，然而这些院校所设置的音乐学专业却少有办出自己特色的。在中国的综合性大学能够依音乐文化理念为培养模式（重在研究生教育）者可谓凤毛麟角，不用说本科生、即便是研究生也很少跨系、跨专业选修，只是在本学科中“打滚”，这在一定程度上缺失了综合性大学办音乐学专业的意义。应该明确的是，师范大学也属综合性大学，利用好则显现多学科和跨学科的优势。学生自身缺乏学科交叉意识尚情有可原，关键是教育者应意识到问题的存在，应鼓励或以制度的方式约束学生很好地利用这种学科优势。

音乐学专业首先应是理论专业，作为二级学科泛化意义上的音乐学不是本文所要论证的。我们需要音乐创作与表演型研究的专门人才，即便是在侧重理论的音乐学专业教育中也有作为艺术的类型和作为文化的类型，这两种都有需要（作为艺术类型也应适当增加文化课程的内容，毕竟艺术修养不可或阙）。我们不必将这两种类型搞得形如泾渭，但至少在培养模式J：有所区分，明确有以音乐文化为研究方向的类型，这恰恰是综合性大学（涵盖师范大学）更具学术和学科优势者。以音乐文化为研究方向的音乐学专业怎样设置课程应该认真考量。在下以为，首先要明确音乐艺术与音乐文化之关系，研究各有侧重，使学生明确自己的专业方向。也只有在明确的前提下方能够更有针对性地学习。音乐文化应该成为音乐学研究生教育的研究方向，如此我们的讨论更具现实意义。

音乐学的多视角与知识结构调整

在相当长的时间内，我们的音乐学科以音乐艺术为认知，其并无不妥，这里只不过强调要在这样认知的基础上加以拓展（所谓拓展则是要跳出既有的学科思维定势），从中国传统文化的整体以及音乐在社会生活中多种功能性意义上把握。音乐是独立的门类艺术，更是文化的有机组成部分，其不仅仅是音乐厅和相关场馆中的存在，如何认知音乐之存在是我们应该辨析的问题。如果认同音乐作为文化的有机构成，我们就应以这样的视角来把握和辨析其内涵，如此研究应该具有怎样的知识结构呢？研究思路和研究理念如何拓展是我们必须关注的问题。

20世纪八九十年代，国内多种音乐学术刊物设置了音乐学新学科理念的专栏，时常刊登一些新学科介绍，诸如音乐社会学、音乐民族学、音乐民俗学、音乐地理学、音乐考古学、音乐图像学、音乐文献学、音乐人类学、音乐符号学、音乐批评学、音乐声学等等，这些是为学科的意义。除此之外在哲学层面则不断有新的理念引领学术潮流，诸如结构主义、解构主义、功能主义、后现代主义、符号学等等，它们又多被认定为文化人类学的理论。从音乐学视角，这些无论学科还是“主义”多是既有学科理念与音乐学研究的有机结合。就传统学科来讲，所谓一史一论，史即为纵向、历时性脉络，而论则更多从横向、共时角度展开。将音乐学与学科和“主义”结合其实就是针对具体研究对象的视角和切入点，毕竟从这些视角对音乐文化进行整体研究会更加有意义，它丰富了对音乐文化的整体认知。如果仅仅从艺术视角看音乐，可能产生不了这些理论，若从文化角度认知音乐，则可见音乐在社会生活中的多样性，无论史还是论的建构都彰显其丰富性内涵，这是对史论深层挖掘的意义。由此可见，诸多学科之于音乐文化学研究意义重大。应该明确，各个学科自身都是在学术发展过程中为学界逐步认知，在认知过程中形成论域与方法论的规定性。既然是为独立学科并对音乐学整体研究有益，既然学界已将这些学科的研究理念用于音乐学研究，在互融过程中形成新的学科理念，这就是多学科交叉的意义。这种交叉性新学科既可独立存在，又丰富和充实了史论学科的内涵。我们应深入把握这些学科既有方法论及其自身拓展的意义，如此与音乐学相结合方能真正有效。更进一步讲，专业音乐院校中显然没有各学科都配备相关教师的必要，这就是我们说音乐学专业应设置在综合性大学的意义所在。研究音乐文化，特别是在研究生阶段，应该将课业分为三类：专业必修课、专业选修课和非音乐专业课（这一点我已经在注②的《思考》一文有所辨析），前提是在综合性大学中这种跨系选课从制度规定性上成为常态。就我本人的体会讲来，虽然我们可以借助已经形成的交叉学科以把握诸种学术理念，但我更倾向于从各学科的原点以行把握，从本义上认知并再考虑学科交叉的演进（形成交叉学科之后的发展），会更有实效。

如果确立了音乐文化的整体理念，我们就要看音乐在社会生活中究竟有哪些功用（即功能和作用）。如果仅认知音乐为艺术，则更多从音乐本体以及立美与审美的视角，缺失或称弱化他种视角；当我们认定音乐是为文化的有机构成，把握音乐在社会生活中多层次为用，除了以上层面，当然就要从多视角观察其与社会的多重关系以及发展脉络。这也就是我们所把握的音乐之礼乐与俗乐双重作用，音乐在社会中具有礼乐与俗乐两条主导脉络的意义所在。

讲音乐文化似乎是在强调社会人群对音乐的附加性意义，然而音乐也是人类创造的，就是人类社会对音乐附加性意义的认知，方使音乐的功能性更强，更具丰富性，如此也促进了音乐形态自身的发展。换言之，有用才会发展，是社会赋予的多种功能性促进了音乐自身发展，并在发展中融入区域人群的特殊观照从而使得音乐具有区域特色，这也就是何以在中国历史上第一个思想的高峰期诸子百家都对“乐”显示出极大兴趣的理由所在。何以孔子有礼、乐、射、御、书、数之学科类分，何以将乐与礼并置，何以哲学界说两周总会讲到礼乐文明，说模式也好，说仪式为用也罢，毕竟这是乐承载的意义，这些都值得考量。

乐与人类社会伴生，从起源阶段人类便赋予其太多的“意义”，诸如巫术起源说、异性求爱说、模仿自然说、劳动起源说，多是从具体功用中产生，之后在表达人类思想情感、审美的理念上将音乐形态划分出多种类型。依在下看来，这其中最为重要的类型便是礼乐类型和俗乐类型，在每一种类型之下又呈多样式、多风格。产生这两大类型当然受制于多种功能性为用理念，可以说这多功能性为用的理念左右了音乐的发展，并为各自类型的音乐形态和用乐方式打上了鲜明的印记，把握这些则可认知中国音乐文化的特色所在。

所谓礼乐类型，是与礼制/礼俗仪式相须固化为用的用乐类型。乐作为人类社会表达情感的特殊形态，应用于社会生活的各个层面。而人类社会有仪式性用乐诉求，礼乐形态由此而确立。需要明确的是，仪式用乐诉求在形成观念并加以固化之后，可以规范、拓展、增减仪式用乐的品类，却是一以贯之地存在，不会消解，毕竟这形成了用乐的模式，而且有着深刻的文化认同。在认同的前提下，从国家意义上以制度规范，形成不同类型的仪式用乐样态。礼制的类型不同，诸如吉、嘉、军、宾、凶，情感表达不尽相同，由此形成不同的仪式用乐风格，这是仪式用乐情感表达的丰富性意义，即如崇敬、庄重、肃穆、威仪、豪迈、哀婉、欢悦等等。仪式用乐同样可以表达人类丰富的情感，只不过这种用乐形态与仪式相须，更多用于群体性场合。所谓俗乐类型，是日常生活中非仪式性表达的用乐形态。这些形态既可用于山野，亦可用于花前月下，更可用于殿堂庭院，总之，一切非仪式性场合的用乐形态都可以纳入这种类型，因此具有广泛性，体现出人类以乐表达情感的多样性。我们看到，用乐由仪式以为区隔，但并非所有的乐都是这样泾渭分明。比如说，隋文帝赋予礼乐中的雅乐为国乐意义，这国乐――雅乐只能用于特定的仪式场合，而且是国家最高礼制仪式类型中为用，这样的乐与一般百姓无缘，在这种意义上，雅乐具“纯正性”意义；而有些仪式有时会将一些俗乐的东西拿来用于仪式之中，在这种“混淆”的意义上使人难以辨析其究竟是礼是俗，这种状况常常是对于一些礼俗仪式为用（民间）的场合如此。

既然有这么多的场合为用，乐在这些仪式和非仪式中究竟扮演怎样的角色值得探究。我们应把握这些仪式和非仪式场合的深层内涵，这便是多功能、多仪式类型为用的意义。再有，仪式场合从国家层面上是为制度规定性，因而我们要梳理制度的意义，以及承载这些制度下用乐的乐人管理和实施的机构，这又是制度学的范畴（一个大的学科概念，涵盖音乐形态自身所形成的制度）。我们当然还要把握制度规定性的意义上乐之存在，这里有乐队组合、音乐形态等，还要有音乐本体中心特征（律调谱器）的把握。在民间礼俗中亦有仪式性用乐需求，其与国家礼制仪式用乐有怎样的关系，其乐是否有相通、相同与相异，同异之间有怎样的互动，礼俗是否亦有制度的意味，其内在的文化信息都值得辨析。

从另外一个视角，无论礼乐和俗乐，都可以声乐和器乐形态划分。至于声乐形态，除了旋律意义外我们当然要从语言可及的内容上以行把握，诸如其词格、句式等，它涉及语言学和方言学等诸多层面；至于器乐也是如此，其调式、调性、旋法，其乐队组合的类型性等，都要深层辨析。还应关注的是，在中国记载用乐的文字可谓汗牛充栋，要把握这些，则需掌握古汉语及至训诂学、目录学、校雠学、音韵学、文献学、方言学等多方面的基础知识，否则面对古文献我们便无从下手，或称难以把握文献的准确含义。即便从民俗学、社会学、民族学、地理学等视角与音乐相接，同样也要对这些学科的基本论域和方法论进行实质性把握，而非仅是表层意义，如若不然，又怎么能够声称运用了这些学科的方法呢？

将这些进行辨析之后我们会发现，研究音乐文化的确不是泛泛而谈，也不是“两张皮”式地所谓研究，需要有多方面的知识以为支撑。以上这些学科是进行音乐文化研究所应侧重者。还应考量自然科学与音乐学研究的关系，诸如用先进的科学仪器对音乐形态进行研究，这又是很大的一片开阔地。当然，不可能要求每个人将这些尽习，至少应根据自己所感兴趣的研究对象去调整知识结构，明确这一点则显现出综合大学的优势所在。再有，既然这些多需要人文社会科学的知识，是否可以将其交由这些学科以行研究呢？显然不是这样，毕竟他们没有对音乐本体有基本把握，由此也缺失音乐的视角，在这种意义上音乐文化之研究显然不是这些学科所能够代替的。

以音乐文化研究为方向的音乐学人才培养

把握了音乐学专业以音乐文化为研究方向的内涵和应具备的知识结构，我们对综合性大学培养这种学术人才的优势也进行了辨析。综合性大学具备多学科优势，学生可以根据需要选修相关课程。当然，大学应注重开放性，取消学科壁垒，积极鼓励学生跨系、跨专业选修相关课程；要培养学生积极调整知识结构的自觉意识。至于当下已经形成的专业音乐院校的培养模式又该如何呢？在下以为，中国当下所形成的模式有其历史因素（即在音乐学专业创始阶段建立在专业音乐院校之中），我们需要这种培养模式，但中国音乐学的教学与研究模式应该两样类型齐备，从音乐艺术与音乐文化的双重视角对中国音乐形态自身以及历史和现状乃至发展进行综合性研究。

我们也应该看到，在中国专业音乐院校的音乐学教学也有拓展。在20世纪末，诸如中央音乐学院、武汉音乐学院的音乐学专业在探索中迈出了坚实的步伐，这就是与某些综合性大学积极沟通，或联合培养，或承认相关学校的学分，鼓励学生跨校选课。这种举措既从基础知识人手、又为研究的专业知识调整打下坚实基础，为学生知识结构的拓展创造有利条件。数十年来，这些专业音乐院校已经形成了相对固定的课程设置与培养模式，因此采取“请进来、走出去”的方法进行有效调整至关重要。如果能够积极主动地进行调整，专业音乐院校的音乐学专业同样可以从事音乐文化的相关研究，这当然要从制度上加以保证，诸如在硕士与博士研究生阶段要求学生必须有非音乐专业课的相关学分，具体科目或经充分讨论，或由学生和教师共同商讨后做出选择，并报请教务部门批准实施。

以西方专业音乐为参照系的中国音乐学经历了近百年的发展，重在从音乐艺术层面进行辨析。我们当然可以循此来建立中国的音乐艺术史，但我们应该看到音乐在人类社会中的多种功能性存在，认知多种社会形态中音乐存在的深层内涵，考量“乐”自身的特殊性以及在中国传统文化的特殊性存在，既辨析音乐自身又对其在文化整体中的意义全面认知。这是我们认定音乐文化研究的学术意义。明确这种认定，我们音乐学的研究成果方能够与大学术界接轨。诸如音乐民俗学、音乐社会学、宗教音乐学、音乐人类学等学科，从学术的意义上讲，我们与大学术界所面对的是同一个研究对象，只不过是从音乐的视角切入，在整体把握音乐在民俗、社会、宗教等场合所肩负的作用与意义的同时，还要对其中的音乐形态进行系统性研究，并认知何以在这些场合会有音乐存在，音乐在这些场合扮演了怎样的角色等。有意思的是，在以音乐艺术为视角的相关研究中，常常将音乐形态单独抽取出来加以辨析，诸如研究者在实地考察时更多将音乐艺人所承载的音乐记录下来做相关的音乐分析，却不去考量这些音乐形态何以会在民俗、礼俗、社会、宗教等场合存在，如果不在这些场合中为用，失去了文化认同，艺人们失去了民间礼俗、生活来源等多种支撑的意义，这些音乐形态是否还能够活态承载与延续都值得考量。换言之，这也就是从这些学术视角把握音乐形态存在的意义所在。

所谓学术特别是学科的意义都有主观性因素在其中，如果能够将学术研究引向深入，就要看研究者在面对具体研究对象时具有怎样的知识结构，有怎样的视角和学术视野。并非所有研究对象都要将这些视角过滤一遍，但要将研究引向深入，就要看研究者在面对具体的研究对象时怎样合理地使用学术方法，而这些学术方法和视角的采用，就要看研究者自身是否有学术敏感的把握了。俗语云：想到了方可以去做。如果想不到，就谈不上去做。当然，即便想到了却由于知识结构难以驾驭，同样也很难做到。

大学音乐结业论文范文第15篇

    独立学院声乐表演专业在教育层次上属于本科教育,但又和传统意义上的艺术院校或高校的音乐学院略有不同。首先,在发展模式上,普通音乐学院和师范类院校的音乐专业、综合类院校的音乐专业主要以专业技能为主,辅以音乐相关的理论课程,而独立学院的音乐表演专业,以专业为主,专业实践为补充,理论课程开设较少,如音乐美学专业、专业英语、音乐心理学、音乐教育学等课程都很少涉及。

    其次,从学院结构来说,专业类院校和综合类院校的音乐专业很少涉及其他相关课程,如台词正音、歌剧表演等,而独立学院中,据笔者不完全统计,有11所院校开设了台词正音、舞台表演等相关课程;从师资情况来看,专业音乐学院以及师范院校、综合类院校的音乐专业的师资结构以老、中、青三合一的结构为主,有教授、副教授、讲师职称的教师占到总教师人数的60%以上,甚至达到70%。而独立学院的教师分两种情况,一种是独立学院依托主体院校,如东北师范大学人文学院,其音乐学院中的教师大部分都是东北师范大学的教师,只有个别教师是单独招聘,首都师范大学科德学院、河北师范大学汇华学院等都是这种情况;另一种就是以海南大学三亚学院为例,三亚学院的情况又有所不同,三亚学院拥有独立的校园、独立的师资,但由于学校建立较晚,所以招聘的教师大多是年轻教师,还有一些刚走出校园的应届毕业生。这样的师资群体特点是阳光、活力,但弊端在于,很多教师第一次走上讲台,热情有余、经验不足;从学生素质来看,这点是不容置疑的,独立学院的学生相对于专业院校、师范类院校及综合类院校的音乐专业来说,在基础、条件,形象等方面都有一定的差距。所以,在对高考、艺考招生严格把关的基础上,只有把独立学院音乐表演专业与其他类型的高等院校音乐表演专业教育形式区别开了,找到其准确定位,才有可能制定出合理的培养模式。一定要抓住自身的优势,弥补自己的不足,依托地域优势,来重新设定发展方向,从课程设置、师资招聘等方面来进行改革。

    这主要体现在以下几方面:一是培养的人才能符合社会需要。也就是说我们不能埋头苦干,不能光在如何让学生成为男高音这样的事情上下功夫,要在评估学生的基础的同时,结合办学目标、办学理念等多为学生今后的发展道路考虑,使学生真正明白走进校园的目的是为了更好的地走入社会。要多为学生提供社会实践的机会,使学生多接触社会,多实习、多锻炼,不要怕失败、不要怕跌倒,要在大学4年中找到自己的发展方向,真正成为社会需要、能在社会立足的人。二是培养艺术通才。艺术通才即所谓宽口径的培养模式,即专业不是学得太精深,而是涉及的面很广。所以,我们要在课程设置上下功夫。