服饰艺术论文范文

服饰艺术论文范文第1篇

1.满汉文化对黑龙江省嫩江流域达斡尔族服饰影响

17世纪中叶达斡尔民族迁徙黑龙江省嫩江流域后，和临近的满族有较多的交往。由于当时正是明末清初时期。受政治经济因素影响，满汉文化逐渐渗人融合达斡尔民族生活。由于满族与达斡尔族同为萨满教信仰民族，同样的信仰和思想追求使得满族文化在黑龙江省嫩流域的达斡尔族群中影响迅速且深入。在服饰上影响较为明显，如：面料，款式，纹样，佩品。面料影响：由于交通不便，没有棉纺工业及从商人员，达斡尔民族迁徙黑龙江省嫩江流域起初仍以猎物皮毛作为服饰面料。后因清朝统治通过向满人进贡可换回少量棉布。棉布在达斡尔民族服饰中最早出现在女装上，用作服装的吊面。达斡尔族迁徙以后，受邻居满族部落影响，以及清朝统治后效命于清廷被编入八旗等原因。与外界接触加大达斡尔族的经济，文化，贸易的往来。因此布料增多，缎面也进入了达斡尔民族的视野。开始很多达斡尔族人用棉布或绸缎来吊皮衣服。由于布料的出现也使得达斡尔民族的装扮带来了身份地位的区分，丰富审美意识。一般妇女外出时着装吊布面的皮衣服。达斡尔族在清代和清代以前基本上都穿皮衣,这是出于狩猎和防寒的需要,面料增多同时也丰富了达斡尔民族的服饰色彩。款式影响：受政治经济文化影响。服饰上也相互影响、融合、借鉴。但多数服饰仍然秉承传统的契丹服饰，最基本的特征就是左衽。男子的传统袍服为左衽、圆领、窄袖、后开衩、无缘饰、疙瘩襻扣。女子袍衫为左衽、直领（亦称交领）、窄袖、无缘饰。清末满族文化融入，钢针和棉丝线出现，达斡尔服饰的刺绣工艺在布匹绸缎有所体现。纹样中的人物故事图、素材主要来源于汉族、满族的优秀古典文学，在配件上应用广泛，如：烟荷包、钱搭袋、手帕等均以装饰祈福主要作用。

2.萨满教对达斡尔族传统服饰及造型艺术影响

黑龙江省嫩江流域达斡尔族的萨满信仰与其它流域达斡尔族萨满基本相同。萨满对自然动物神灵的膜拜，使达斡尔服饰纹样及装饰寓意提供了宝贵特性。达斡尔族“萨满”的服饰，达斡尔语称“萨玛石铠”，是达斡尔族萨满在跳神治病和举行大型祭奠时穿戴的。由神袍、神坎肩和神裙组成。萨满服饰的制作规范，用料工艺讲究，神袍、披肩、飘带各有不同的底色，上配白色的贝壳，绣有各种花草鸟兽，神衣用熟皮制的长袖对襟长袍，配有两层背裙，坎肩。从领口至下摆钉有8个大铜纽，象征城门。左右衣襟之间分别钉30个小钢铃，象征城墙。左右袖筒及神衣下摆各佩3条黑大绒，以示雅德根之四肢八节，并在下摆的6条大绒上各钉10颗小铜铃，象征木城之墙。背悬5个铜镜，1大4小，大则为护背镜，胸前佩l中型铜镜，为护心镜。两肩部各立一只小鸟。上下两层背裙各有12条飘带，上层12条代表12个神树和飞禽，下层之12条飘带象征12个月。萨满的头饰形如发带的头箍，黑大绒底，粉色花边，上绣若干图案。两边为荷花、荷叶，中间为一龙一凤，龙凤中间是火球与小鸟，下为云朵，四周缀若干亮片。萨满的传统思想影响着达斡尔的民族艺术审美及思考习惯，因此达斡尔的纹样上多有如意纹，八宝纹，云卷纹，由于满族与达斡尔族的共同使得满族文化很快被达斡尔民族吸收，而后产生花，建筑，猛兽等纹样。达斡尔原始纹样以简洁寓意浓厚为主要特点。

3.现代文化对黑龙江省嫩江流域达斡尔族服饰影响

工业科技进入我国，纺织业迅速发展。达斡尔族原始皮毛装束改变。从皮毛与布料，绸缎结合到皮毛装饰再到保暖替代品。达斡尔民族服装逐渐与时代融合。其独特的民族韵味给现代服饰装饰及设计创新提供了艺术价值。现代达斡尔民族文化研究得到重视，各地达斡尔部族都会举办他们的节日盛会。黑龙江省嫩江流域的齐齐哈尔梅里斯区的达斡尔族村落会在每年5月举办“库木勒”节。“库木勒”———柳蒿芽。我国只有东北地区生长。“库木勒”对于黑龙江省嫩江流域的达斡尔民族来说意义深远。在清朝战时期达斡尔族男子半数战死疆场，给家庭造成不幸和贫困；在旧社会，由于三座大山的压迫和民族歧视，达斡尔族人民生活在水深火热之中。“库木勒”成为挽救无数达斡尔族人民生命，赋予了希望。在演出服饰方面：多以绸缎为主，其款式传承着原始服饰的左衽和袍式服饰。头部的发箍也保留原有的黑色大绒地，镶嵌贝壳等装饰。服饰色彩丰富，仍然多以蓝色为主。在纹样上如意纹，蝴蝶纹，八宝纹较常见。在体育竞赛项目服饰及化妆造型方面：老鹰抓小鸡的游戏体现着达斡尔人民对鹰的敬仰。达斡尔人民对鹰的敬仰来源于他们信奉的萨满教，对自然对动物对神灵的崇拜。其他传统项目竞赛的着装可以发现达斡尔的民族服饰简化程度，由于新文化的影响，原先的达斡尔民族服饰在日常生活着装中不为常见。但在节日着装中，内部穿戴仍为现代，在外部服饰仍保留着达斡尔民族的袍式服装及左衽等特征。先进科技使得优秀的文化遗产面临着消失的危险。服饰做为思想及文化的传递和记录载体需要得到保护。达斡尔民族服饰的制皮工业，对自然动物的膜拜产生的纹样等方面艺术表现，从思想到技法到形态上均可以为现代服饰的艺术设计提供借鉴与参考。

二、结论

服饰艺术论文范文第2篇

作为一种传统的瑶族文化符号，服饰图案记录着本民族沉厚的历史和民族精神，集中体现了瑶族服饰的美。从图案种类看，有动物、植物、人物、几何等纹样。动物图案有鱼、鹿、锦鸡、飞鸟、凤凰、乌龟、蝴蝶、蜘蛛等，反映了古代瑶族的渔猎生活；植物纹样有八角花、莲花、梧桐花、韭菜花、柏树花等，在日常劳动中常见的植物均被吸收为图案题材；人形纹多是象征祖先和神灵的图案；几何纹有圆点波纹，水波状、三角纹等，各含寓意。例如，点波纹代表太阳，常见于女子头巾上，且一定摆在头部正前方。在新郎礼服后背中心也绣有12组变形的太阳花，即“盘王印”，背中即代表“心”，可见太阳在瑶族信仰中的重要性。水波纹和三角符采用红、黄、绿丝绣，代表山与水，表现了瑶族先民对自然物象的崇尚。这些趋吉、避凶、祈福的图案内容，体现了瑶族人民热爱自然、热爱生命以及坚定乐观的信念。在表现手法上，以谐音表达吉祥的有蝙蝠和寿字组成的“五福捧寿”图案；以象征手法寓意美好生活的有“四季花香”图案。从色彩看，一般以红、黄、橙等暖色为基调，配以绿、蓝、白等冷色，主次分明，给人以繁缉瑰丽之感。年轻人多以红、黄、橙等艳丽、对比性强的暖色线织绣图案；中年人偏好冷暖相间的色彩；老年人则选用红、蓝、白、青等冷色，显得素雅、温和。图案对服装不仅具有引人注目的装饰作用，还能保护衣物，常装饰于人体活动之处，如袖口、裤筒、衣肩、门襟、后背、腰带、下摆等易磨损部位。

2贺州瑶族服饰的工艺特征

贺州瑶族服饰主要有染色、织锦和刺绣三种工艺。据《汉书•南蛮西南夷列传》载，瑶族先民很早就会用植物染色，自那时就存在有“衣衫斑斓”的景象。从民族学调查资料看，传统染色有靛青、桨染和蜡染等三种工艺。靛染是用一种蓝草发酵得来，蓝草又称作蓼草，把蓝草的枝叶放在加水的木桶里浸泡发酵，等枝叶全部腐烂后就变成蓝水并散发香气时，就可把残渣捞起加入碱性材料进行化学作用，最后将沉淀在桶底的蓝靛膏捞起即可。先将布料放进染料水中浸泡两三个小时，拿出晾晒到半干状态再次浸泡，反复多次直至理想颜色为止。浆染和蜡染基本相同，区别体现在原料上。蜡染最巧妙的是利用蜡液来防染的方法，使织物纤维某些部分不被染液浸入，最后去蜡现花，这种用原始方法染成蓝花布，民族风情浓郁。瑶绣发源很早，东汉时已有五色衣的记载。贺州瑶绣喜用红、白、黄、绿、橙等彩线在黑、蓝色布料刺绣，多为单独纹样、二方连续、四方连续构图，针法有乱针绣、错针绣、叠针绣、网绣、反面绣等。无论是方形、锯齿或圆形等图案，均不需画稿就能根据布色和经纬直接用彩线绣出，如彩蝶双飞、二龙抢宝、游鱼戏水、凤凰、鸳鸯等花鸟纹样，寓意丰收、爱情的图案，常绣作花边、花带使用。在精美绝伦的瑶绣中，挑花首当其冲，针法有十字挑和平针挑。它是利用布料的经纬线，以丝线、绒线或纱线作料，将布折成若干部分，数纱下针的方式挑出预期的图案，先挑出大骨架，再挑小骨架，后挑花样。取材多源于河流山川和花鸟树木，如天上的飞鸟、蝴蝶；地里的芭蕉、柿子；水里的游鱼、螃蟹等。挑花最突出的特点是耐磨洗、结实，因此一般装饰在易磨损的部位，审美与实用兼具。瑶锦则以棉线做经，彩色丝绒做花纬，采用“通经断纬”的方法交织而成。受工艺限制，织纹以象征性的矩形、三角形为主，组成对称性、连续性图案，善用蓝、红、橙、赭、褐等色做基调，间以绿、黄、白、紫等色。例如，富川平地瑶织锦，疏密有致，古艳浓厚，厚实耐用；又如盘瑶织锦，结构严密，程式化强。织锦腰带中间的黑色双线分十七双线、十三双线和七双线三种，有瓜子花、大树花、小树花、八角花、节子花等四十余种传统纹样。瑶锦常被做成服饰、被面、床品、头巾、腰带，具有民俗文化象征物与日用品的双重功效。

3贺州瑶族服饰之应用价值及走向

独特的瑶族服饰经历了千年的传承和发展，集文化价值、历史价值、实用价值和经济价值于一体，是瑶族不可多得的艺术珍品。2006年6月，贺州瑶族服饰被列入《第一批部级非物质文化遗产目录》。瑶族服饰及所包含的传统技艺是民族文化遗产的一个重要组成部分，深植于当地民俗文化之中，其艺术遗产价值与当地风俗有关，与其原生性和独特性有关，也与其艺术品质有关，它具备了该项民俗艺术的最高品质，表现出贺州瑶族妇女的精湛技艺。保护和传承贺州瑶族服饰，有利于维护世界文化的多样性，并能为艺术和文化产业的发展提供资源宝库和可持续发展的强大动力。如何保护、开发贺州瑶族服饰，是摆在我们面前的一项工作。

3.1专业收藏、整理和研究

在收集、整理、保护、传承的宗旨下，对贺州瑶族服饰及其传统技艺进行系统、深入调研，挖掘服饰民俗的原始资料，采用现代信息化科技手段对散布在民间的传统服饰工艺流程进行静态和活态的采录、研究，以留存其多样性的艺术形式，维护、探讨其独特的文化价值。

3.2建立有效的传承路径

传承民族服饰及传统技艺既包括随纵向的时间线索的不断传习，也包括在一定横向空间范围内接受型传播。因而，贺州瑶族服饰不应只将其作为博物馆陈列展示的对象，还应通过功能嬗变、载体创新、时空变换等应用本体的实效变异和形式创新途径，为其寻找当下的应用空间和生存土壤。例如，当前贺州瑶绣最大的变化是制作方式，近年来贺州旅游产业的发展和大型节庆活动的举办，对瑶族服饰的量化生产增大，部分瑶绣开始使用机器制作。但不管是机绣还是手绣，传统图案是不变的，且仍采用十字绣。还有一种瑶胞做装饰用的“哈袋”，如今也变成装有拉链的手机袋，成为当地瑶族文化旅游的一个创新产品。另外，瑶族服饰传承人的培养也得到了当地文化及教育部门的重视。在富川瑶族自治县的五个瑶乡和六个瑶族文化生态村，就有12所中小学开办了瑶族文化普及班，聘请当地瑶族民间艺人传授织绣技艺。贺州市八步区文化馆也从2010年开始，分别在黄洞瑶族乡民族学校、步头中学民族班、贺州镇城厢中学民族班开设瑶绣传习班，从贺州市非遗保护中心“瑶族服饰生产基地”派出老师传授传统工艺，培养新一代的瑶族服饰继承人。

3.3开发旅游产业资源

服饰艺术论文范文第3篇

1.丝绸服饰质料多种多样，染织绣纹柔美洗练

南宋女子丝绸服饰质料有用素纱、苎纱、天净纱、暗花纱、粟地纱、茸纱、萧山纱、香云绉、素罗、花罗、花绮、绢、帛、异向绫、织金缎、闪褐缎、闲道缎以及上百种织锦缎等，其中以苏州宋锦、状锦、织金锦最出名。南宋女子丝绸服饰的纹样体现了典雅秀丽、清新自然之美。花木题材以牡丹和芙蓉居多，糅合月季、蔷薇、芍药、荷花、、海棠、栀子花、茶花、梅花、萱草、松竹真红樱桃、真红水林檎等十几种造型写实纹样；呈艺术表现形式有自然灵动的团花纹、纤巧优美的缠枝纹、鲜活写实的生色花。动物题材有盘龙、麒麟、翔鸾、天马、花凤、孔雀、仙鹤、金雕、云雁、练鹊、狮子、对鹿、金鱼等。另外最能体现南宋理性艺术风格的就属几何纹样，回字纹、米字纹、八达晕、锁子纹、曲水纹、龟背纹、连线纹、盘绦纹、绣球纹、雪花纹、波纹、柿蒂纹、枣花纹、梅花方胜卐字纹等均体现构图严谨、寓意吉祥的南宋理性审美，并影响着元明清服饰图案风格发展。

2.印染彩绘技术、缂丝及刺绣工艺并蓄发展

南宋丝绸印染技术在隋唐的基础上发展出凸纹版印花彩绘和镂空版花缬工艺,十分盛行。凸纹版印花彩绘始于汉代，主要是在女装对襟与衣摆花边进行装饰运用。德安周氏墓出土有三件罗襟绉纱衫，在对襟处有6～8厘米的花边均采用凸版印花彩绘手法装饰。相互验证的还有福州南宋黄昇墓出土的九件大袖衫和部分背子上用了泥金、贴金、勾金彩绘花带。镂空版花缬工艺是将镂空的缬板贴在平整的丝品上，在镂空部分涂刷调配的胶液色浆，再按花版规格进行接版印刷，有植物染料印花、涂料印花、胶印描金印花和洒金印花四种，呈现的花纹精美有序，生产简便，在南宋官方和民间广泛采纳。据吴自牧《梦梁录》卷一“车驾诣景灵宫孟飨”记载从驾官员的仪服，有“红缬锦团搭”、“红缬团花衫”“、方胜缬衫”“、红缬衫”“、红罗缬衫”等。黄昇墓出土服饰中的印靛圆点花罗裙、软罗掩裙、双虎纹罗料，南宋小品画《杂剧图》中女演员的白地浅蓝圆点膝裤等均采用花缬工艺。缂丝，又称“刻丝”，始于唐朝，经北宋时期的迅速发展，至南宋达到极盛。当时临安、松江、苏州一带的能工巧匠创新出子母经、长短戗、包心戗和参和戗等多种缂法。纬丝色彩自由变化，形象生动地摹刻出唐宋名画家的书画，细致入微地表现山水、楼阁、花卉、禽兽和人物，以及正、草、隶、篆等书法，取得空前绝后的古代缂丝艺术成就。南宋刺绣同样达到精妙细致的高水平，宋高宗时期的临安城内就云集300多名技艺出众的绣工和画师，专为皇家、内苑绘绣各种服饰，被称之“宫廷绣”。官宦士大夫阶层的官服刺绣、贵妇的服饰刺绣，家用被面、装饰屏风、壁挂等则由“民间绣”完成。明代张应文的《清秘藏》卷上“论宋绣刻丝”记载“：宋人之绣，针线细密，用线止一二丝，用针如发，细者为之，设色精妙，光彩夺目……”从考古实物资料如“褐色罗地金彩纸贴绣缠枝花纹花边”、“绛色罗贴绣牡丹纹褡裢”“、绛色罗刺绣花鸟璎珞纹残片”“、绿绢地贴绫绣牡丹、飞蝶纹残片”“、褐色罗刺绣蝶恋芍药纹花边”等汇总当时刺绣针法有：平针、齐针、接针、套针、铺针、扎针、错针、掺针、戗针、旋针、施针、刻鳞针、长短针、盘切针、辫子股、打籽针、贴绣、满绣、盘绣、锁绣、戳纱绣等。女子服饰刺绣多见于领抹、对襟、袖边、褡裢、佩绶、荷包处，绣纹题材以花卉为主，其中穿插昆虫。南宋特有的社会条件促使当时的丝织技术空前发展，女子服饰材料以丝绸为主且品种丰富多样化，印花彩绘技术与刺绣缂丝工艺的革新使女子服饰高雅精致，为款式风格多样化提供条件。

二、杂糅再构之南宋丝绸女装艺术文化的创新

1.程朱理学对后妃命妇服饰的影响

学界普遍认为南宋女子服饰拘谨保守、简朴淡雅风格是深受理学影响。然理学始于北宋中叶，代表人物周敦颐、程颢、程颐、朱熹的身前政治主张并没受到当时皇权重视，后作为官方哲学在南宋后期宋理宗执政时才被推崇，在明清两代正式成国家统治思想，对世人影响达到顶峰。由此可见，南宋前期、中期的宫廷后妃、命妇正统服饰是北宋的沿袭，在后宫和官宦士大夫阶层对女子审美观念是崇尚清瘦儒雅之风；直到南宋后期女子袒领露胸服装在全国至上而下消失，缠足之风日渐盛行，南宋后妃命妇服饰趋向拘谨淡雅。南宋前期、中期的宫廷后妃、命妇正统服饰趋向高贵华丽。

2.民间时人的服装样式追新求异，竞相效尤

服饰艺术论文范文第4篇

1.1基本的涡线形构图形式

涡线是一种曲线型线条，悠扬旋转、波浪起伏的弧形曲线不仅展现了律动的美感，也具有一定节奏的韵律感。涡线形构图形式最早起源于新石器时代，在马家窑彩陶纹饰中广泛盛行，是中国传统植物装饰纹样组合形式的原始典范。明代缠枝纹的构图形式丰富多样，延续了前代基本的涡线形构图形式，将涡线形构图形式里的各种弧线具象化，把多种涡线组合形式转化为枝茎的绕转形式，展现出的缠枝纹的蔓藤、枝茎以涡线形循环反复的延伸。明代服饰中缠枝纹利用植物枝茎粗细及茎叶卷曲程度不同的特点，以涡线形的组合方式为原型，配以丰富多样的纹样题材，构成明代服饰中缠枝纹基本的涡线形构图形式。

1.2动感十足的“S”形构图形式

在整个发展历史过程中，缠枝纹的骨骼形式变化不大，从明代服饰中的缠枝纹资料可以看出，缠枝纹骨架形式的演变发展是基于涡线形构图形式，以马家窑彩陶纹饰上相切相接的弧线形式为灵感来源，[2]以起伏回转的曲线藤蔓、枝茎为形式基础，经过延伸、绕转，形成波形各异、动感十足的“S”形框架，类似于太极图中“S”形构图。明代服饰中的缠枝纹样以“S”为主体构图形式，在“S”形骨骼形式的基础上延展出分支，形成波形不同、动感各异的S-C形骨架、S-涡形骨架、S-X交叉形骨架、S-O交叉形骨架,起伏回转的“S”形框架直接与其相呼应的花卉或果实结合，形成了枝繁叶茂，花果突出的缠枝纹样形式，充分展示了明代服饰缠枝纹花头硕大突出，枝茎粗壮有力，构图形式动感十足的鲜明特点。

1.3韵律丰富的“冏”形构图形式

“冏”形是中国传统装饰图案构图形式的典型代表，“主要特点是从一个圆的边缘向中心延展出三条钩线或者是几个钩子，最早是三个钩子，随后出现四、五个钩子。三个钩子的形式是由三组相同题材构成的纹样，如三朵花、三个果或三个同种吉祥图案。”对于明代植物纹样的形态造型，“冏”形缠枝纹的构图特点巧妙的融合于枝叶之中，并灵活运用于整个纹样之间，它利用植物枝茎自由的生长态势，巧妙完美的展示了中国植物装饰纹样在传统构图法则中所独有的变通优势。明代缠枝纹以织锦、绸缎、服饰为载体，其丰富多彩的纹样组成要素与独具特色的“冏”形构图形式的完美融合，不仅体现了中国传统植物纹样的价值，也促进了中国传统植物装饰纹样的传承和发展。

2明代服饰中缠枝纹的纹样题材

2.1单种装饰题材构成的缠枝纹样

明代时期的商品经济繁荣，手工业、商业高度发展，在此期间处在社会中下层的市民阶层逐渐壮大并成为不可忽视的消费群体，他们的情感表达方式简单淳朴。因此，反映在装饰纹样当中，通常采用较为简单而直白的添加形式，即以植物的藤蔓或枝茎为骨架，直接与单种花卉或果实进行组合，形成由单种题材构成的缠枝纹样，如缠枝莲纹、缠枝菊纹、缠枝牡丹纹、缠枝葡萄纹、缠枝石榴纹、缠枝灵芝纹、缠枝葫芦纹、缠枝西番莲纹等。这种直接在缠枝骨骼上添加单种题材构成的缠枝纹样的花朵或果实相对比较大，与之陪衬的叶片相对比较小，作为骨架的藤蔓或枝茎以曲线的形式不断延伸、旋转。这种形式在织锦、绸缎面料中应用颇多，常以底纹图案的形式出现。。它们在对比与呼应的形式关系中变化多端，婉转多姿，展现了良好的组织性和强盛的生命力，使整个纹样个体更加突出、主题更加鲜明，能够更为直观的表达人们的美好愿望及精神寄托。

2.2多种装饰题材组合构成的缠枝纹样

明代时期的吉祥文化得到了广泛传播，内外文化沟通交流的机会更加频繁。在此期间，缠枝纹深受其吉祥文化寓意的浸染，取材更加多样，特点更加鲜明，在明代时期的发展达到了一个新的高峰。在选材上，明代吉祥文化赋予了缠枝纹丰富的纹样题材，它以多种代表吉祥寓意的花卉、果实或具有神秘色彩的宗教符号为题材，使其在同一藤蔓或枝茎上共生，共同组合成极具表现力和包容性的缠枝纹样。如明代织锦中的缠枝牡丹莲菊海棠纹织金绸、缠枝牡丹纹锦、缠枝四季花卉纹妆花缎、缠枝莲铜钱寿纹妆花缎以及明代青花瓷器中的缠枝莲托八宝吉祥纹、明宣德青花五彩鸳鸯莲花纹碗、青花缠枝莲托寿字、青花缠枝牡丹纹托，均是由两种或两种以上的题材组合形成。不同的题材寓意不同，这些由多种题材共同组合而成的缠枝纹样展现了更加多元化的文化内涵和吉祥寓意，不仅成就了明代缠枝纹多样化的组合方式，又体现了明代百姓对未来美好生活的各种期盼和渴望。

3明代服饰中缠枝纹的文化寓意

3.1生殖崇拜、种族繁衍

生与死是每个生命体不可回避、不可复制的轮回。正是这种不可替代的自然现象，再加上人们对生殖崇拜、种族繁衍的迫切渴望，才使人们对生命的延续更加敬畏，从方方面面倾注了更多智慧和心血。生殖崇拜，是指人们对幸福的追求、对生命的向往，是希望人丁兴旺和氏族强大的一种表现。石榴、葡萄常被作为人丁兴旺的吉祥象征，石榴籽粒丰满，古人称石榴“千房同膜，千子如一”；而葡萄种下一颗籽，却可以长出成千上万颗葡萄，因此石榴和葡萄常被赋予较强的生殖能力，预示“多子多福”“、一本万利”。在明代服饰中，人们普遍以石榴和葡萄作为主要装饰题材，如明代缠枝葡萄纹氅衣以缠枝葡萄纹为底纹图案，大面积的底纹布局，表达了人们对生命延续的迫切希望、对儿孙满堂、家庭兴旺的美好生活的不断追求。

3.2吉祥富贵、幸福美满

从古至今，尽管在不同的历史时期人们渴望吉祥的表达方式各异，但对美好生活的殷切向往未曾停息。随着人类文明的进步，商品经济的快速发展，吉祥文化的广泛传播，表现在纹样上的“吉祥”寓意变的更为丰富和具体。如以体现吉祥平安为主题的缠枝莲花纹，传递了对安定平静生活的向往；以代表祥和富贵的牡丹为主题的缠枝牡丹纹，表达了对富足生活的渴望；以象征处世闲静的为主题的缠枝纹，寄托了期盼健康长寿的朴素思想；以象征对未来生活憧憬的宝相花为主题的缠枝宝相花纹，体现了对吉祥平安生活状态的追求；集牡丹、、莲花、梅花于一身的缠枝四季花卉纹，诠释了对幸福生活的美好向往等。这些以选取一种或多种具有吉祥含义的花卉为题材，通过突出花卉形象、弱化叶片和枝茎为陪衬骨骼的形式来表现主题，展现了人们对吉祥富贵、幸福安康的美好生活的向往和追求。

3.3宗教思想

随着佛教在明代的广泛传播及盛行，缠枝纹的演变和发展深受佛教文化的影响，积极从佛教中提炼与之相适应的装饰图案，并与蔓藤、枝茎组合成缠枝纹样应用于织锦、服饰中。在明代统治者的思想里，莲花出淤泥而不染的鲜明特质，充分体现佛教所宣扬的无欲脱俗的思想，而在佛教装饰纹样中，八宝吉祥是由具有特殊的社会群体推崇而得的，以八宝吉祥纹样在汉地流传最为久远和广泛，其图案的内容与形式的演变脉络也较为清晰，具有趋吉避凶的特殊含义，因此常将二者结合在一起构成的缠枝莲托八宝吉祥纹具有双重意义，体现了人们对平安如意的娴静生活的渴望以及对高洁不俗的思想境界的追求。据传不论是古代史书还是神话传说，都把灵芝的功效夸大，赋予其能够起死回生、长生不老的传奇色彩。在生活中，灵芝又为道家所推崇，体现道家思想。将灵芝与缠枝纹结合组成缠枝灵芝纹代表吉祥如意，延年益寿，在一定程度上体现了明朝宗教思想之间的相互融合。

4结语

服饰艺术论文范文第5篇

[论文摘要]从民族装饰纹样的分类和特点出发，举例说明了的民族装饰纹样中体现的各种吉祥观念，并对民族装饰纹样中的吉祥观念的未来发展作出预测。认为吉祥观念是人类普遍存在的心理意识，它被人们借以各类载体表达和呈现，其中以民族装饰为吉祥观念的最主要载体。

一、引言

吉祥的本意即为美好的预兆，是中国文化中最为通用引言的祝福之词。千百年来，“吉祥”一直成为中国装饰艺术的主题，无论是图案纹样或是装饰的图画，其寓意所表达的主题是“吉祥”。吉祥图案作为传统装饰纹样的一种，它是通过某种自然现象的寓意、谐音或附加文字等形式来表现人们的愿望、理想的图案。吉祥图案是吉祥观念的艺术表现，反映人们对美好生活的向往和追求，对吉祥如意的希冀和期待。中国许多少数民族的各种工艺品都是纹样化的吉祥物的载体，而为满足心理和审美需要而在媒介物上进行平面或立体设计所形成和积淀的且具有本民族特色的民族传统装饰则是吉祥观念最主要的载体。

学术界中关于民族装饰纹样及吉祥观念研究早已有之且成果斐然，主要可概括为三个研究方向：一是民族装饰纹样的研究，如李桐的《民族背带装饰艺术及其文化特征》、张大庆的《中国民间刺绣装饰纹样的构成》l2等许多关于装饰纹样的研究；二是关于民族装饰纹样中吉祥观念意识的研究，如唐平涛所著的《浅析传统吉祥装饰纹样》、符均的《吉祥图案与民间装饰艺术》等；三是传统吉祥观念的现代运用研究，如陆宇澄所著的《传统装饰纹样中的吉祥观念与现代设计》、戴鹏的《中国传统纹饰与现代设计》等等。但是对于民族装饰纹样中的吉祥观念，学术界探讨的人还是比较少，有鉴于此，本文从民族装饰纹样的分类和特点出发，举例说明了的民族装饰纹样中体现的各种吉祥观念，并对民族装饰纹样中的吉祥观念的未来发展作出预测，以就教于行家。

二、少数民族装饰纹样及其特点

各民族装饰的纹样、图案种类多样，且与各民族的历史文化有着密切的联系，都蕴涵着各民族独特的历史文化和民俗气息，同时还蕴涵着浓厚的吉祥观念。人们常常将植物、动物、生产工具、日月天象、自然地理，以抽象或写实的方式用于各种装饰中，反映了各族人民强烈的吉祥观念和对美好幸福的向往。

1．少数民族装饰纹样的分类

少数民族服饰中的图案纹样非常丰富，主要有动物纹样、植物纹样、人物纹样和几何纹样等。由于受不同的生活环境、风俗习惯和历史文化背景的影响，各民族人民在图案纹样上的喜好也各不相同，例如，壮族的服饰图案和壮锦的图案等主要以自然形和几何形为主。自然形图案有鸟、兽、虫、鱼、龙、凤、花草或山川I等；几何纹图案有菱形纹、回纹、万字纹、水波纹等，形象简朴而抽象，色彩艳丽而协调。瑶族的装饰图案纹样主要以花、山、树、草等的自然物纹样为主，如瑶族挑花的纹样多是些小花、大树花、谷仓花芭蕉花等，此外瑶族的装饰图案纹样也常以动植物纹样和几何纹样为主题，如鱼、鸟、勾花、妹仔花、路花、太阳花、水沟花等。苗族和侗族则喜欢用直线和曲线组成的几何纹样作为装饰图案；苗族刺绣的题材都是她们生活中接触到的或是民间流传下来的，如人物、楼阁、龙鱼、虫乌、花卉、几何纹等；苗族的浆染纹样多用细线组成，线条流畅自如，纹样精细清晰。常用纹样有鱼骨花、小团花和叫不出名的一些单独纹。水族的服饰有人字纹、花椒纹、方格纹和斜纹等的图案纹样。

2．少数民族装饰纹样的特点

(1)民族装饰纹样素材丰富多彩。民族装饰纹样的素材丰富多彩，常见的素材有：人物：八仙、关公、财神、寿星、麻姑、送子观音等。动物：飞禽(凤、鹤、鹊)；走兽(龙、象、羊、鹿、豹、麒麟)；虫鱼(蝴蝶、蝙蝠、蟾、鱼、蝶)。植物花：(牡丹、月季、莲花、桃花)；木(松柏、梧桐、竹、梅)；草(萱草、灵芝、白菜)；果(石榴、桂圆、葫芦、包谷)。器物：礼器(爵、鼎、璧、卣)；货币(古钱、银锭)；乐器(铜鼓)；其他(寿石、瓶、如意)。字符：祝、寿、喜、、八卦、祥云、宝相花、回纹等。

(2)民族装饰纹样表现文化内涵的手法多样。的民族装饰纹样大多是运用人物、走兽、花鸟、器物等形象进行设计造型而形成的，它对民族文化的表现手法有以下几种：一是借喻。人们将动物、植物的自然属性特点延长、引申，经着意加工，借物喻志，以表达各种情感。如借助于松柏来寓意长生不老，祝福人之长寿；借助红梅寓意春光等。二是比拟。即可将人化作美好的事物或将美好的事物当做人。如以梅、兰、竹、菊比喻人之高风亮节；以牧童表示天下太平；以南极仙翁或麻姑比拟长寿。三是象征。人们通过对某些特定审美内涵的图形形象或局部形象加以丰富的联想、想象，自由组织画面并借表面形象来深化内在寓意，这种具有含蓄美的构成方式在民族装饰中有着广泛应用。四是谐音手法。有些是利用原物名称与表现主题在语音上的相同或相近而生成的。如用寿石、绶鸟、寿桃代“寿”；用蝙蝠代“福”；用喜鹊代“喜”；用桂花、桂圆代“贵”；百合代“百”；花生代“生”等。

(3)少数民族装饰图案纹样寓意深刻。少数民族服饰的纹样、图案是千差万别的，但是大多装饰图案的主体都以诗情的、吉祥的，或象征幸福美好，或歌颂正义为题材，借物寄情，将个人的意念和愿望呈现在装饰图案的纹样中。有的纹样图案是在叙说着潜藏在民族记忆中悠远的历史或童年神话，展现着民族文化心理的积淀和追求，例如白裤瑶妇女夏衣背面的方形图案，表示对祖先苦难历程的纪念；有的图案纹样寓意光明与自由；有的图案纹样是对祖先或民族英雄的崇拜和记念；有的图案纹样寓意爱情幸福、婚姻美满；有的图案纹样寓意高官厚禄，富贵长命；有的图案纹样寓意丰收喜庆等等。虽然不同民族在不同的地理环境和文化背景下对制作各种民族装饰的手法和技巧有所不同，但其所表达的文化底蕴和民族精神是具有相似性的，都体现了各族人民的生产生活和各种美好愿望。

三、少数民族装饰纹样中吉祥观念的体现

民族传统装饰纹样表现为物质的具体形式有雕亥、壁画、年画、剪纸、织绣、彩绘、图案等，其蕴含着丰富的传统文化精神，成为构建民族理性思维和文化性格的象征，体现人们祈盼福喜和吉祥的精神慰藉。少数民族装饰的图案纹样主要以吉祥观念为中心，反映的吉祥主题大概有“长寿”、“富贵”、“安乐”、“喜庆”、“如意”、“吉祥”等内容。下面将以实例说明吉祥观念在几大少数民族装饰纹样中的具体体现。

1．壮民族装饰纹样中吉祥观念的体现

壮族的壮锦是最具有代表性的装饰品之一，其图案精致美观，色彩艳丽。在壮锦的制作过程中，壮族妇女通过在壮锦上织绣图案纹样来表达自己的理想和追求，因此壮锦上的图案纹样总以吉祥为表达主题，壮锦上常见的龙凤图案纹样壮锦即为富贵吉祥之意，还有壮锦纹样题材中的蝴蝶朝花、凤穿牡丹、双龙抢球、狮子滚绣球、四宝围篮、鲤鱼跳龙门以及大小五彩花、大小、石榴牡丹、水波纹等，都反映了壮族人们的生活愿望和淳朴而健康的思想感情。在壮族人民心目中是吉祥、智慧、幸福的象征，人民的婚嫁、生死，甚至青年男女谈情说爱都少不了它。壮族的背带中刺绣有各种花草，欲纹龙纹以及“福”、“富贵长命”的图案和字符，以表达对子孙后代的关爱，佑护等各种吉祥愿望。

2．苗民族装饰纹样中吉祥观念的体现

牛是苗族丰收的保证，是财富的象征，也是苗族地区最大的牲畜，在婚喜庆典和人生交往中，杀牛是最隆重的仪式。因此苗族服饰上的龙纹、牛旋纹是穿在身上的图腾，其意义是希望得到龙(牛)的护佑，多子多孙，风调雨顺，表现了苗族祖先生命本体意识的追求。此外，在妇女和婴儿的服饰中以蝴蝶图案纹样为主，来表达对生育繁衍的渴盼。铜鼓是苗族一种乐器，在传统节日和祭典活动中，青少年男女喜欢成群结队到有铜鼓的人家去击鼓作乐。铜鼓为族人公有，表欢乐和喜庆，是丰收和兴旺的象征，将铜鼓图案纹样绣于各种服饰中，用以表达对丰收的向往、喜庆的渴望和对神的祈祷的意义。苗族人认为初生的婴儿还处在阴阳交界、人鬼之间，因此要千方百计保护新生命，其中包括采取系列穿戴仪式，如用一张绣有“蝴蝶妈妈”图案的纺织品作为襁褓，一直到两岁前服装都绣这种“蝴蝶妈妈”图案，以示“始祖母”对后代的庇护。

3．侗民族装饰纹样中吉祥观念的体现

侗族小孩的背兜上，常见的是一种以牡丹花为中心组成的“月亮纹”，另一种是以涡纹组成的“月亮纹”，其意都有祥合和意。在三江侗族自治县，人们在小孩的背带盖上绣有一个四方形图案，从周边四个角向中心直立着四棵大树，树干坚韧而挺拔，每棵树上枝繁叶茂，有些树还开花结果，预示着无穷无尽的繁殖能力；而隆林的苗族则在小孩的背兜上绣着向日葵，希望小孩能像向日葵一样茁壮成长。

4．瑶民族装饰纹样中吉祥观念的体现

瑶族1～5岁幼儿戴的八仙帽，帽正中饰以“太白金星”的神像，两侧各立四个神共“八仙”，以祝神灵庇护孩子平安成长；瑶族有以狗为图腾崇拜的习俗，孩子戴上狗头帽可祛邪避恶，带来平安；全州地区的瑶族三角帽是妇女传统帽饰，呈三角形，由各色丝线在帽沿刺绣花乌鱼虫、锦鸡凤凰、龙狮艘鳞等图案，人们认为戴这种帽子进密林入草丛，可以打草惊蛇，保护自身安，以求吉祥。谷仓花是瑶族织锦和蜡织纹样，用几何直线表示谷仓结构，中间有谷籽形。以二方连续和四方连续的形式寓以丰收、富裕之意。南丹的瑶族刺绣纹样多以对称红线组成，似正方形，像太阳放射光芒，寓意追求光明与自由。瑶袋中的鱼、鸡、蝴蝶、花都是日常生活中常能见到的。其背后的民俗含义有：如鸡吃花中，鸡象征男性，花象征女性，取阴阳相合子孙无穷之意。

民族装饰纹样中吉祥观念的体现可谓种类繁多形式各样，在各类数不胜数的装饰中都能看到吉祥观念的存在，在这里就不一一列举。可以说，少数民族装饰图案纹样中的吉祥观念贯穿了人生历程的每一个阶段，从幼儿时期的平安成长，到中年时期的福禄富贵，再到老年时期的长命百岁。少数民族装饰的图案纹样以丰富的题材和多样的手法来展现各民族人民对吉祥美好的孜孜不倦的向往与追求。

四、少数民族装饰纹样中吉祥观念的发展远景

吉祥观念是人们在长期的生产实践过程中产生和发展的，属于人类的主观意识层面，它会随着时间和环境的改变而改变。少数民族装饰纹样中的吉祥观念亦会随着社会的发展变迁而发生改变，在未来的发展中可能呈现出以下的变化趋势：

1．随着市场竞争的激化和需求的扩大，少数民族装饰纹样中的吉祥观念将更具民族性

近几年来，的社会经济发展速度不断加大，特别是中国～东盟博览会在举行以及“北部弯”经济区大开发，对的政治、经济、文化各方面的发展都起着重大的促进作用，不仅大大提高了的国际知名度，同时也刺激了旅游业的蓬勃发展。而作为对游客有着强大吸引力的民族装饰品，将成为旅游业发展的一个重要卖点。因此，在市场需求扩大的情况下，各少数民族装饰品的种类和数量将不断增加，一些即将消失或已经消失的民族装饰重新回到历史的舞台将成为可能；而为了各具特色更显本民族文化，装饰图案纹样也会被人们赋予更多的文化内涵，表现得更加丰富多彩，所展现的吉祥观念亦将得到更广泛的诠释，更能显现少数民族装饰纹样的独特民族性。

2．随着民族装饰的商品化发展，民族装饰纹样中的吉祥观念将更具全球性和时代性

服饰艺术论文范文第6篇

一、古代服装的演变

秦朝统一了中国，在进行了一系列重大改革之后，经济开始发展，政权逐步稳固，封建社会成熟，服制也更加严格。秦尚黑，始皇规定大礼服为黑色祭服，衣色以黑为最上，三品以上的官员用绿色，平民用白色。衣料重锦绣，纹样繁复。秦汉时期深衣的发展，使“深衣广袖”极具古代服饰的代表性。深衣有着千年的发展历史，在封建王朝的统治下，占有重要的主导位置。汉朝沿袭了深衣的形式，冠服制度，也大都承袭秦制。西汉时期建立的“丝绸之路”对古代服饰产生了深远的影响。“文景之治”带来了经济的繁荣，汉朝服饰由俭入奢。丝绸出换进来的珠玉犀象、琥珀玳瑁等饰品，织绣工业的发达，使汉代的衣着水平提升。魏晋南北朝时期，受佛道思想的影响，宽衣广袖成为上至王公贵胄下至平民百姓的流行服饰，服装力求俊逸潇洒。文帝曹丕制定了九品官阶服制，用紫绯绿三色区分九品。这一制度一直沿用到元明时代。隋文帝结束战乱，统一中国，政治稳定，厉行节俭，不注重服制等级，服装制度杂乱。隋炀帝即位后，为了宣扬皇帝的威严，结合前朝制度建立了本朝的服制制度。妇女戴幂罗的外出装扮，皆吸收融合了南北朝时期胡服的特色，对唐代女服有很大影响。唐朝政治、经济文化繁荣，服饰文化得到空前的发展。唐朝经济的对外开放，使得“浑脱帽”、“时世妆”得以流行。形成了中国古代服饰史上的第三次变革。此时黄色成为皇帝专用色，是帝王的象征。由于经济文化的对外交流，唐代妇女服制形式开放，汲取了北方民族服饰的特点，尤其胡服盛行。在唐代的壁画中，出现了袒胸露臂的妇女形象。《簪花仕女图》中高腰襦裙，半抹胸，外披大袖纱罗衫，衣料透明，肌肤若隐若现，足见当时的开放程度。日本的和服、朝鲜服、韩服均吸取了唐、明时代的精华。日本和服更是继承了大袖衫的服饰特征。唐装多变、服饰大胆，成为中国服饰史上的一朵奇葩。宋代沿袭继承了唐代服制，稍有革新，出现了褙子。辽金元为少数民族掌权，各自继承了民族特性。明代恢复了唐代冠服制度，女子上衣比唐代拉长。由于明代政府非常重视农业，推广棉业，棉布得到普及，普通百姓的衣着也得到了改善。明朝因帝姓，以红为正色，但平民禁用大红色。最有特色的是用“补子”表示官员的品阶。文官的补子用鸟，武官用走兽，各分九等。清兵入关后，推行“剃发易服”，男子服饰按满族习俗，官服为长袍马褂。清代女着旗装，外罩坎肩，花样翻新，颇为流行。

二、近现代服装的演变

1840年鸦片战争以后，由于帝国主义的入侵，我国逐步沦为半封建半殖民地的社会。同时，受西方资本主义文化的影响，西式服装流入中国。但男子的服装还是以长袍、马褂为主，一般用于交际，妇女普遍着满式旗袍。后来旗袍经过改良，已成为中国具有代表性的服饰。从清末民初到三十年代，旗袍成为女性的主要服饰之一。衣袖的宽窄、长短；衣领的高低；下摆由长至短，由短至长；衣料由俭入奢，由奢就俭，都受当时的政治经济文化的影响。而辛亥革命后，受革新思潮文化的影响，男子服装中出现了中山装。但主要服装还是长袍、马褂。20世纪80年代，改革开放，香港来的洋装，喇叭裤、牛仔装，西方的西装逐渐占领了市场。而今，随着经济的繁荣、世界服饰的融合发展，带有政治色彩的服制制度早已不复存在，现代人在服饰上追求个性、时尚、多变。人类服饰文明历经了几千年的发展演变，凝结了民族审美和文化。现今人类需要思考的服饰问题是环保和可持续发展。随着科学技术的再发展，服饰也终将进入新的文化领域。

作者：刘秀东 单位：河北科技大学唐山分院

服饰艺术论文范文第7篇

1.装饰艺术概述

装饰一词泛指艺术修饰，在西方，装饰一词起源于17世纪中期，而在中国，这个词的出现更为久远，早在5世纪到6世纪，对于依附于某一主体的绘画或雕塑工艺，统称为装饰。这一艺术形式不仅仅包含追求形式美感的装饰艺术，也包括了抽象性和象征性的因素。这是比较广义的概念划分，对于装饰一词的狭义定义是指一件事物按照形式美的规律来对艺术对象进行抽象、变形或者加工整理，从而使其产生形式美的一种艺术风格，其中，这些艺术加工运用到了平衡、秩序、韵律、节奏、统一等的形式法则。

2.服装设计概述

服装设计是一门综合性很强的学科，它涉及到了美学、心理学、材料学、市场学、工程学、文化学以及色彩学等。服装设计是一项系统的过程，从对设计对象的构思到实际图像的绘制，再到效果图的完成，最后到服装的剪裁、缝纫等一系列的流程，都是服装设计里面的范畴。其中最重要的是，服装设计不等同于普通衣物的制作，它在实用性的基础上要求个性化，要求设计者设计出集实用、美观与个性化于一体的服装。

3.装饰艺术与服装设计的关系

装饰艺术在某种程度上依附于服装设计，因为它要依靠服装这个载体来展现自己的美感，如新时期时期彩陶器上面的装饰都是经过夸张变形之后的图形，这些装饰艺术为彩陶器增添了艺术美，在服饰的装饰上亦是如此，特别是发展到现代，装饰艺术与服饰设计更加密不可分，服饰脱离不了艺术装饰。

二、装饰艺术对服装设计的影响

1.装饰艺术对服装设计观念的影响

艺术家在创造作品时，先是从日常生活中选取素材进行加工制作，最后完成艺术或文学形象的创造，在这个过程中所动用的思维活动则是形象思维的活动过程，在人类历史千百年的流变中，服装设计的灵感来源丰富多样，有生物学的因素，也有传统民族文化和社会文化的缩影，因此，装饰艺术对现代服饰设计的思想观念产生了巨大的影响，其中包括一些夸张的造型、艳丽的色彩、环保理念等现代思维方式。

2.装饰艺术对服装设计实践的影响

现代服装设计师在灵感的来源上不再局限于自然事物和传统抽象思维，在实践过程中，更多的是运用装饰艺术中的灵感，比如中国的龙图腾、摩洛哥的靠垫、巴布亚的屏风，这些意象直接成为现代服装设计师的取材来源，这种直接现实性也是现代服装设计的一大特点，但是究其根本，还是因为装饰艺术的发展充分成熟，灵感的来源能够直接作用到服装设计中，在当下大热的豹纹图案、复古军用鞋上面，设计师们在用装饰艺术潜移默化地影响着我们的日常生活。

三、装饰艺术在服装设计中的实际应用

1.装饰艺术色彩在服装设计中的应用

色彩对人的感官影响直接而鲜明，因此在服装设计中对色彩的运用于把握是一项重大的课题。色彩具有自然与社会双重属性，其自然属性比较固定，因为基于人类的生理属性，在对颜色的反馈上具有一致性和稳定性，但是其社会属性则会随着历史文化的变迁而被赋予不同的内涵，甚至在不同的地域间，其意义也不尽相同。这就造成了色彩在装饰艺术运用上的丰富性，特别是在服装设计上，色彩的运用影响到了服饰的视觉效果、心理效果和文化特征。

2.装饰艺术材料在服装设计中的应用

随着人类文明的进步，服饰的材料选择上面也在不断出现新变化。从最初的动物皮毛、树叶草皮等就地取材的原料选择，到如今的棉、麻、丝绸、雪纺、牛仔、呢绒、皮革等等材料，这极大地丰富了服装设计的选择性，而装饰艺术上的材料也发展为金属、石器、木材、贝壳、绳索等，这些材料因为自身天然属性的特征，在装饰艺术中呈现出诸如透明、粗糙、莹润、奢华、细腻等视觉效果，通过装饰艺术对现代服装设计的思维进行重组，创造出富有个性和时代感的作品。

3.装饰艺术图案在服装设计中的应用

广义图案是指某种器物的造型样式、结构色彩，而在服装设计中，图案则专指设计艺术中的装饰纹样，它包括了几何图形、人像、花卉、动物、风景以及其他抽象的图形，这些图案以或规律或杂乱的形式布局在衣物上，造成强大的视觉冲击力和特殊的艺术魅力。得益于现代科学技术的发展，现代服装设计中对于图案的应用技巧更为灵活方便，由此衍生出多种多样的服装图案，为现代服饰文化增加了丰富性。

四、结语

服饰艺术论文范文第8篇

关键词：苗族服饰妇女价值纹样艺术绮丽多姿民族审美

一、苗族服饰图案纹样艺术的人文背景

苗族服饰向来以绮丽多姿、纹饰繁富的特点为世人称道。令人难以想象的是，苗族有些简陋的吃住生活与他们织绣染装服饰艺术的五彩缤纷、灿烂夺目形成了非常鲜明的反差。在苗族服装饰纹图案精美绚丽多姿的背后，有些人家连床铺被盖尚不齐全，食物常年以酸汤菜为主的条件下，在服饰上从不含糊行事。从发生学的角度上来看，任何民间艺术品背后所蕴藏着的意涵、人文内涵及象征意义都与该民族或群体的生存、发展和思维方式休戚相关，特别是一些民族风俗习惯在民族和群体中一般来说是约定成俗、口传心授的。

服饰织绣染装艺术在苗族社会中能占有如此重要的地位，千百年来得以经久不衰的繁荣和发展，一方面体现了这一约定成俗的民族风俗习惯；另一方面则体现了苗族妇女自身的价值观，即能力的体现和审美的体现。这两种价值观的体现对其社会声誉和择偶、婚姻缔结产生直接而重大的影响。苗族是以家庭为生产单位的自给自足的小农经济，吃的、用的都基本上由家庭自己生产，妇女除参加农业劳动和家务劳动之外，纺织、刺绣或蜡染是她们一生的主要劳作。因此，纺织绣染在苗族中成为人们评价妇女能力高下的一个主要标准。美誉四方的妇女，必定是纺织绣染做得最好、心灵手巧的妇女，她们会受到人们的敬重和喜爱。反之，不善纺织绣染的妇女，会受到人们鄙视，给待婚姑娘在择偶、婚姻上带来不利甚至麻烦。显然，这种受风俗制约的习惯势力是苗装服饰发展的主要条件。千变万化、灿烂多样的苗装服饰纹样表达了苗族妇女对美好生活的追求，也反映了苗族人民热爱民族本土文化生活的社会习俗和社会风尚，正因为这种民风民俗的提倡和地位的确立，才使苗装苗绣得以世世代代不断继承和发展。而众多的苗族聚集地及其不同的分支与不同的环境，又为服饰纹样艺术的发展创造了既相对独立又相互联系的条件。

苗族现有人口700多万，在我国56个民族中，人口列第五位。在中国版图上，人们以苗族的地域分布状况和语言特征，习惯将其划分为东、中、西三大分支。这三大支中，各有若干宗支。其中中支中的黔东南是苗族最大的聚居区的核心腹地，占苗族人口的1/4，有40多个支系。苗族的东支与中原汉族聚居区接近，汉族政治、经济、文化对其影响较大，自明清以来，生活习俗逐渐汉化。西支苗族因历史上频繁迁徙，同一支系往往分割在不相连的地域，其村落多夹杂在其他民族之间。由于苗族聚居地的环境分布和不同支系分布的原因，便形成了支系众多的服饰工艺争奇斗艳、图案纹样繁杂的现象。

从苗族服饰图案纹样艺术中，我们可以感受到苗族人民在严酷的自然和政治斗争中、形成的热爱生活、热爱自然的民族个性。它不仅是一种文化与价值取向，同时也是一种政治体现。在苗族服饰发展的漫长历史中，曾受封建专制统治阶级的民族歧视和压迫。清王朝曾强令苗族改装，黔东南一带苗区曾顽强抵制。由于苗族所具有的强烈的民族反抗意识与政治自由个性，使苗族服饰在传承中得以稳定发展。工艺上经过一代又一代人的创造，形成了极具特色的民族服装装饰艺术，成为中华民族乃至世界民族服饰中一支亮丽的奇葩。

二、苗族服饰图案纹样运用与图案纹样类型

从派生出的众多的苗族服饰类型与纹样图案艺术上可以看到，苗装图案每一部位和配件都是苗族妇女的精工细作。方寸之间，储存了延续千年的古老记忆和苗族妇女对生活美好的追求。如果说苗族服饰纹样造型比其他民族丰富是有别于其结构搭配上的创意独特的话，那么更主要的还是饰纹图案的不同变化。在苗族丰富的服饰纹样造型中，我们不仅可以了解到苗族人民热爱生活、崇尚自然、追求美以及丰富的想象力，同时还表达出他们奇特的审美意识和图饰文化的创意与娴熟的表现纹样的技巧。苗族服饰之所以华丽大度，是与服装的图饰纹样造型分不开的。苗族的服饰纹样主要用在衣裳、配饰、银饰以及背儿带、被面及床上用品等方面，所使用的装饰图案种类丰富、绮丽多变。这些饰纹图案一般主要的是绣在上衣的肩、领、襟、背、袖等部位，配件如腰带、飘带、围腰、围胸兜、头巾、帽子、围裙、鞋和各种银饰以及衣裳之外的背儿带等。

苗族服装图案纹样形式在表现手法上大致可归为三大类。第一类是具象性纹样，即接近于写实的纹样；第二类是半抽象半具象纹样，即由几何线条组成的实物具象；第三类是纯几何形纹样。所有的纹样都具有程式化的特征，所描述的母题主要有动物、花草、太阳、月亮，在一些地方支系（型）中还配有一些人物活动。这些纹样在造型创意和表现手法上充分展示了苗族写实和写意两方面的技巧与才能，任由思维进行创作。从其纹饰题材内容上看，源于对古文化和历史的记忆，源于对自然环境的写实和对古历史文化及自然环境的写意。

从纹样装饰的类型上，基本可分三类：几何纹，动物纹，植物纹。

苗族服饰中大量的几何纹饰主要有十字纹、锯齿纹、水波纹、云纹、雷纹、回纹、井字纹以及几何化的自然物象太阳纹、铜鼓纹、星纹、卷草纹、八角花纹等等。这与他们运用以织花和挑花、贴花工艺为主有着密切的关系。苗族服饰中的动物纹也十分丰富，造型十分奇特，特别是在服饰的装饰上，运用独有的表现手法，体现了苗族妇女在动物图案纹样中极具丰富的想象力和较高的概括力。

动物纹样是苗族服饰中使用较多的图案纹饰，心灵手巧的苗族妇女使各类型动物纹饰夸张变形，显现出独有的韵味和魅力。这些动物造型主要有牛、龙、象、虎、狮、鹿等动物及无名走兽纹饰。所有动物形象都是超现实的造型，除一般常见的变形、夸张、简化、程式化等变体方式外，还普遍有这几种特殊的变体形式：半人半兽；多动物合体；动物人物与植物合体；包含，即动物躯干像怀孕式的包含形体小一些一两个人物或动物；双头共身或双身共头；独头，即只取兽的头部下面像，似青铜纹饰兽面纹。

苗族服饰中的植物纹饰主要有菊、荷、石榴、葫芦、向日葵、鸡冠花、蕨菜、辣椒花、折枝等及山野中、水中叫不出名的花卉植物。这些纹饰主要用于服饰的领沿、袖口等边沿。有时则以植物纹与动物纹交叉绣制。动植物纹饰表现技法基本上概括了所有能掌握之织、染、绣、贴、补等工艺。由于不同的地区掌握工艺情况的不同，纹饰的造型也呈现出不同的个性和地域性特色，从而也就构成了苗族服饰地域性风格和类型繁富的现象。

苗族服饰大致分100多种服饰类型，其中一部分类型只采用刺绣或辅以织锦装饰，另一部分类型则以刺绣、织绵与蜡染并用。在蜡染的服饰类型中，中支苗族仅有几支，西支苗族较为普遍，东支苗族基本上没有。刺绣、织绵在色彩的丰富性、鲜亮性和材质、工艺变化表现的质感、立体感与图案纹样的丰满等视觉效果及经久耐用性诸方面均胜于蜡染的单调、平板，这也许是苗族服饰普遍喜欢使用刺绣、织绵的原因。为了取得悦目的观赏视觉效果，苗族刺绣在长期的发展过程中，形成了精湛的多种刺绣技法与质材的巧妙搭配方法。有些技法非常独特，如扁带绣、梗绣、锡片绣、各个服饰类型都有一至二、三种主要的绣法，各种绣法与服饰的质材、纹样变化构成各自的类型和刺绣风格。黔东南凯里一带苗族刺绣针法多达一二十种，基本绣法大致有平绣、锁丝绣、扁带绣、梗边绣、布帖绣、堆绣、锡片绣、打籽绣、挑绣、数纱绣等常用的绣法。有些类型的刺绣有时常由几种技法配合在一起，使图形纹样更具有起伏变化的丰满富丽的视觉效果。

三、苗族服饰图案纹样对现代艺术的影响作用及现状

苗族服饰传统有其特殊的生存环境和传承方式，即使在现代社会中，一些支系的纹饰图案中仍然保存着诸多远古时期文化和原始艺术的特征。在服饰中，一些奇幻的形象蕴含着神秘的观念意识，从中我们可以看到彩陶、青铜文化的缩影。这些奇异神秘的图案纹样，对于现代绘画艺术和装饰艺术都有无可估量的运用价值。从很大程度上给予人们现代绘画艺术、装饰艺术的承载和发展极大的启发。开发和利用这一民族文化，对现代社会的绘画艺术、装饰艺术的创新有其重要意义。

随着时代的发展和社会快节奏的改革变化，一些新生苗族后代迫于生存的压力在观念上对传统服饰有所淡化，这种耗时费功的纺织绣染服饰艺术显然已经失去了重要的地位。在制作的技艺上，新一代人远不如前辈人了。激烈的社会竞争必定很难从时间上保证这一传统的服饰制作工艺得以延续。

旅游在冲破传统文化最神秘最深层的神经的同时，带来传统文化的规范化、表演化和观赏化的结果。一些节日往往追求的是所谓“文化搭台，经济唱戏”的功利目的，削减了原有文化服饰的展示功能。苗装逐渐沦为以节日、娱乐为内容的道具和附庸，渐失赖以生存的文化氛围，苗装服饰艺术也走向了衰微。我们所担忧的是再过若干年，这一民族瑰丽之花恐会随着时间黯然凋谢、流失。笔者以为，应引起我们的高度关注与重视。

参考文献：

[1]杨正文编著.《苗族服饰文化》[M].贵州民族出版社，1998.

[2]扬鬃王良范编著.《苗侗文坛》[M].贵州人民出版社，2005.

服饰艺术论文范文第9篇

1、单纯再现式

图纹的符号再现代表了彝族人对大自然中美好事物的紧密追随，是彝族历史文化、生存坏境、审美情趣、的重要文化传播载体。对火的崇拜源于彝族人在生活生产方式过程中的深刻体验，火焰传达的光明与炽热给彝族人带来了感性依托，以此进行理性的凝练提取火焰的本质符号形式。所以，火纹承载着彝族古老的传说，被赋予深厚的情感意义，凉山彝族人用纯朴的气质充分运用艺术想象，通过弯曲程度不同、方向不一、位置考究的曲线来表示火焰的熊熊燃烧、气势磅礴。或是出现过于具象的单独太阳符号，具有装饰性、通俗又有现代感。在彝族人选择服饰纹样表现形式时，从自己的审美角度出发，选取了最普遍的自然物象，用跳动的火焰形态，将动态静化，也从中表明了彝族人丰富的创造力。

2、综合象征式

图纹符号的象征式集合了凉山彝族人的在文化观念、审美价值、生活理想等多方面的内涵意蕴。综合象征式是一种具有很高的艺术价值、表现手段高度凝练的表现形式。凉山彝族火纹的综合象征表现形式手法的表达，使火纹兼具多种非单一的象征意义，将形态各异的火纹进行排列组合并且与其他纹样进行相互搭配、彼此呼应，使得同时存在的各纹样之间构成了相互补充的内在涵义。例如，凉山彝族服装中出现火纹与具有共同情感寓意和自然特性的龙凤纹、寿字纹的穿插组合，强调了其他纹样而简化了火纹，构成了新的图案整体。这种表现形式新颖独特，额外赋予火纹的意蕴为凉山彝族服饰注入了博大的文化内涵。

3、抽象几何式

图纹符号的几何式通过几何形体具备的简单概括、可造性空间大、排列形式层次感强、视觉冲击力强的特点，在表达火纹的运动规律时更为概括明了，富有丰富的内涵。火纹的抽象几何表现手法能更加简洁的诠释自然现象中的现象，成为彝族人对自然美的概念性表达。例如，凉山彝族服装中对火纹进行抽象简单的演变，将它简化成类似逗号的极简符号，这类抽象几何符号既生动有力，又不失女性的温婉可爱的特质，给凉山彝族服装带来生机活力。

二、总结

服饰艺术论文范文第10篇

关键词：服饰造型；民族音乐教学改革；价值取向

中图分类号：G642 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）11-0266-02

民族音乐作品的编创及演出是民族民间音乐教学改革的一项重要举措。民族音乐作品的实质是以民族民间音乐理论为基础，结合地方文化背景编创而成的表演艺术。表演者根据剧目的内容将所要表达的情感通过肢体语言、服饰造型等进行的外在呈现，也是创新教育艺术实践核心理念的组成部分。

民族音乐剧目中的舞美服饰是艺术实践教学中涉及到的重要教具，其选择、应用、研究不仅应从学理的视角进行民族音乐文化思想上的升华，更应结合民众娱乐语境以及认知心理规律进行实质性探索。因此，研究民族民间音乐剧目的服饰，能够在实践的过程中借助他山之石并结合传统戏剧服饰的造型方法和应用规律尤为重要。

一、传统民族音乐作品的服饰语境分析

传统民族音乐包括民歌、民间舞蹈、曲艺、戏曲等类型，传统音乐作品的表演者和组织者主要是演艺团体和相关文化部门。以高校民间音乐教学研究体系来分析传统民族音乐作品的服饰发展更符合艺术文化发展赓续的完整性和系统性。

例如，中国传统民族音乐作品的编创演绎涉及到舞蹈的表演，而舞蹈被称为历史文化的“活化石”，它能够生动地展现出不同民族的生活习俗、人文环境、民族服饰等历史变迁的轨迹[1]。高校民族民间音乐教学研究的历史脉络清晰，民族音乐作品的覆盖面广泛，能够在教学过程中，从中国传统的民族民间舞蹈文化保护和传承的角度，对中国传统的民族民间舞蹈文化进入普通高校素质教育课堂的方式方法进行思考和探索着实重要。以舞蹈服饰造型作为研究对象，可在完善传统民间音乐教学系统的历程中，更多还原服饰的历史造型风格。

高校音乐教学，尤其是地方性院校的音乐理论教学中融入地方民间音乐的实践表演，其演艺服饰具有大众共识同一性。

传统民族音乐的表演服饰从广义概念来讲集中了民歌、戏曲表演和舞蹈等多方面的服饰特点。表演服饰的造型观念对传统民族音乐演艺的内容、风格和民间艺术审美倾向具有积极的意义，传统的表演服饰在民间音乐作品表演中扮演了双重角色。

从高校音乐教学体系来看，地方性音乐教学过程中涉及到的民族民间音乐作品表演在整体音乐教学中所占比例很小，甚至为零。在音乐节目演出中只有传统民族音乐与音乐教学改革个别的作品影射了民族民间音乐传统音乐文化根底，其意义及指向性依然模糊，缺乏与传统音乐理论教学的紧密联系，无法展示集群性的民族民间音乐特征，也缺失对民间音乐的归类和对比，尚未能与现代高校音乐理论教学改革步调保持一致。但是从中可以分析出传统音乐作品所包含的时代艺术背景要求服饰造型的社会公众审美一致性。

二、当代民族音乐作品服饰的现状考察

当代民族民间音乐教学尤其是地方性院校的音乐理论教学，将理论与实践演出相结和，经过理论的分析、指导和分类，再结合音乐作品的编创及视觉形象的演出，使教学环节开展生动且深刻。

（一）精神文化内涵在实践教学中的体现

当代民族民间音乐作品编创演出，是高校民族民间音乐课程改革的深化体现，多在教室内或小型多功能报告厅中进行。演出中所需的服饰，既有物理的保暖效果，又着重起到在表演活动中衬托角色、烘染表演气氛、营造表演环境的重要作用。不论表演者还是欣赏者都能在此氛围中体会到地方音乐表演的特色。演出服饰是现代民族民间音乐学生表演状态的物化显现，充分模拟了地域文化的艺术特点。这是高校师生对民间群众审美特点和传统民间音乐、民间美术及习俗的精神内涵，通过教学实践过程中的舞台表演进行的艺术诠释。

因此，民族音乐服饰是地方民俗文化传播途径的重要媒介之一，也是音乐教学改革措施中突破了传统纯理论教学模式的新探索。

（二）当代民族民间音乐服饰是对传统服饰的延展

在民族音乐表演过程中，服装与表演者共同成为阐述表演内容的形象载体，通过说唱、舞蹈等演绎的形式揭示主题内容的同时，又具有形式美感的观赏价值。民族民间音乐表演的服饰的造型风格，在创意上与传统内容相匹配，它以是否准确的凸显表演的风格、表演的内容、演绎的情境为检验标准[2]。地域性的民间音乐作品涵盖了广泛的民族民间音乐题材和内容，在高校教学实践中编创的作品，其具体的服饰风格与当地表演沿用的服装有地域文化、审美以及重新解读的差异性。

民族民间音乐编创作品艺术表演的服装造型，以不同地域人们崇尚喜爱的民间音乐为基础，其审美功能从服装的装饰性来看，不论款式、纹饰、缀饰、色彩等都强调突出服装的整体协调性。基于传统服饰的色调和图案特征，将色彩的明度、纯度和色相大胆运用到服饰图案中，同时将简约与朴素、华丽与端庄的多重艺术风格完成服饰的造型，从而达到色彩与造型完美的结合，丰富了演出服饰的层次感，突出了整体服饰的亮点，也为舞台艺术表演的角色成功塑造了艺术性格。

所以，民族民间音乐教学的改革在尝试教学方法的突破外，还包含了对舞美的要求，服饰造型的改良，怎样既不失传统服饰艺术风格，又有现代审美倾向，这是需要在教学实践中反复尝试才能获取经验的艺术实践过程。

（三）民族民间音乐作品编创中服饰的形式美

服饰在民族民间音乐编创作品表演中都有比较显著的标志，并且在演绎过程中发挥重要作用。例如安徽沿淮花鼓灯舞的服饰，最明显的标志就是头上夸张的大绸花，可以使演员的整体形象和精神气质得以提升，这也是形式美的一种体现。服饰配饰的合理应用，可以在表演过程中起到画龙点睛的作用，使得演员含蓄内敛的情感得以间接传播，与演绎的情境相交融，形成服饰独特的形式美。

民间音乐编创作品中服饰的形式美在服饰的造型体系中通过统一的审美要求，相同意义不同的元素符号将其地域文化内涵内化到音乐作品中，外延于具体的音乐作品表演者所着的服饰中。因此，形式美是服饰与相关民族民间音乐作品审美相一致的体现，也是实践教学中活态的对传统理论的继承和创新，并且在支撑其地域传统审美造型的前提之下，承担着时代和高校音乐教育的责任。在民族音乐教学的改革实践中，能为教学拓宽思路，以理论和实践教学相结合的课程改革，丰富了21世纪音乐理论课程教学模式，同时，为民族民间音乐的课程拓展提供了隐性思路。

三、民族音乐作品编创与服饰造型的互动关系

首先，民族民间音乐教学是在现代化的教育理念之下，传统民族音乐理论与地方传统音乐、民间音乐文化传承三者紧密结合的成果。地方非物质文化遗产保护是现代传统音乐技艺、文化内涵、传承人及相关服饰审美造型等的传承和保护工作。

其次，民族音乐作品编创，是高校音乐学专业的学生将人文精神、民族情感在音乐作品中表达出来。在教学实践活动中，作品编创的成功与否与表演者的艺术技艺、对民间音乐文化理解的程度有关，同时与表演者服饰造型有密切关系。

再次，优美、恰当的服饰造型对于表演者演艺出角色的身份内涵或个性特征有重要作用。可以说，民族音乐作品编创与服饰造型相互掣肘，又互相助推，民间音乐编创的作品服饰传承着地方民族文化精神和民族审美心理。时代的发展对地方音乐服饰的造型观，有着潜移默化的影响，服饰的造型随时间的推移发生流变。由此可见服饰是民族民间音乐时代印记的折射，同时也是地域民族文化艺术的具象呈现，它的发生、发展及演变过程传达出时代文化语境下，地区民众的精神状态和审美情操。更体现了民族民间音乐理论教学改革初期，勇于实践的高校音乐教师及学生所做的积极、主动的努力，有助于找出进一步深入开展理论课教学改革的方法和途径。

总之，从教学实践的视角分析，民间音乐作品是具体舞台形象化的艺术形式，根据地域文化的精神内涵，融合了角色性格特征、音乐、舞蹈、美学要求等多种元素。在民族民间音乐课程教学改革中合理运用这些有利因素，对提高教学质量，改变传统民间音乐教学的纯理论模式有助推作用。

随着现代艺术教育的完善和发展，民族民间音乐教育科学逐渐形成跨学科的通识教育领域，覆盖了地域文化视野下的民间音乐、民间美术等专业知识结构。面对历史文化的变迁，如何在民族民间音乐实践教学中，有效的运用服饰的审美造型理论和具体的技术研究，对于创新民族民间音乐教学体系的改革有着积极的意义。现代音乐教育的意义不仅仅单纯地注重培养的结果，更加关注高校音乐专业学生体验、感受民族音乐的过程。民族民间音乐的课程改革，既让学生学习了地域特色的理论知识，又有创造性的实践教学活动，扩展了课程概念的同时，开发了课程活动领域，使民族民间音乐理论与实践的具体操作融合一处，既锻炼了学生舞台实践能力，又扩大了民族民间音乐的影响，同时也为服饰的造型设计提供了发展空间。而服饰造型作为实践课程中涉及的与艺术相关的知识点，其具体研究的内容和过程以及涉及的美学思想，对民族民间音乐理论拓展与实践创新有开拓思维的启发，更有效推动了教学实践演示的形象开展。本文从传统民族音乐作品服饰的历时性出发，结合具体实践教学中服饰的造型，用民间音乐所需的造型特征的视角审视民族民间音乐教学改革的意义，以此反思服饰造型在我国民族民间音乐实践教学中的应用和问题。

参考文献：

服饰艺术论文范文第11篇

关键词：魏晋服饰；道家；虚静；美学；价值

中图分类号：J523.5 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2016）10-0173-03

魏晋服饰艺术作为独特的文化和艺术形态，曾经在中国服饰发展史上起到承上启下的作用，长期以来，曾把这个时期的服饰艺术简单的理解为因政治动荡导致文人士大夫宽衣博带的服饰风格。而缺乏从美学规律方面去总结。魏晋服饰艺术实则和中国传统文化的美学精神是一致的，讲究内敛，韵味与和谐，凸显玄学精神自然虚无的精神特质。同时这种特定的美学内涵，具备一种独立的特质，世代相传，不断发展，形成了一种自成体系的艺术形态――道法自然，和谐共生的艺术形态。如果说中国服饰艺术终将以自己的独特的面貌出现在世界，那么从传统服饰艺术中起步，弘扬民族文化精神，发掘魏晋服饰艺术中的美学价值具有重要意义。

一、魏晋服饰艺术的哲学基础

魏晋服饰艺术的虚静之美，是兼容儒道，尤重老庄的玄学兴起的结果，玄学作为中国三大哲学高峰之一，是从老庄哲学发展而来的，是道家之学一种新的表现方式，其宗旨是“贵无”，玄学家们认为：“儒家的‘礼法’、‘名教’、‘人道’等思想，其主旨都是道家的玄学，即强调‘虚无’、‘自然’和‘无为’”[1]。东晋时期，玄学和佛学相互影响和融合，使中国佛学真正走向了圆融之境，形成了“禅学”，对当时及后世影响极大。同时南北朝道教吸收玄学理论构建了神学，追求长生成仙和归本反朴，形成了独特的哲学理论和修行解脱观。在此基础上，魏晋服饰艺术开始逐渐将“礼”制削减，便服性质扩张，与日常生活紧密结合，将老庄的自然美学思想融入其中，“自然无为”、“道法自然”使魏晋服饰艺术在“道”的作用下，变得的浪漫超脱。老子的“自然无为”的思想和以庄子为代表的“逍遥无为”的思想为虚静美学发展奠定了基础。以自然为美，讲究去繁求简，追求清净寡欲的气韵风度是中国道家美学的主要观念。

老子说：“人法地，地法天，天法道，道法自然”。这种“天人合一”的哲学精神，是我国魏晋服饰自然化美学思想的哲学基础。庄子则继承了老子的自然无为思想，主张“天人合一”和“清静无为”。《庄子・知北游》中说：“天地有大美而不言，四时有明法而不议，万物有成理而不说。圣人者，原天地之美，而达万物之理，是故圣人无为”[2]。庄子认为天地本身所具有的美即自然之美才是真正的“大美”。他认为：“世间一切方圆曲直，皆为自然天成，未经雕凿的自然之美是美的极致”[2]18，可见庄子论美，力主自然，追求本真。同时庄子追求虚静之美，在自然中，虚意味着无，在精神上，便是一种“心斋”，庄子的虚静论即无心而为，无为而治，众美从之；在《逍遥游》中，庄子就明确表达了对理想人格的推崇，追求一种精神的自由解放。

二、虚静之美是魏晋服饰艺术的普遍特征

（一）魏晋服饰艺术强调虚静之美中的和谐美

老庄的“道法自然，清净无为”的哲学思想对魏晋服饰艺术产生了较大的影响，形成了独特的虚静之美。“魏晋服饰艺术的虚静之美中和谐美强调服饰应依赖于人的形体，美是人体生命的自然流露，要保持形体的自然美色，反对人在美饰中的雕饰行为，并把舒适性作为评判服饰的重要标准，推崇服饰的宽大、飘逸和内敛之美，力求与天合而为一的和谐神韵”[3]。这种以自然为美的文化观念，贯穿于我国传统服饰美学思想的各个方面。老子道家美学还追求“返璞归真”，体现在服饰中就是将大自然绚烂缤纷的色彩和丰富多姿的物质形态作为美化服饰的源泉，“不仅制作服饰的材料取于自然，裁制款式、选用色彩、装饰纹样等也追求与自然的统一，以自然界的美来点染、修饰和完善服饰，使服饰美化达到与自然和谐统一的美学效果”[4]。

（二）魏晋服饰艺术强调虚静之美中的自由美

由于受到玄学和老庄“清淡”哲学思想的影响，当时的人们追求自然和自由，试图摆脱儒术的普遍性和约束性，追求清淡脱俗，无拘无束的自由精神境界。这种精神状态反映在服装上首先是服装款式的“松”，男子宽衣博带“飘如游云，矫若惊龙”“濯濯如春月柳”“谡谡如劲松下风”，体现出一种超脱世俗的美，更有崇尚清淡，潇洒放达的“竹林七贤”，南朝宋刘义庆《世说新语・任诞》说他们“七人常集于竹林之下，肆意酣畅，故世谓竹林七贤”[5]。女子服饰则以其轻灵飘逸、华美繁复来达到妩媚脱俗、飘飘若仙的效果。“服装上饰以‘纤’，所谓‘纤’，是指一种固定在衣服下摆部位的饰物。通常以丝织物制成，其特点是上宽下尖形如三角，并层层相叠。所谓“”，指的是从围裳中伸出来的飘带。由于飘带拖得比较长，走起路来，如燕飞舞”[6]。“凌波微步，罗袜生尘”绝非一般俗艳女色可比。从审美角度看，当时人们追求虚无缥缈、超凡脱俗的精神境界；“天衣飞扬，满壁飞动”勾勒出了魏晋变幻曲折的服饰美学线条。

（三）魏晋服饰艺术强调虚静之美中的人格美

魏晋的清淡隐士特别注重人的仪容神气和风采气度，并把这些人体结构的艺术运用到其他一切审美活动中，因此魏晋隐士人格美意识的发展在中国服饰艺术史上具有重大意义。魏晋服饰艺术中的人格美是以道家为基础，认为“真”是美的基础，离开了“真”就无所谓美与善。老子提出：“信言不美，美言不信”。提倡返朴归真的美学思想。庄子发展了老子这一思想，他认为人必须超越世俗、摆脱世俗的羁绊，力求达到“圣人”、“神人”、“圣人”、“德人等”无欲无求的理想人格境界。陶渊明《归去来兮词》中写到：“舟摇摇以轻扬，风飘飘而吹衣”[7]，从中可以感受到魏晋服饰艺术的清虚飘逸，力主玄远的气质。因此，魏晋服饰艺术的巨大魅力在于它是一种极致的人性美，充满着对生命本体的关怀和对自然之道的敬畏与遐想。

三、魏晋服饰艺术虚静美学的当代价值

魏晋服饰艺术的虚静美学将在研究中国传统美学和现代设计显示出其重要的价值，既给人以艺术的熏陶，陶治人们的情操，又能作为现代设计重要的灵感来源。魏晋服饰艺术的虚静美学对于完善中国艺术文化和美学理论，构筑传统文化的艺术意境和氛围，提高现代设计的文化含量具有重要意义。中国现代新道家代表人物和美学大师宗白华先生认为：“艺术以及创造首先是人格的创造，‘伟大之制作，亦需要伟大人格为之后盾’，而人格创造的关键，根本上还在于艺术家自身具有与虚实相生的宇宙生命运动相契合的心灵结构。艺术意境创造一方面要求艺术家心灵的‘空灵’、精神的淡薄，从而出入虚实，以虚灵的心襟气象体会自然，沉潜与宇宙万物的核心而得其理趣，创造‘事外有远致’的美的境界”[8]。宗白华先生对魏晋人格的深刻解读，给当代的学者和设计师们带来了更多的思考。魏晋文化史专家唐翼明受到宗白华先生的启发，他认为魏晋服饰艺术实则就是玄学的艺术，他在著作《中华的另一种可能：魏晋风流》中写道：“魏晋玄学是中国传统学术中最富于抽象思辨色彩的，其中的“有无本末”之辨第一次把中国哲学引向本体论的高度，大大拓宽了当代中国人的思维框架”[9]。马可，在中国时装设计界被称为“孤独的时尚隐者”，她是老庄哲学的忠实追随者，崇尚魏晋服饰艺术的虚静与自然。她创立的“无用”品牌内涵精髓即是老庄“自然无为”和“清净无为”的哲学概念。她一直在寻找时装设计中的“大美”之道，她认为：“服饰应当趋向自然，人与衣，人与自然，衣与自然三者之间的关系是和谐的，互不冲突的”[10]。她还认为：“价值从不在物件本身，而在使用的人”[11]。马可在对于时尚的诠释另辟蹊径，在“无用”品牌中，她以衣载道，追求虚静之美。几乎所有的衣物她都采取了超码、做旧的处理，絮乱的缠绕和粗糙的缝制，仿佛下定决心和现代文明对抗。她经常去农村采风，正由于此，她的设计总是显得与现代都市相去甚远。她的衣服都是利用天然材料纯手工制成，是传统技术的延续与活化，她通过自己亲手缝制的衣服，对廓形、面料和色彩进行恰如其分地表达，不过分的刺激人们的感官欲望，以“自然简朴”的生活态度，追寻更高层次的精神生活。

当下，中国传统文化给中国新兴的年轻设计师们带来了新的设计源泉，作为中国新兴职业独立设计师中的一员，“90后”海归女孩石芮子自创独立服装品牌“SHUR RUITZ”（石汝），她从老庄哲学找到了内心真正平静的地方，崇尚虚静自然，坚持事无事、味无味、为无为，她秉承less is more（简约即是美）的品牌设计理念，在纷繁多变复杂的时代里追求返璞归真。她希望用作品表达对中国古时平静恬淡生活的向往，内心的充实并不需要物质的浮华，定心做好真正有底蕴、有思想的东西即是最大的幸福，无为，无不为。饥饿的人觉得食物奢侈，年慕的人认为青春奢侈，而现在这个躁动浮夸的时代，一点点平静尤显奢侈。她希望能改变中国人对奢侈的看法，还原本应传承千年的中和和虚静之美。

日本的无印良品在设计中也践行了老庄哲学中的自然与虚静美学，它的设计清新自然，形态删繁求简，充满较强的人文主义情怀，简约不失人情味。“有人认为，与其说无印良品是一个品牌，不如说它是一种生活的哲学”。它不强调所谓的流行，而是以平实的价格还原商品价值的真实意义，并在似有若无的设计中，将产品升华至文化层面。它通过无标牌的设计、素雅的色彩和环保材料的运用来呼唤健康环保的生活理念。

总之，魏晋服饰艺术中的虚静美学是中华美学的瑰宝，其中折射出的老庄哲学的精神内涵更是值得深入挖掘。魏晋玄学强调清淡雅趣的人格修炼，重视风神气质的精神风度，在这背后实则都是对人性的赞美，对自由精神世界的渴望，体现了一种人文主义关怀的处世观。

在此基础上魏晋服饰表现出了质地粗陋，重视内美，去掉纹饰，反对形式上的繁缛的朴素自然之美，体现了魏晋隐士融己于自然的脱俗境界，这种有异于儒家文质彬彬的美学思想，但却包含着对个体生命自由美和虚静美的追求。这种新的美学理论对于完善和发展我国服饰美学以及时尚设计具有十分重要的意义和价值。魏晋服饰虚静无为和生态自然的审美思想，它代表着东方服饰文化的精髓，我们应该在继承的同时，不断改造、创新与拓展。

参考文献：

〔1〕李艺.道家服饰美学思想微探[J].美术研究，2014，（03）：109-110.

〔2〕曹天慧.超凡脱俗的唯美主义倾向――魏晋时期的服饰风格[J].美术研究，2006，（05）：18.

〔3〕陈燕琳.魏晋美学思潮与魏晋服饰风尚[J].艺术教育，2013，（12）：38-39.

〔4〕陈淑葵.魏晋风度对当时服饰的影响[J].丝绸，2005，（06）：52-53.

〔5〕沈从文.中国古代服饰研究[M].上海：上海书店出版社，2011.159-204.

〔6〕华梅.华梅谈服饰文化[M].天津：天津人民美术出版社，2011.67-68.

〔7〕岳庆云.论魏晋士人的人格美意识[D].山东师范大学，2004.13-16.

〔8〕宗白华.美学散步[M].上海：上海人民出版社，2014.54-56.

〔9〕唐翼明.中华的另一种可能：魏晋风流[M].北京：民主与建设出版社，2014.18-25.

服饰艺术论文范文第12篇

关键词:装饰艺术；现代服装设计；影响

前言：

装饰艺术是现代服装设计的启蒙老师，两者在发展历程中相辅相成，虽然完全独立却相互影响和互不分离。从某种程度而言，现代服装设计是装饰艺术的发展和演变历史，因为无论是中国具有传统性的装饰艺术，还是西方具有古典性的装饰艺术，在现代服装设计的发展过程中都有着深刻鲜明的呈现，是中西方不同社会文化的具体展现。服装设计的发展和演变过程比较深远，其不仅是社会进步和人类文明的象征体现，还随着社会的发展不断发展，一方面与人类生活紧密相连，另一方面又影响着社会文化的发展进程，因此服饰文化具有社会意识形态，是适应人类生活水平和社会文化发展的产物。例如：唐朝时期的服装精致多样，其样式和设计展现着唐朝崇尚胖为美的社会文化。另外，服装文化伴随着社会文明的繁荣而发展，从男耕女织——工业革命——信息化时代，这些历史阶段的发展过程中，服饰的发展逐渐丰富多彩，而装饰艺术对现代服装设计的影响也逐渐深远。

一、服装设计与服装艺术的定义和联系

1、服装设计的定义

服装设计涉及心理学、市场学、美学、材料学、色彩学、文化学、工程学等学科，是一门综合性较强的专业。服装设计的过程较系统，主要包括构思设计对象、绘制实际图像、完成效果图、剪裁缝纫服装等环节，而这一系列过程中最重要的是服装设计，因为和衣物制作不同，服装设计要在实用性的基础上强调个性化，从而实现实用性、个性、美观性的集合。

2、装饰艺术的定义

广义范围的装饰艺术是指艺术地修饰。装饰一词在西方源于17世纪，而中国则在5世纪至6世纪时期便已出现，主要指依附于主体的雕塑或绘画工艺，这种艺术形式不止包括对形式美装饰艺术的追求，还包括象征性和抽象性。狭义范围的装饰艺术是指根据形式美的规律抽象变形地对艺术形象进行加工整理，最终形成形式美的艺术风格。在艺术风格的整理加工中装饰艺术使用了节奏、韵律、秩序、统一、平衡的形式规则。

3、服装设计与装饰艺术的联系

在某种程度上，装饰艺术是依附服装设计的，因为装饰艺术要展现美感必须依靠服装，例如：新时期的彩陶装饰是变形夸张的图形，这种装饰艺术给彩陶带来了艺术美，服饰的装饰也是一样，尤其是当今时代，现代服装设计和装饰艺术更是密不可分。在服装设计的发展过程中，装饰艺术和服装设计虽然完全独立，却一直相辅相成，相互影响。

二、装饰艺术对服装设计的影响

1、装饰艺术影响着服装设计的理念

艺术家创作时，先从生活中择取生活素材，通过加工制作创造出艺术形象或者文学形象，而创作时期的思维活动便是形象思维的具体流动过程。从古至今，服装设计的灵感丰富多彩，来源于民族文化、生物学、社会文化等的缩影和影响，因此装饰艺术影响了服装设计的理念，而这种理念影响主要包括艳丽色彩、夸张造型、环保意识等思维形式的应用。

2、装饰艺术影响服装设计的实践

在服装设计的实践中，服装设计的灵感已经不再只是传统的抽象思维和自然事物，而是装饰艺术的灵感，例如：摩洛哥靠垫、中国龙图腾、巴布亚屏风等，这些意象已经成为服装设计直接使用的素材，因而服装设计的一大亮点便是直接现实性。从根本上而言，一方面装饰艺术的成熟发展使灵感来源可以直接在服装设计中使用，而另一方面设计师又使用装饰艺术对日常生活产生影响。

三、服装设计中装饰艺术的应用

1、服装设计中装饰艺术的色彩使用

由于色彩给感官的作用鲜明直接，因此服装设计的色彩使用是重点内容。色彩既有自然属性，又有社会属性，双重属性中自然属性比较固定，因为生理属性的作用使人类在色彩反馈方面具有稳定性和一致性。而随着社会变迁，色彩的社会性被赋予了不一样的文化内涵，甚至地域不同，色彩社会属性的意义也会不同，因此装饰艺术中的色彩具有丰富性，尤其在服装设计中，色彩应用对服装的心理效果、视觉效果、文化特征等都造成了直接的影响作用。

2、服装设计中装饰艺术的材料使用

伴随着社会的不断发展，服装设计中材料的使用也在不断发展和变化。原料选择从开始的树叶草皮和动物皮毛发展到丝绸、棉麻、雪纺、皮革、呢绒、牛仔等材料，材料的发展丰富了服装设计的原料选择性。同时，装饰艺术上的使用材料也在逐渐发展，主要有石器、贝壳、木材、绳索、金属等，由于这些原材料具有天然属性，因此装饰艺术展现出粗糙、莹润、透明、细腻、奢华等丰富视觉效果，而装饰艺术对服装设计的思维重组，使服装设计中出现更多的时代感和个性化作品。

3、服装设计中装饰艺术的图案使用

广义范围的图案是指事物的结构色彩和造型样式，服装设计中的图案是指具有艺术性的装饰纹样，服装设计的图案主要有人像、动物、花卉、风景、抽象图形、几何图形，这些图形按照杂乱或者规律的形式在服装上进行排列布局，从而使服装具有特殊的艺术感染力和强烈的视觉冲击效果。随着科学技术的进步，服装设计的图案使用更加便捷灵活，因此更多的服装图案衍生出来，而服装的装饰文化也更加丰富多彩。

四、讨论

服装设计和时展紧密联系，根据服装的特点可以对时代的文明程度、科技水平、经济条件、生活习惯等进行判断，例如：中国文化具有礼仪性和保守型，而西方文化具有可塑性和开放性，因此两种不同文化在服装体现上具有很大的差异。由此可见，装饰艺术和服装设计的关系研究不仅属于艺术范畴，更是探究人类文明的演变历史，通过对装饰艺术和服装设计的研究，可以使我们真切地感受到每个历史阶段的社会文化和时代个性，从而发现冰冷文物和文字下鲜活的时代精神。

参考文献

[1]姚姗姗.装饰艺术对现代服装设计的影响[D].辽宁师范大学,2011.

[2]佟子健.装饰艺术对现代服装设计的影响[J].大众文艺:学术版,2015(14):122-122.

[3]车岩鑫,王健.装饰艺术在现代服装设计中的创意与表现[J].纺织导报,2014(7):110-112.

[4]秦寄岗.现代材料艺术在服装设计中的应用[J].装饰,2000(6):6-7.

服饰艺术论文范文第13篇

毕业生人数：

 

专业（方向）

学历

毕业生人数

服装与服饰设计

本科

74

服装设计与工程（理）

本科

27

表演

本科

40

舞蹈表演

本科

12

总计

 

153

 

   

    服装与服饰设计专业培养目标及就业方向：

服装与服饰设计专业培养适应创新型国家发展需要，具有良好职业道德、人文科学素养、团队意识以及沟通能力，具备良好的艺术设计修养和较扎实的服装学科基础理论，具有传统造型与造物理念，有一定的文化传承创新能力，能独立进行服装创意设计和成品实现，从事纺织服装商品企划、服装产品设计、消费需求与流行现象分析、设计流程与管理、时尚文化研究及相关工作的高素质应用型服装专业人才。

    主要课程：服装概论、造型基础、构成基础、色彩与图案基础、服装设计表现技法、立体裁剪、服装材料学、服装纸样、服装工艺、服装结构设计、服装设计程序与方法、服装市场营销、时尚摄影、时装展示与陈列设计、传统服饰专题创新设计、礼服定制设计、专题设计、男女童装设计等。

    服装设计与工程专业培养目标及就业方向：

服装设计与工程专业培养适应创新型国家发展需要，具备社会责任感、职业道德与人文科学素养，具有一定创新精神、团队精神、工程实践能力和国际化视野，系统掌握服装设计与工程专业的基本理论、专业知识、学科前沿及服饰传统造型与造物相关理念，具有较完善的专业技能、工程素养、服装产业领域实践能力和人文科学素养的工程型应用人才。

    主要课程：造型基础、构成基础、服装CAD、服装立体裁剪、服装材料、服装纸样设计、服装工艺、成衣设计、针织产品设计、服装产品企划、服装市场营销等。

    表演专业培养目标及就业方向：

    本专业培养为文化创意及时尚行业培养德、智、体、美全面发展的，具备一定的艺术审美修养和服装专业基础知识，经过服装表演系统训练和实践，能从事服装模特、服装编导与活动策划、模特经纪管理、模特专业教育、整体造型设计、服装市场营销的应用型高级专门人才。

    主要课程：服装表演概论、服装表演、服装表演编导、镜前展示、广告表演、服装摄影、舞蹈编导、形象设计、服装设计基础、服装工艺基础、服装买手、服装概论、服装市场营销与实践。

    舞蹈表演专业培养目标及就业方向：

本专业培养掌握舞蹈学科基本理论知识，具备扎实的舞蹈表演基本素质和技术操作能力，较好的舞蹈创作和改编能力，较强的舞台表演实践能力，一定的舞蹈演出组织、排练与协调能力，具有文化传承与创新意识，能够在社会文化部门、艺术团体、教育部门等单位从事舞蹈表演、编创排练与教学的复合型人才。

    主要课程：基训、剧目排练、编舞技法、中国民族民间舞、中国古典舞身韵、现代舞等。

 

联系人：刘怡宏    联系电话：89626346   邮箱：412321260@qq.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

现代手工艺术学院2021届毕业生宣传材料

毕业生人数：

 

专业（方向）

学历

毕业生人数

工艺美术

本科

145

公共艺术（手工）

本科

18

总计

 

163

 

 

    工艺美术专业（共145人）

工艺美术专业是山东省名校工程重点建设专业、山东省高水平课程群建设专业、山东省“省级特色专业”。

本专业秉承传统工艺美术与创新艺术设计融合教学理念，在传统工艺美术振兴、新旧动能转换、产教融合、乡村振兴等国家战略引领下，依托校内外教研平台和社会资源，通过实训实践、项目工作室、大师进课堂、企业实习基地实践等多种教学形式，培养能够掌握工艺美术专业理论知识，了解工艺美术的现状和发展趋势，熟悉艺术市场经济规律、艺术生活消费、时尚动态，具备设计实践和艺术创作能力，能够从事现代工艺品设计制作、为工艺美术产业服务的高水平创新应用型人才。

工艺美术专业下设纤维工艺、染织工艺、陶瓷工艺、玻璃工艺、漆器工艺、金属工艺、首饰工艺等专业方向。

纤维染织设计方向（共25人）

培养目标与就业方向：本方向培养具备纤维染织艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在纤维染织艺术设计教育、研究、设计、生产和管理单位从事纤维染织艺术设计、研究、教学、管理等方面工作的专门人才。

主要课程：素描、色彩、平面构成、色彩构成、色彩风景、素描人体、立体构成、白描、归纳水粉、立体构成、中国画（工笔写意）、新民艺学、地毯设计、织绣设计、材料实验、丝网印、手工印染与设计、染织发展史、市场学、印花面料设计、纤维艺术—平面形态、彩印、纤维艺术—空间形态、家纺产品工艺与结构、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术实践、毕业创作、毕业论文

陶瓷艺术方向（共26人）

培养目标与就业方向：本方向培养具备陶瓷艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在陶瓷艺术设计、生产和管理单位从事陶瓷艺术设计、研究、教学、管理等方面工作的专门人才。

主要课程：素描、色彩、平面构成、色彩构成、色彩风景、素描人体、立体构成、陶瓷艺术史、陶瓷成型工艺（拉坯）、陶瓷成型工艺（泥条）、动物雕塑、新民艺学、浮雕、陶瓷釉彩、陶瓷装饰、陶瓷成型工艺（翻模、烧成）、陶瓷日用器皿设计与制作、服饰陶艺、陶瓷壁画、课题创作、现代陶艺创作、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术实践、毕业创作、毕业论文。

琉璃艺术方向（共25人）

培养目标与就业方向：本方向培养具备玻璃艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在玻璃艺术设计设计、生产和管理单位从事玻璃艺术设计、研究、教学、管理等方面工作的专门人才。

主要课程：素描、色彩、平面构成、色彩构成、色彩风景、素描人体、立体构成、玻璃艺术史、玻璃设计表现技法、模具制作、烧成与综合材料实验、玻璃后期加工、传统工艺雕塑、计算机软件、浮雕、吹制玻璃基础、动物雕塑、窑制玻璃课题设计、吹制玻璃课题设计、灯工玻璃、玻璃产品设计、玻璃首饰设计、综合材料研究、玻璃环境设计、热熔玻璃、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术实践、毕业创作、毕业论文

    漆艺艺术方向（共23人）

    培养目标与就业方向：本方向培养具备漆艺艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在漆艺艺术设计设计、生产和管理单位从事漆艺艺术设计、研究、教学、管理等方面工作的专门人才。

    主要课程：素描、色彩、平面构成、色彩构成、色彩风景、素描人体、立体构成、漆艺基础、立体构成、装饰基础、漆艺史、漆艺综合材料研究、写实漆画课题创作、漆立体脱胎成型工艺、建筑环境与漆壁画课题研究、漆器皿课题创作、装饰漆画、现代漆家具设计与制作、空间与漆塑课题创作、漆艺产品设计、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术实践、毕业创作、毕业论文

    首饰艺术方向（共22人）

    培养目标与就业方向：本方向培养具备首饰艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在首饰艺术设计、生产和管理单位从事首饰艺术设计、研究、教学、管理等方面工作的专门人才。

主要课程：素描、色彩、平面构成、色彩构成、色彩风景、素描人体、立体构成、材料与工艺基础、成型工艺、首饰制作工艺、皮雕工艺、镶嵌工艺、首饰综合材料、首饰加工、金属器皿簪花、金属焊接工艺、腐蚀工艺、计算机辅助设计、首饰展示设计、首饰文化、刻铜工艺、首饰起版工艺、首饰铸造、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术实践、毕业创作、毕业论文

    金属工艺方向（共24人）

    培养目标与就业方向：本方向培养具备金属工艺艺术设计与创作、教学和研究等方面的知识和能力，能在金属工艺艺术设计设计、生产和管理单位从事金属工艺艺术设计、研究、教学、管理等方面工作的专门人才。

    主要课程：素描、色彩、平面构成、色彩构成、色彩风景、素描人体、立体构成、泥塑浮雕、材料与工艺基础、表现技法、设计概论、动物雕塑、成型工艺、徽章设计、电铸工艺、铁艺设计、金属焊接工艺、锻铜浮雕、铸造工艺、金属器皿、人体雕塑、环境雕塑设计、产品设计、腐蚀工艺、中国工艺美术史、外国工艺美术史、艺术实践、毕业创作、毕业论文

    公共艺术（手工）专业（18人）

    公共艺术专业是山东省名校工程重点建设专业。

    本专业培养学生从城镇化空间环境中，以艺术方式表现社会和生活公共性问题。本专业下设公共造型艺术、工艺装置艺术两个专业方向。开设课程注重拓展学生对材料综合利用的思维方式，使其在认识和了解空间环境的前提下，利用多种艺术形式，具备教学、研究以及在室内外公共空间进行艺术创作等方面的能力，成为能胜任城市文化艺术相关领域工作的实践型文化艺术人才，以满足相应的城市环境美化与人文关怀需求。

    主要课程：公共艺术概论、形态训练、色彩原理、中外建筑史、立体构成、写生、装饰基础、雕塑基础、计算机辅助设计、城市公共空间设计、综合材料1、环境心理学、雕塑形态、园林设计、公共艺术策划I、金属装置工艺、浮雕、数字雕刻、模型制作、城市色彩设计、陶瓷设计、综合材料2、纤维壁饰、公共艺术策划II、陶瓷陈设、玻璃环境设计、金属装置艺术、艺术实践

 

联系人：李遵   电话：89626366  邮箱：1361967895@qq.com

创新创业学院（淄博陶瓷学院）2021届毕业生宣传材料

毕业生人数：

专业（方向）

学历

毕业生人数

艺术设计（雕刻艺术设计）

专科

51

总计

专科

51

 

    艺术设计（雕刻艺术设计）专业  专科（51人）

培养目标与就业方向：

本专业培养适应社会与经济发展需要，德、智、体、美全面发展，具有较高的思想道德、职业道德、文化涵养和健康的身体素质与心理素质，具有较高的艺术素养和审美意识，培养具备雕刻艺术的基本知识和基本技能，能从事传统雕刻工艺与现代制作工艺相结合设计的高级技术应用性专门人才。

    毕业生能够在产品设计公司、工艺美术公司等企事业单位从事雕刻产品、雕刻工艺品的相关设计与管理工作，主要担任产品设计师、雕刻工艺技师等职业，也可以个人从事雕刻产品、雕刻工艺品的设计与制作。如下表所示：

职业类别

初级岗位

发展岗位

设计类别

助理雕刻设计师

雕刻设计师

助理产品设计师

产品设计师

设计绘图员

产品设计师、雕刻设计师

技术类别

初级技师

高级技师

工艺美术师

高级工艺美术师

主要课程：传统装饰文化与表现、传统绘画技法、雕塑、计算机辅助设计、玻璃内画技法、玻璃灯工工艺、陶瓷成型工艺、陶瓷釉色装饰、刻瓷工艺、品牌策略、文创产品设计。

 

联系人：杨友森   联系电话：0533-4126217   邮箱：2298033374@qq.com

 

 

 

应用设计学院分院2021届毕业生宣传材料

毕业生人数：

 

专业（方向）

学历

毕业生人数

视觉传播设计与制作

专科

33

环境艺术设计

专科

34

影视多媒体技术

专科

28

总计

 

95

 

 

    视觉传播设计与制作专业  专科 （33人）

培养目标与就业方向：本专业培养能适应社会经济发展需要，德、智、体、美全面发展，具有良好思想品质、职业道德、一定的文化素质、健康的体魄、较高的艺术涵养和审美水平，掌握视觉传播设计的基本理论和专业知识，能独立完成广告、包装、品牌、界面等工作，并有较强创新能力的高技能复合型设计应用人才。毕业生能够到设计公司、企事业单位及其他有关机构从事美工制作、书刊编辑、广告策划与设计、包装整体开发与设计、品牌设计与推广、新媒体交互设计等职业。

主要课程 ：图形创意、编排设计、样本设计、电脑辅助设计、字体设计、图形创意、书籍设计、摄影、容器造型与纸盒结构、包装设计、招贴设计、界面设计、企业形象视觉识别设计、广告策划与设计等

    环境艺术设计专业  专科 （34人）

    培养目标与就业方向：

本专业培养适应社会与经济发展需要，德、智、体、美全面发展，具有较高的思想道德、职业道德、文化涵养和健康的身体素质与心理素质，具有较高的艺术素养和审美意识，掌握室内艺术设计的基本理论、专业知识，具有较强的室内设计与应用能力、创新能力的高技能复合型应用人才。毕业生能够在建筑表现公司、房地产公司、室内设计公司、家具设计公司、软装设计公司、照明工程及设计公司等企事业单位从事居住空间设计、家具设计、照明设计、软装设计、装饰工程技术与管理工作，主要担任图纸绘制员、三维建筑表现设计师、室内装潢设计师等职业。

主要课程 ：人体工学、室内设计原理、计算机辅助设计、装饰材料与施工工艺、建筑构造与测绘、建筑装饰预算、照明工程设计、家居设计与构造、室内设计专题、室内软装与陈设设计、景观设计、工程招投标与合同管理

    影视多媒体技术专业  专科 （28人）

培养目标与就业方向：本专业培养适应社会与经济发展需要，德、智、体、美全面发展，具有较高的思想道德、职业道德、文化涵养和健康的身体素质与心理素质，具有较高的艺术素养和审美意识，掌握数码图形图像和新兴数字媒体的基本理论、专业知识，具有较强的艺术设计、计算机图形图像、数字影像技术、网页设计等高技能复合型应用人才。毕业生能够在电视台、报社、数字影视制作公司、移动多媒体公司、互动娱乐公司、广告公司、电视频道及栏目包装部门、网络媒体制作部门从事平面设计、网络动画、纪实摄影、商品摄影、视频采集与编辑、影视后期特效等职业。

主要课程 ：计算机图形基础、图形创意、商业摄影、数码图像后期、版式设计、分镜头设计、网络动画制作、数字音频、影像风格化设计、摄像基础与剪辑基础、平面卡通设计、三维造型、纪录影像、叙事视频创作、UI设计、影视特效与合成、品牌与栏目包装。

 

 

服饰艺术论文范文第14篇

高中美术欣赏课中《服饰艺术》一课，就是提高审美素质的重要课题，也是我运用于教学提高审美素质的有效途径。

在这一章节的教学中，我首先把教学目的定位于通过探索“如何欣赏服饰美”中“形式美”的原理，来提高学生认识美的情趣．能力和素质，同时来旁通其他艺术门类；通过“时代感”的论述来提高学生鉴赏美的情趣．能力和素质，调整学生的审美取向，挖掘服饰与人．政治．经济等方面的联系，使学生在生活中发现美、创造美。在具体教学中，重点放在“如何欣赏”的知识点上，我把课本中的“如何欣赏”的五个方面观点进行了调整、补充、完善，概括为：

－＞1．形态美

－＞2．装饰美

如何欣赏－＞ 整体美 －＞3．形式美

－＞4．色彩美

－＞5．时代感

本文试图从“形式美”和“时代感”两方面来阐述。

一．形式美

形式美原理包括比例．对称．反复和对比等。例如“比例”，是比较事物间的长度与面积，部分与部分，部分与全体之间的数量比值。服饰中，款式的变化最明显地反映在人体与服装间的比例关系的改变。

除些之外还有面料褶的位置比例，装饰纹样的比例等。接下来，展示服装图片给学生，用优秀的国内外服饰艺术来直接感染学生，并展示我探索创造出的一系列服装效果图，来讲解“比例”在服饰中的运用．产生的变化及形成的美感， 同时从学生的穿着服饰中找到相应的实例，进行面对面的真实感受教育。再用这样的方法去讲解 “对比、反复”等形式美原理，会让学生学得轻松．有趣．有体验，避免了空洞的概念化的讲解，教学效果自然会事半功倍。以前，欣赏课谈论的“多样统一”、“对比调和”、“富有韵律感”等形式美，在此也得到了温习，得到了贯通，得到了巩固，得到了运用。

二．时代感

时代感是服饰的一大特点，这点在教学中也不容忽视。弄清了时代感问题，也就可以从中正视“流行”、“复古”等服饰现象，从而从缤纷、多元的服饰现象中鉴别美丑，欣赏到美的形式和内涵。

时代感是指当时当地的生活节律、社会风貌、文化水准，人们的审美观念和意识以及现代艺术与现代工业相结合的在服饰上的具体表现。中国服饰要想树立自我的鲜明形象，必须要走现代与传统结合，国际性与民族性兼容之路，吸收东西方文化的精髓，求得在世界大环境中的和谐，体现中国人独有的、传统的美学思想和文化内涵，独有的自然和生活环境，反映时代的步代，反映各种时尚、各种社会思潮和各种艺术流派，这也正是时代感所要体现的。这些论述对高中生来说很有必要，但听起来一定会感到抽象、空洞。这时，选择需要展示的服饰作品和服装效果图就显得尤为重要。我在选择资料时，有重点地选择了意大利服饰艺术家皮诺.朗切第的作品。他是民间风格与时代感融为一体的国际大师，他潜心研究了中国文化，将中国民间的纹样、色彩等大胆运用于服饰。教学中，抓住他的作品选择有代表性的作品来展示，并且自己制作效果图来讲透“时代感”。

另外，对于学生关心的 “流行”及“流行趋向”也不要回避，它是“时代感”问题的部分内涵，当然也是理解“时代感”的一个关键。城市的华街陋巷到处流淌着永不枯竭的流行。其实，流行体现着日益形成的社会文化模式－经济文化的双向渗透、影响、交融和制约，体现着当时人的一种文化心理。就拿一再刮起的“复古风”来说吧，其实，复古不是古装下一个现代人的面孔，而是服饰部分形象是旧的，但观念却是最新的、最时尚的、充分运用现代意识和高科技手段，是旧形式上的现代化，是使仿古时融入现代感，形式上表现出来的是既有复古味又是当今时装，文化上表现现代人的审美情趣、素质和审美心理。教学中，你会意外发现学生对这些问题感兴趣，特别是在理清了思路之后，他们的情绪特别高昂，浮想联翩，跃跃欲试，争称恐后地发言谈论自我感受。

所以说，“形式美”和“时代感”的阐述，不仅能提高学生的认识美、鉴赏美的情趣、能力和素质，而且能陶冶情操，使学生接受一次新形式的时代感教育，新方式的形式美感染，从而唤起学生的想象力，发挥他们的创造力。

服饰艺术教学中，正是运用了服饰中一些具体的、个别的、浅出的知识点讲透了服饰艺术及其它艺术中呈现出的一些抽象的、普遍的、深奥的东西，起到了提高审美素质的具体作用，从而使服饰艺术教学真正成为提高审美素质的有效途径之一。那么，审美素质又是如何影响，甚至决定服饰艺术的发展呢？

随着经济的富裕、文化的繁荣，服饰艺术正越来越在我们生活中产生强烈的吸引力，服饰艺术是文化的一种表现形态，影响渗透到广泛的领域。同时，服饰艺术又是一种集审美性、实用性、流行性、商品性、功能性等特征为一体的艺术，这种艺术无不体现着人类文明的精神。

服饰艺术论文范文第15篇

关键词：民族艺术；服饰；考察；教学

中图分类号：J50文献标识码：A

突出民族特色的艺术教学，是我院办学的努力目标，在各学科课程的设置中，均有一定比重地安排对民族、民间传统艺术的采风收集及运用设计的课时；这一措施，一方面，有效地促进师生对传统民族艺术的深入认识，另一方面，为发掘、研究、保护和发展我国传统民族、民间文化艺术作出实际贡献。

传统民族、民间艺术，有着悠久的历史和传承形式，从其服饰形态上看，在历经漫长的历史变更后使得丰富多彩的民族服饰颇为壮观；在西南少数民族的各个节日里，如：苗族的苗年节、吃新节、芦笙节、姐妹节、鼓臧节，侗族的三月三歌节，瑶族的盘王节等，均能看到节日盛装中的华丽服饰，精美的蜡染、精致的刺绣工艺及其独特的装饰艺术形态，均具有较高的研究价值。

一、传统民族服饰采风研究的必要性

传统民族服饰，是各民族在漫长的历史变更和劳动生活中，根据民族自身的生活环境及文化传承所产生的服饰形式。一般分为便装与盛装，便装却为日常生活劳作中穿着，盛装即是在民族重大节日盛会、婚礼庆典等场合穿着，具有艺术审美价值和研究价值多为盛装，由于其穿着的时间性，这就给我们的采风活动必须要考虑其节日的时间安排。因为当今的少数民族传统服饰，在日常生活中已较少穿着，其原因是现代时尚流行服饰对新时代青年的着装有着极大的影响，这对于已渐渐走出大山的少数民族青年也不例外，他（她）们在电视信息、外出务工、上学等的方面，逐渐接受了新的时尚着装理念，而对本民族的传统服饰在日常生活的穿用已不注重；在许多的苗寨、侗寨、瑶寨里平时很少看到青年人穿着其民族服装的，只有在他们的节日里才能看到载歌载舞的身着盛装的人们，展示其华丽的民族服饰。这些华丽的服饰里有精美的刺绣、独特的蜡染工艺和华美的配饰艺术，均蕴含着宝贵的现代服饰创新运用的艺术元素。

由于民族开放与融合，许多少数民族的生活观念也渐渐被“汉化”。他们所居住的木楼已渐变为水泥砖房，其穿着的棉麻纺织土布也逐渐被时尚的“牛仔布”所代替，其具有民族特色的银项圈也更换为时尚的钻戒、项链……这种现象的延续，意味着再过十几乃至几十年后，是否会使得具有民族特色的传统民族艺术丢失更多甚至完全消失；因此，发掘和研究、保护和挽救、传承和发展传统民族艺术是当今刻不容缓的重要任务，民族艺术的采风、考察研究，正是这一任务的具体实践。

从现代设计的趋势上看，民族艺术元素的运用在现代设计领域上得以广泛的运用。西方艺术形态的引入和发展，所注重的是现代艺术元素的研究和运用，所体现的是以西方艺术元素的现代构成成果。在历经一定设计阶段的探究后，世界各地的设计师们已开始把目光注视到民族艺术元素的设计运用上，也逐步形成了具有民族特色的设计风格，其成功代表作品如：我国著名服装设计师吴海燕的设计作品“鼎盛时代”、张肇达的“紫禁城”、“西双版纳”等等，这些作品均具有时代性又富有民族性，是当代服装设计的优秀作品。我国是多民族国家，具有丰富的民族服饰艺术元素；但在年轻的大学生中，对我国民族、民间艺术的认识需要加强，在学习、研究中丰富和发展民族艺术。因此，民族艺术的实地考察与研究，对培养现代设计人才，弘扬、发展民族艺术具有重大意义。

二、传统民族服饰艺术采风的实施方法

对传统民族服饰艺术的认识，普遍的方式是，在现有的图书资料、画册图片、网络视频等阅读媒体认识、分析与研究；在以往的采风过程中，也只是到一些少数民族的村寨拍些照片、画画速写，记录些少数民族的民间传说故事等等；但仅是这些采风活动，对传统民族服饰的研究，探索其民族艺术深层次的精髓是远远不够的。因此，作为课题研究的采风活动，不是一般性的采访，更不是只到民族地区的旅游观光，而是有针对性的选择采风内容、地点，深入到具有较强的民族特色的民族居住地，有方法、有步骤地，较为完整的服饰艺术考察，从而较全面地收集民族服饰的第一手资料。

1、采风路线、地点的选择与确定

在准备下乡采风前，要带着目的与任务地选择和确定采风地点和行进路线，也就是要收集什么素材，要到什么地方去，该地点有什么民族居住，服饰有什么特点等等，都要预先查找有关资料进行了解，否则，没有目的的随便走走，就有可能无法收集到所需的资料。因此，在接受到带采风课的老师，应当根据该班的专业方向及研究课题，选择和确定采风地点，如：服装艺术设计的班级，进行苗、瑶、侗族的服饰考察研究课题，就应选择这些少数民族具有代表性的民族聚居地的广西融水、三江、龙胜、金秀，贵州的凯里、雷山、施洞、黎平等地；与此同时，也要选择好行进路线，在该路线上，根据时间安排，确定几个考察点，预定每个点的考察时间和考察内容，尽可能的做到时间紧凑、经济实惠；并准备该考察地区地图，标定行走路线，从而确定考察目的地及考察路线。

2、考察前的准备工作

考察出发前，首先要组织学生查阅所考察地区少数民族的有关资料，对其历史概况、生活习俗、风土人情、、装饰艺术形态等作初步了解，这些了解，对考察具有指导性的意义，让学生知道所考察的内容中有哪些资料是要重点收集的，哪些是需要补充收集的；其次是经费准备，根据考察的地点、路线、车船交通情况、吃住情况等作经费预算。另外，对该班级学生作以小组为单位的考察分组（以3—5人为一组），指定组长负责；同时，组织一个由2—3人组成的先遣组，负责车（船）交通及住宿的联系与安排，指定班生活委员负责经费的收支与管理，领取或采购必备的药品和生活用品。再者，对全班进行下乡采风的安全及纪律教育，强调各项规定与注意事项，尊重少数民族的风俗习惯，这是完成采风任务的重要保障。

3、采风考察的实施方法

采风考察的具体实施，可以从两方面进行，一是对民族地区的州、县的民族、民俗博物馆馆藏民族服饰资料的参观考察；二是深入民族村寨对民族服饰资料的收集与考察，这些考察要确实做到具体、细致，对收集的资料，要力求完整和准确；由于民族服饰的类型较多，因此，应以每件（套）的服饰的分类进行小组负责制，同时每小组的同学，每人负责一项具体任务；如对某一苗族女装服饰的考察为例：

第一组（5人）：负责头、项、胸饰的考察：组员一，负责拍照（一般是用数码相机）；组员二，负责摆放银饰，协助拍照；组员三，负责用软尺测量服饰的各部位的数据；组员四，协助测量服饰；组员五，负责记录数据和有关调查、采访的资料。

第二组5人：负责衣服类的考察：组员一，负责拍照（一般是用数码相机）；组员二，负责摆放衣物（上衣、裙、裤等），协助拍照；组员三，负责用软尺测量服饰的各部位的数据；组员四，协助测量服饰，记录数据；组员五，负责画出个衣物的款式样式图并标记各部位数据，记录有关调查、采访资料。

第三组（5人）：负责服饰材料的织造、蜡染、刺绣工艺的考察：组员一，负责拍照（一般是用数码相机）；组员二，负责摆放物品，协助拍照；组员三，负责用软尺测量所考察的物品各部位的数据；组员四，协助测量；组员五，负责记录数据和有关调查、采访的资料。

第四组（4人）：负责银饰铸造、打造、雕花、镶嵌等制作工艺：组员一，负责拍照（一般是用数码相机）；组员二，负责摆放银饰，协助拍照；组员三，负责用测量银饰的各部位的数据；组员四，负责记录数据、制作步骤和有关调查、采访的资料。

第五组（4人）：负责服饰的装饰图形（图案）的考察：组员一，负责拍照（一般是用数码相机）；组员二，负责摆放图形物品，协助拍照；组员三，负责用软尺测量图案的各部位的数据；组员四，负责记录数据和有关图形的调查、采访的资料。

在考察的过程中，可根据具体情况各组员进行机动轮换。各组在考察时，如时间较紧迫的情况下，应注重抓主要部分的先行完成，余下的细节可作粗略记录，在后期整理资料时凭记忆和参考照片补充完善；同时，也要注意记录各服饰的穿戴方法。

三、采风过程中的教、学互动

采风的教学实践，是教师教授方法与技能的过程，同时，也是学生学习、认识和掌握这一方式、方法的过程，两者的相互配合、相互作用，才能达成良好的教学效果。

1、寓教于乐的教学方式

采风教学，是课堂式教学的野外延伸。教室中的理论学习与研究，是学习前人的实践经验与理论总结，只是在理论层面的理解与认识；通过采风实践教学，深入到具有浓郁民族风情和生活气息的环境中，使得师生以较高的积极性、聚集较大的激情投入该教学实践中，感受新的服饰文化氛围和获取新的服饰知识，以愉快的心情置身于采风实践里，教学气氛轻松、活跃，真可谓寓教于乐。这一方式，也是众多师生乐于接受的教学形式。

2、灵活的教学方法

课堂的教学，通常是学习理论和研究理论，以理论指导实践；而采风实践，是在对新的艺术形式的接触性研究，从而获取研究的第一手资料，也是丰富和提升理论的重要手段和方法。因此，教，则注重方法的传授、在把握好课程目标的基础上，机动地安排实践和灵活实施每一个步骤，充分发挥教学的灵活机动性，不断的丰富和完善教学内容；学，则以确实了解和掌握采风所获取的新知识和研究方法为目的，在教师的统筹安排下，灵活地实施考察环节。采风实施中，方法的灵活多样，师生相互配合、组与组的分工合作，组员与组员间的互相协调，共同完成采风任务，是集体主义和集体智慧的集中体现。

3、教、学的相互促进

采风教实践学，一方面是学生在民族生活中，感受到民族服饰艺术的特殊魅力，并从中学习优秀的传统民族服饰艺术文化，更重要的是从中掌握学习和研究民族服饰艺术的方式方法；这一方法，也将会影响和启发他们在今后的学习和工作中对其他领域知识的学习和研究。另一方面，也将促进教师在同样感受民族艺术瑰宝的同时，从中学习到传统民族服饰的更深层次的服饰艺术和文化内涵，对促进教师对民族文化研究与运用的科研创作起到积极作用；与此同时，也将为今后传统民族服饰艺术的考察、研究与运用，探索新的采风方法而提供实践基础。

四、采风资料的后期整理

资料的收集，是为了更好地运用于今后的艺术设计实践和理论研究。当面对采风收集回来的一大批资料时，有必要进行整理和保存的一系列工作，以便今后的查阅和调用。

1、资料的分类整理

按民族名称或支系名称的不同服饰分类：采风收集的有多个少数民族服饰资料的，应按有主次的排序，同时，男装、女装、童装也要实行分类，盛装与日常装也要进行分类；同一民族有不同支系的不同服饰，也要作分类整理。

按每套服饰的衣服、配饰分类：（1）衣服类：有上衣、裙（裤）、绑腿等。将图片、款式图及测绘数据、采访资料均按秩序排列。（2）银饰类：有头饰、项饰、胸饰、腰饰、手镯等。（3）服饰材料染、绣工艺类：有蜡染、刺绣、织造等。（4）装饰图案类：有崇拜图腾纹样、植物纹样、动物纹样等。同时，传统民族服饰的图案装饰十分丰富，如帽饰图案、衣领图案、胸襟图案，背部图案、袖饰图案、裙摆图案、腰带图案、绑腿图案、鞋饰图案等。对这些图案，运用PS软件进行抠图，将单纯的图案从服装中分离出来，形成独立的图形单元，以方便今后的设计运用。

2、文献材料整理

文献材料，是理论研究的重要参考依据；在采风后期的文献资料的整理中也应从如下几方面进行。

民族史料：有关该民族的起源、迁徙、、生活习俗及发展简况。（1）服饰的发展变化。（2）服饰现状。（3）民族的神话传说与故事等。

3、总结、撰写考察报告

总结是每次课程后必不可少的环节，是每位师生在该课程的教学体会与心得，有了总结，才能检测到每位学生在课程中都学到什么，了解到什么，还有哪些不足之处等。因此采风总结，也是一个重要的教学内容，一般是以撰写考察报告为总结形式。