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美术教育范文

美术教育

美术教育范文第1篇

在关注绘画技巧和表现力的同时,学生也会对画面的情感和表现力做出评价,也能通过画面去体会品位作者内在的思想情感直到与自己产生共鸣,就达到了美术教学的目的。如果说绘画课偏重美术专业性,那么手工课就是培养人综合能力的最佳途径。所有的手工课都体现着动手动脑、探究合作的特点,例如《舞台布景》一课涉及场景构思、背景设计、道具制作、服装设计、灯光布控等各种艺术手段与方法的综合运用,近年来由于人们对文化艺术的追求品位越来越高,各种形式的演出和晚会也成为了提升生活品质的重要方面,也为学生们提供了多种了解舞台美术设计的渠道,这样每个学生对舞台艺术设计均有不同程度的体会和感受,让学生组成设计小组,首先确立晚会主题,再根据每个人对演出主题的深刻理解,以及对场景空间综合效果的把握与想象,多角度集思广益动手设计搭建一个融可性、美观性、实用性为一体的舞台。学生们积极主动的参与讨论,从选主题开始,例如:戏曲舞台要设计成古典风格的,童话剧设计成卡通风格的,演唱会要设计成梦幻风格的,国外的歌剧舞台要设计成西洋风格的等等。制作是学生遇到困难最多的环节,材料的选取、立体道具的绘制制作拼接及牢固性等等。舞台搭建的每个细节都需要周密的思考,无论是选材、设计、制作、评价每一个环节都无一不凝结着学生的智慧与汗水,无一不需要个体与集体的合作,这样的课堂教学不仅提升综合能力,对每个人的完整性发展有着深远的影响。因此我认为美术教育是陶冶情操促进人全面发展的重要学科。善于运用自己的视觉去发现美。提高视觉的鉴赏力。这样极大丰富一个人的信息量,对一个人的整体协调发展起到重要的作用。同时更能提高人的生活情趣和品质。既影响终生,更受益终生!

二、不断学习,提高质量

美术是一种专业性很强的学科,因此美术教师在工作中应通过不断的学习,通过自身能力的提升来提高教学质量。通过短训班、研讨会、公开课、组内研讨等形式,学习研究专业知识及教法,不断提高业务素质和教学水平。“给学生一杯水,教师应有一桶水。”然而,现在社会在不断的发展,信息不断的变幻,人们对事物的认识也在不断的加深,我们教师固守的那桶水已经不能满足学生的那一杯水了,教师的角色要求我们应该不断的学习新知识,不学习就不能工作。所以学习贯穿于工作,乃至于人全部生命历程。例如:我们在教学国画这一章节时,组内几位教师根据自身的条件互相学习切磋,利用课后时间在原有基础上苦练一笔一势,同时走访专业画师,虚心求教,经过一段时间的学习,在原有国画技能的基础上每位教师都有大幅度提高,国画课堂上挥洒笔墨,游刃有余,使学生不仅大开眼界而且兴趣浓厚,达到了教师以精湛的技能来潜移默化的引导学生学习兴趣,同时激发了学生渴求知识的愿望。这种愿望是最宝贵的情感财富,也是我们教育成功的所在,情感在活动中的主要作用体现在活动的动力上,在美术教学中,情感不仅作为活动的动力发生作用,而且是作为处理对象存在的,在处理一幅画的过程中,学生要将喜怒哀乐情感倾注在自己的画中,我在全市美术课大赛中上的《色彩的感觉》一课就体现了情感在美术课上的重要性。比赛在异地举办,上课班级的学生是和我只有一面之缘的陌生群体,课堂上,通过大量的图片让学生感受到色彩在每个人的心里有积极和消极的感受,例如红色给我们共同的感觉是热烈、火辣等积极向上的一面,同时也兼有烦躁、暴力等消极沉沦的一面。在欣赏评价昨天的时候,发现有个学生的画面主色调是黑色,而且是凌乱无章的线条与色块,这位小作者在老师和同学的鼓励下,勇敢的说出了他内心的痛苦,就是和同学闹矛盾后的孤独感一直在困扰他,他的真诚倾诉让同学很感动,尘封的矛盾顷刻之间化干戈为玉帛,这样的教学让学生终身难忘。

在学习知识的过程中,得到了情感的表达释放,愉悦了身心的同时,让学生将爱好化作习惯,学习化被动为主动,教育的成功不过如此!教育调查资料显示,受学生喜欢的教师总是那些知识丰富磅礴、乐观不乏新思想、能和学生打成一片的教师。现在学生接触世界林林总总,他们已经不喜欢板着面孔的大眼镜,不再需要只有知识的古董,阳光激情活力四射的教师才是他们的最爱。因此我深深体会到“亲其师,信其道”在教学中的重要性。只有教师赢得了学生的认可、喜爱,才能让学生对你的学科感兴趣,进而提高教学质量才触手可及。处理好和学生的关系。和他们交朋友已经是教学中不可忽视的要素和环节。学习学生心理学,跟上时代步伐,与学生一同学习一同成长不断更新知识是教师的必修课。作为美术教师和各个班级的学生接触的时间不是很多,所以要想和同学尽快建立起和谐的师生关系,就要动脑筋想办法。先了解孩子的心里,从外表先打动他们,都说生活是面镜子。你笑他就笑,我说学生也是面镜子,老师的情绪直接影响学生的情绪和整个课堂的情绪,所以多年来我已经形成习惯总是带着笑容走进课堂,面对活泼可爱的孩子,没有理由不高兴的。微笑面对每一个孩子的脸,微笑回答每一个孩子的问题,让笑声充满课堂,充满每个孩子的心里。爱美之心人皆有之,小学生更不例外。他们对美丽的颜色更是感兴趣,所以我很在意自己的外表,让学生更能赏心悦目,从着装上走近他们。学生更喜欢年轻活泼能懂他们的老师,课下经常和学生聊天,随时掌握他们的心理动态,做到知己知彼也是教师作为学习研究的重要内容之一。教师的终身学习不仅体现在知识的专业性上,更体现在知识的广泛性、实用性上。美术教材内容广泛,与每个学科都有着十分密切的联系,触及生活的各个领域、触及社会的不同方面、触及时空的过去未来、触及灵魂的每个角落。

美术欣赏课有大量的古今中外名家名画、名胜古迹,美景美图的赏析过程中所涉及的天文地理、政治军事、宗教哲学、生态环境。无一不要求教师去了解这些相关的文化背景。教师赏析程度直接影响学生对名画名胜的情绪情感。以此只有做到才思敏捷、睿智博学才能胜任美术教师。学海无涯愿美术老师能以苦学伴终生无悔于教育事业。

三、面向全体,重视普及

美术教育的目标已经由培养专业人才转变成为提高全民的审美能力上。教学过程是完成这一使命的基本途径,因此重视传授知识的过程,不应把眼光只盯住成绩上,教学的过程是这一活动的重要环节,抓住了这一环节,其他就迎刃而解。在课堂教学中做到讲解到位,语言精炼有吸引力,重视每个学生知识反馈情况,不应用业艺术教育的模式和要求来看待教学,如重视提高忽略普及,重视比赛忽视教学,重视拔尖人才忽略面向全体,重视艺术教育的比赛结果,而忽视审美能力和艺术素质的培养。这些都偏离了小学对美术教学的培养方向,不利于人才的培养,因此我们必须重视普及即面对课堂教学提高全体学生的艺术修养,促进身心发展。

作为美术教育无论是有天赋还是无天赋,都应在课堂上有平等的学习和参与活动的权利,在普及中有提高,课内与课外有机结合,让每个学生既张扬个性又全面发展。在教学中注意保护学生个性的小火花,采用多种形式的评价方式,充分肯定学生的每一个闪光点,让学生更加自信,把发自内心的感受充分的表现在画面中。比如在教学《我给同学画张像》中,大家可以任意选择同学做为绘画对象,可以是自己喜欢的、崇拜的同学,可以选择淘气的、安静的,可以选择漂亮的、有气质的、有特点的等等。只要觉得能画出同学的摸样,能表达出同学的特点就是极其完美的作品,在学生的互评中都以一种欣赏的眼光去评价,可以评价别人的,也可以评价自己的,大家各抒己见,在互相交流中得到学习提高,在评价过程中既普及了绘画知识又学会了友情的另一种表现方式,促进了情感交流,增进了友谊合作,更提高了审美鉴赏能力。让全体学生都感受到美术教学的文化性、人文性、艺术性、综合性、多样性,让美术课堂教学绽放无与伦比的魅力。

美术教育范文第2篇

关键词:李瑞清两江师范学堂图画手工科师范美术教育

一、李瑞清其人

李瑞清是晚清著名学者、教育家、书画家。字仲麟,号梅庵、梅痴。晚年自署清道人。江西临川人,清光绪二十年(1894年)中进士,光绪二十一年(1895年)经殿试名列二甲第一,选入翰林院,授予“庶吉士”的官称。光绪壬寅年(1902年)李瑞清应云南巡抚魏威肃之聘,到昆明讲“大学”。不久魏威肃调任江苏巡抚,李随之而来,短暂地充当过魏威肃的幕僚和家庭教师。在光绪乙巳年(1905年),清政府免去他“翰林院吉士”,改为“道员”,分配江苏备用。其时两江总督周馥正忙于废书院、兴学堂、设师范,正当用人之际,所以立即任命李瑞清为“师范传习所总办”,并委任他做“两江优级师范学堂”监督(校长)。李瑞清后来还担任过“江南高等学堂”监督、江宁提学使等职。但据记载,他始终没有离开两江师范的教育岗位。宣统三年(1911年)十月辛亥革命爆发,躲进美国领事馆的总督张人骏电奏清廷,任命李瑞清弃职逃跑的江宁布政使凡增强的职务,困守孤城。南京光复后,军政府挽留他继续任职,李瑞清毅然拒绝,并将江宁城原有库存钱财和两江师范的清册一一移交,怀着对旧王朝的一片忠心,离开南京,定居上海。从此他隐姓埋名,身穿道服,自称“清道人”,以书画养家糊口。以后他都拒绝了新政权请他当顾问、当教育会会长等请求。在张勋复辟之时,李瑞清以“效忠”的心态接受了清廷授予的空衔——“学部左侍郎”。在复辟失败后,他因抑郁于1920年8月忽发中风而终,享年54岁。

二、李瑞清的救国论与中国师范美术教育之肇始

与当时“实业救国”论者不同,李瑞清主张“教育救国”。他说:“今世豪杰之士,往往远言富强以救国,促进立宪以维亡。当知犹太人非不富,国非政府所能亡,亡在社会耳。救社会舍教育外,更无他法。唯一二英杰投身教育,不但不可有富贵思想,即名誉思想亦不可有。当如老牧师除救世外,无他思想。政治之良否,须仰望于政府诸公,而教育则匹夫皆能胜其行。”①他认为“自古以来,未有无学而不国亡,有学而国不兴”。主张多培养一个学生“将来救中国多一人之力”。②所以,他在主持两江师范学堂期间,“以身作是,视诸生若家人子弟;提倡科学、国学美术,不遗余力”。③1905年李瑞清任“两江优级师范学堂”监督的初期,并没有开设美术性质的专科,图画只作为一些科的必修课。后来李瑞清从日籍教师那里了解到日本高师有“图画手工”一科,同时我国“学制”中规定中小学堂的图画、手工课。于是他“咨询校中诸外国教授,汇集东西各国师范教育设科之成例,拟定艺术专科之办法,条陈学部,奏准添设”。在1906年李瑞清办起了中国近代美术教育史上第一个专门美术系科——“图画手工科”。

图画手工科,首批学生33人(称“甲班”),在1906年6月入学(1909年12月毕业),接着1907年又招学生36人(称“乙班”),于9月入学(1910年12月毕业)。学生来自江苏、安徽、江西三省。当时规定肄业期限为3年,而图画手工科实际是三年半(七学期)。其中,第一学年为预科,从第二学年起即为本科。每周约42课时。规定课目:教育为总主科;图画、手工为主科;音乐为副主科;国文、英文、日文、历史、地理、数学、体操等为副科。

图画手工科从1906—1911年,培养两届美术师资计69人,毕业后分布江、浙、皖、赣、湘、粤、川、晋及北京等各中等师范学校,少数在高师从事美术教育工作。从这个专科毕业的学生有张大千、胡小石、吕凤子、姜丹书、经亨颐等。姜丹书和经亨颐在西子湖畔创办浙江两级师范(浙江美术学院前身),培养出了潘天寿、丰子恺、吴梦非、王隐秋等著名书画家。他的另一些学生又在北方创办北京高等师范,培养出了李苦禅、俞剑华、王子云、雷圭元等名家。刘海粟办上海美专时,国画系聘请潘天寿、张大千为教授,教书法篆刻的则有李健等人。可见,两江师范学堂对开辟我国现代学校美术教育事业具有重大的拓荒作用,也是以“欧西画法,直接由国人率先推行于新艺术教育上嚆矢也”。④

三、两江师范图画手工科的历史贡献及其当下意义

(一)重视学生的文化素养。当时招收新生还没有高级中等学堂的毕业生,而且人们毫无西画基础。所以报考资格,要求是“举、贡、生、监”。只有少数相当于中等学校水平的人投考,经过三次严格文化考试,择优录取。学生文化基础好,对今后从事教育工作、自我进修和编写教材是极为有利的条件。除了这种较好的录取条件外,学校还根据学生的基本文化素质,采用一年预科、二年半本科的两段制,实施教学。“预科”除专业课外,重在补习西方数、理、化、博物、农学、经济专科的基础知识,使物理学改变其知识结构,而成为具有新型教师所必备的现代学识。“本科”重在图画、手工、教育等专业教学,培养学生成为能动手又具有一定教育理论的美术教育工作者。

(二)课程设置重视“师范性”。专业知识面广,而且重视教育理论。专业课程中除了油画、水彩、铅笔、木炭、国画(后来加上的)以及用器画之外,还有手工,教师都传授了基本知识技能,使学生了解掌握其学习方法和表现技能。课程虽不太专,学得也不算太精,而且课业太多,练习时间又少,所以不可能培养出艺术专家,但可以培养出完全胜任中学美术教育的教师。由于学生在校对各画种的学习法有较深的理解,所以毕业后,根据自己的爱好,选择对某画种来进一步深入自修,是毫无困难的。因此,在这批毕业生中就出现如:吕凤子、汪采白、吴溉亭、姜丹书、凌直之、李健等著名画家和美术教育家。

(三)提倡学生课外自修。李瑞清的训育宗旨是:“奖励自动,以为学校课外机会如多,学生德慧术智,不知不觉自尔养成,一旦出而致用,鲜有不出众者。”李瑞清本人就常常在课外辅导学生自修。如吕凤子在两江读书时,尚未开国画和书法的课程。课余,他就常常向李瑞清请教国画、书法。学者胡小石在两江读书时学习专业生物学。但他课余追随李瑞清学习书法,而成为著名书画家。

(四)重视“手工”。当时认为图画、手工是“实学”。《学部奏请宣示教育宗旨折》中规定:“格致(物理、化学等自然科学)、图画、手工,皆当视为重要科目”。两江师范是图画、手工并重,“手工课”的教学内容之丰富,恐怕后来高师美术系,没有一所能够完全实施。

(五)为西画教育在中国的普及作了铺垫。两江师范图画手工科,主要是以日本高师美术专业为参照系而创办的,并且专业课程大多由日籍教师担任,“关于艺术之中外图书及石膏模型、油画材料、用器画标本仪器等,皆从东西洋直接采办。”⑤所以,对西画教育从铅笔、木炭到水彩、油画的写生、速写等都有一个比较正确的教学方法。前清宣统二年(1910年)六月在南京举办“南洋劝业余”。这是中国举办的第一个国货和美术合二而一的展览会。在劝业余会中美术馆内陈列“所有洋画,因为都是学校出品,所以列在教育馆内。至于洋画的种类,如铅、炭、水绘、油绘等,倒也色色都有些”。⑥这次展览有力地说明:在中国最早出国学习西画的人,尚未回国,专业美术院校还未创办之时,普通学校的美术教育,已经为西画在中国的普及做出了积极的贡献。

注释:

①②李瑞清.清道人遗集.文海出版社有限公司,1969年.

③菊南山.清道人传.东南文化,1995年第1期.

美术教育范文第3篇

目前仍有很多高职院校没有摆脱传统的教学模式,忽视了培养学生的理论知识与实践的重要性,从而导致学生的美术专业素养与综合素质的缺失,影响了今后从事美术教育技能的培养。现在美术专业高考重视专业基本功,文化录取线低,这样不利于全面综合艺术素质的考查和人才的选拔与培养,也不利于美术教育事业的长期发展,同时也误导了学校的美术教育。

现在许多学生在高考文化无望的情况下,转来报考美术,作为取得大学文凭的捷径。他们入学后既不喜欢美术专业,也没有基本美术基本功的素养,学习积极性较差,对高校美术教育教学模式培养起来很困难。另一方面从学生自身情况来说,只重视实践而忽略了理论知识的学习、忽视美术学习作用。长久以来,美术专业高考录取分值的较低,导致招录进来部分学生文化涵养欠缺,对理论知识学习兴致不高,再加上现在很多高职院校的美术课被随意占用,从而使学生的美术常识与大学美术课程的衔接上出现断层。有些学生考入高职院校后,美术理论知识从最基础开始学起,其学习难度与美术教师的授课难度无疑又增加。美术属于专业理论基础课,在高职院校中,校方为方便管理把美术课程进行划分,实践课由学院自主排课,理论知识课统一由学校教务部门来排课、管理。在这期间,不适合美术课程特殊性的管理方式导致美术教学无法开展实地参观和实践的多样化教学模式,这对美术课程的学习是有害的。

虽然我们可以借助多媒体视频和图片来辅助教学,但这与面对实物是有差异的。俗话说“百闻不如一见”,直观教学对美术的学习有很大的促进作用。教师可带学生去美术馆和博物馆等实地考察,在考察过程中将相关知识有机结合对学生作讲解,既提高了学生的理论知识的掌握能力,又使其对美术教育做了实践活动,反映甚好。我国各级美术馆、博物馆和纪念馆都免费开放,这给美术课程创造了很好的直观教学条件。但目前来看,仍有很多高职院校并没有充分利用好这些有利条件,美术的教学模式还需得到进一步的转变。

2高职院校对美术教育管理存在不足地方应加强科学管理

现在很多高职院校的美术课程考察多采取闭卷考试的模式。闭卷考试只考察学生的简短文字材料或识记性问题,考试内容比较简单,大多能从书本上直接找到答案,这种考试形式虽有利于考查学生的识记、简单理解和应用能力,但会让学生死记硬背、追求及格为最终目的,根本考察不出学生的知识应用能力,也不利于培养其综合能力,所以我们应该考虑应该采用什么样的方式来评定学生对美术相关知识的掌握水平。另外,在整个美术教学管理中,美术教材的作用也十分重要,怎样在美术教材中选取符合教育部规定又符合当地实际情况的教材,学校也应做审慎的思考。高职院校美术教育工作就是管理力度不够,没有相应的管理机制。因此高职院校美术教育要得到健康稳定的发展,就必须走依法治教的道路。

就必须要求各高职院校执行国家教育部关于《学校艺术教育工作规程》的要求,同时各级地方教育部门也应该完善并制订相应的高职院校艺术教育的规章制度,将美术教育纳入综合教育改革、督导评估等各项工作中去,使高职院校的美术教育与整个高职院校的教育工作协调发展,最终实现对高职院校美术教育的科学管理。高职院校美术教育是一个动态的发展过程,对美术教育的学习不单单是掌握在过去的历史中,而是在看清过去的同时更好地展望未来。美术教育与人以及社会形成了彼此联系、双向构建的关系。对于以培养人才为基础的高职院校而言,将现代的美术教育理念与培养高模式人才意识相结合,同时吸取国际上各种美术教育形式的优点加以发展、创新,使美术教育在建设社会主义和谐社会中,具有一定的价值及其重要地位。

美术教育范文第4篇

[关键词]美术教学新课程标准体验学习

基础教育课程改革将使我国的中小学教师队伍发生一次历史性的变化。每一位教师都将在这场变革面前实现新的蜕变,新的跨越。中小学美术新课程标准打破了传统美术教学的知识框架,从全新的角度,按学习方式把美术课程分为欣赏·评述,造型·表现,设计·应用,综合·探索四大学习领域。从新课标划分的四个学习领域中,我们可以看出,不论是外化能力、内化品质,还是探索未知,体验成功与情感,新课标赋予了新教材很多体验性学习的方式。新课程强调一切为了学生的发展,从学生的经验出发,教学要向少年儿童的生活世界回归。教学方式由被动的接受式转向探究性学习、自主合作学习。

一、注重各学科的渗透性

美术不是一门独立的艺术学科,它有特色,但不孤立,它与许多学科都有着密切的联系。比如说许多理念要运用图像来阐明科学的内容,了解事物的本质问题,只用语言文字符号是难以表达清楚的,如运用图像符号则一目了然,而且图像从视觉上、意识上使学生产生美感,渗透了美的教育。因此,在教育改革过程中,积极主动地配合各科教学,加强与各学科的联系,是拓宽审美教育的一条良好方法。由于多年来受应试教育的影响,许多美术教师也大多固守在自己的思维空间里,千篇一律的上课,这与教师的教法有关。对于新课程的改革,使教师随之走进不同以往的课堂氛围,美术教师将随着新课程教学的改变而重新寻找自己的教学方法。所以在上课过程中,我结合了许多其他课程,涉及到音乐,文学,地理,历史等方面的知识,让学生能在美术这一学科里学到除了画画以外的东西。

二、注重情感与审美能力的协调性

促进学生感知觉和形象思维能力的发展,促进学生创新精神和技术意识的形成,促进学生的个性形成与全面发展。课程标准能充分调动学生的学习积极性。积极性是人的一种心理能动状态,具有指向性、协调性和绩效性。它包括认识的活跃、情感的兴奋和意志的努力等多种心理成分。学生的积极性不是天生的,它是在需要——动机——目标的推动、引导下产生的。当人的需要具有确实的目标并呈现出实现目标的可能性——目标期望时,需要便转变成动机推动人积极行动。在这一过程中,人对客观事物的态度,起着不可忽视的控制和调节作用。所以,学生个体积极性结构的心理分析,包括需要、动机、目标、态度等方面。基于这几个方面,教师应采取相应的措施,使之对学生的积极性进行有力的调动。

三、注重主客体的交融性

学习的过程是主客体交融的过程,就是学习主体对知识客体融会整合的过程。学生作为学习的主体,具有自主性、能动性和创造性,而教材内容则是固定的、静止的,具有自闭性、被动性,甚至排他性;为学生主体增加了障碍和困难;学习主体与教材客体成了一对矛盾。开展体验性学习,教师的作用就是使固定的、自闭的、被动的教材内容活起来,就是根据学生的生理、心理特点与教材自身的功能和内涵,注入体验性学习的机制和方式方法,使教学内容成为开放的,具有趣味的,充满活力的各种学习活动。如在“谁画的鱼最大”教学中,创设学生捉鱼的机会,体验鱼的活力与手感;通过观看海洋热带鱼的视听体验,丰富了学生对各种美丽的热带鱼的认识;通过动手绘画漂亮的大鱼的体验,学生获得了成功的愉悦体验,口语交流的体验。有机地创设体验学习情景和体验学习气氛,体验学习的契机。使学生对认知活动产生兴趣,产生爱意,自主地参与到学习活动中去,去体验和感悟,能动地拥抱知识,认识知识,学习主体与知识学习活动融为一体,在主客体的交融体验学习中,知识融入了学生的生命之中,使学生尝试到每一次学习体验都是生命意义的升华和对生命价值的体验,而获得对学习美术的持久兴趣。

四、注重学习主体的实践性

实践是认知的基础,实践是体验性学习的基本方式,体验性学习就是通过丰富多彩的实践活动,充分刺激学生的视觉、触觉、听觉,从而获得感知认识,完成对客体的认知。如在“滚动乐园”教学中,学生在把玩、抚摸水果的过程中,通过手的触觉,体验到水果圆的实体,果皮的细嫩、光滑、舒服;通过鼻子对水果的嗅觉体验,闻到了水果的清秀与芬芳;通过滚动水果的观察、视觉体验,不但认识了圆,而且发现滚动的水果与静止的水果的区别;通过动手绘画体验,才发现平面上的圆与生活中的圆有很大的差别,但又互相联系。开展体验性学习活动,是在感知觉体验认识的基础上,进一步调动思维和情感的体验,逐步获得对知识的感悟和认知。再通过动手实践制作的体验,检验感知觉的认识,校正和提升认知思维,再进一步获得创造与成功愉悦的体验。

五、注重教材内容的灵活性

美术教育范文第5篇

(二)里德的美术教育观:英国著名艺术教育家、艺术理论家和评论家赫伯特·里德提倡通过美术教育促进儿童人格成长,他认为儿童具有许多与生俱来的潜能,并有不同表现类型(依思考、感情、感觉、直觉,将儿童分为八种表现类型),美术教学应该按不同类型分别予以指导。

里德对艺术在教育中的地位看得很高,把艺术看成是适应社会的人的个性的自我定位最有效的手段。他认为人类的不幸主要溯源于个人自发创造力受到压制,人格自然的生长受到阻挠。教育唯有运用艺术,才能摆脱这种状况,达到自我实现。这就是说,艺术教育的目标是促使儿童自发创造力与人格自然地成长。

里德认为人类的艺术表现形式与人类的心理类型是高度相关的。依据容格的观点,他把人类心理分为思考型、感情型、感觉型、直觉型,而每个类型有内向、外向之分。这样,人类心理共有八种基本类型。里德认为,这八种基本心理类型各自具有独特的美的表现形式。以现代艺术为例:思考型——写实派;感情型——超写实派;感觉型——表现派;直觉型——构成派。心理型中有内向与外向之分,相当于艺术型中的主观与客观之分。具体到儿童艺术,里德便有了这样的看法:儿童生来具有艺术潜能,并具有不同表现类型。它们是:有组织的、拟情的、节奏的模式、构造的形式、列举的、表现派的、装饰的和想象的,共八种。这八种儿童艺术表现类型受到儿童特定的人格类型影响,相当于儿童不同的心理倾向:外向思考型——列举的,内向思考型——有组织的;外向感情型——装饰的,内向感情型——想象的;外向感觉型——拟情的,内向感觉型——表现派的(触觉的);外向直觉型——拟情的,内向直觉型——构成的形式。由于艺术类型与心理倾向之间这种依存关系的存在,教师在教学中就应该具有型的态度(typeattitudes)而立于承认各种类型的地位,依照儿童天赋的气质予以鼓励和指导。

儿童美术不仅受儿童特定人格类型的影响,也受“由潜意识而来”的一系列原生印象或原型的影响。根据里德的观点,儿童美术是人类进化过程中作为残迹遗留在人类意识中的一种原形功能。原型最常显现的是魔环主题(MandalaTheme),包括一切同心圆、有一个中心的圆型或方型以及所有辐射状或球状的排列,如花、十字、轮状、曼陀罗等。这些符号自然反复地出现在各种文化背景的儿童画中,从而为人类的共同人性提供了佐证。

仿效进步主义的观点,里德提出美术教育的课程和教学法建议。他指出,“课程不应视为各科的总汇。在中学阶段一如在小学阶段一样,应该是创造性活动的场所,而教学只是为了达到这些活动的目的在不可免时或有助力时才实施。如果在幼儿阶段,这些活动可称为游戏活动,在小学阶段称为设计(Project),然后在中学阶段合而为建设性课业。”〔1〕艺术应成为学校日常生活的一部分,课程应采用统整模式。学校是实习工场,符合美学标准。而教师,则应该是将个体引入环境的中介,他应该了解“涵容”学生。里德的这些看法,与进步主义教育理论是一致的。

(三)罗恩菲德的美术教育观:维克多·罗恩菲德是美国当代著名的美术教育家、心理学家,宾州大学艺术教育系教授。他综合美术教育理论和实践,形成一套颇有影响的美术教育观,成为进步主义美术教育的运动的核心和领导人物。罗恩菲德认为,在艺术教育中,艺术只是一种达到目标的方法,而不是一个目标。艺术教育的目标是造就富于创造力的身心健康的人。而创造性是每个儿童都具有的潜能,为使这种潜能得以实现,教师或家长应该为孩子排除干扰,避免让儿童使用着色画本,也不要从成人角度评价儿童作品,这样,每个儿童都会无拘无束地运用创作欲望,运用自己的感官去感受和体验生活,这就是发挥创造力的最佳途径。

罗恩菲德把儿童美术的发展分为六个阶段:涂鸦阶段(2—4岁)是儿童自我表现的第一阶段;样式化前阶段(4—7岁),儿童作首次的表现尝试;样式化阶段(7—9岁),有形体概念的形式;党群年龄(9—11)是理智萌芽的阶段;推理阶段(11—13)是拟写实的阶段;青春危机期(13—)是儿童美术发展的决定性时期。罗恩菲德认为,这些阶段是来自遗传的知觉程序自然展开的结果。一个个阶段的发展,就象一个个遗传程式的展开一样。虽然各个儿童有不同的发展特征和速度,但整体的形式和步骤却是相似的。儿童需经过一个阶段才能进入下一阶段。既然这些阶段是自然发展的,因而教师对儿童美术的学习就不该予以干涉。不要试图教儿童怎样绘画,而应该只是提供材料和刺激,让儿童自我表现,以自己的速度、自己的方式发展他们的美术能力。

罗恩菲德把儿童的创作看作是他们感情、智慧、生理、知觉、社会性、美感及创造性的反映。从儿童的作品中,可以窥见他们在这些方面的成长情况。如,当儿童喜爱某人(物)时,就会在作品中作特别的强调和夸张;当他们的社会性和群体性发展到一定阶段,作品中就会有表现群体的活动出现。儿童的发展是生理的、感情的、社会的等多个领域的整体发展,而创作过程对儿童整体发展最为重要,因而,罗恩菲德强调创作过程,忽视创作结果,明确指出“对儿童影响最大的是制作过程而非完成品。”

在说明儿童美术的特征时,罗恩菲德特别提出了知觉的视觉模式和触觉模式这组概念。罗恩菲德认为,知觉有两种反应模式——视觉型和触觉型。视觉型是一种客观类型。视觉型的个人喜爱环境,是世界的旁观者。他们在画面中咨询自然,其绘画倾向于具象的写实。而触觉型是一种主观类型。触觉型的个人是世界的参与者而非旁观者。他们专注于主观经验的阐释,其绘画倾向于高度主观的表现。当儿童成长时,大部分人(约70%)以两种方式中的一种去面对世界(约47%的人倾向于视觉型,23%的人倾向于触觉型)。〔2〕罗恩菲德认为知觉特征的不同是由遗传而来的,因此,不要指望视觉型的儿童画出触觉型特征的画,触觉型的儿童画出高度写实的作品。由于儿童中有两种创造类型——视觉型和触觉型存在,因而对美术教师的教学指导提出了要求。“我们必须在我们的刺激中更加注意这两种经验。假如我们用主观经验、感情性质或者身体的经验来刺激他,我们将会挫折一位‘视觉型’的人。同样地,假如我们只用视觉经验来刺激主观的人,我们也会妨碍他。既然传统的艺术教育主要只是基于视觉刺激,儿童的一大部分不但受到忽略,而且还会受到挫折。许多艺术教育者在中等学校里使用视觉刺激,却未曾认识到:现代的表现艺术也是今日生活中非视觉性的一种刺激。”〔3〕所以,写实的表现方式不应该作为唯一的批评标准。教师应把经验世界的态度与视觉型视觉接触的方式一视同仁。艺术刺激应同时包括触觉感应和视觉经验,这样才能做到真正的面向全体学生。

里德和罗恩菲德都是工具主义美术教育观的代表人物,他们都主张“EducationthroughArt”。里德的贡献在于美术教育的价值与哲学的建树,而罗恩菲德则在美术发展心理及教材教法的研究方面有独到之处,两者相辅相成,联珠合璧。从他们关于艺术教育的阐述中,我们可以很明显地看到杜威及进步教育运动的影响,甚而,还有卢梭的影子。(事实上,杜威的教育理论与卢梭的理论关系密切,虽然杜威本人不予承认。)工具论使美术教育课堂发生了重大变化,儿童成为美术课的中心。

杜威重视感性经验,关注儿童兴趣,使教育领域开始了以儿童为中心的新时代。然而,“事实告诉我们,杜威牌的教育学,大概不可能在学校里广泛地被使用——到现在还是如此。”〔4〕杜威式的教育使得美国学校中暴露出“纪律松懈、书写无能,以及初等数学和科学知识严重不足”的缺点,引起家长及社会人士的不满。而在美术教育界,工具论的实践使得学校中的美术教育处于一种儿童自发的,无教师干预和评价的,无所谓最后作品的严重放任状态。艺术没有被视为一门学习的课程,而是被当成了儿童自我表现的工具。学校中视觉艺术的主要功能只是给学生提供了一个表现创造力,渲泻情绪的机会。严格地说,这种状态是“非教育”的。到了60年代,情况开始发生变化。变化的主要契机是前苏联第一颗人造卫星的升天。

二、本质论

1957年10月7日,前苏联人把第一颗人造卫星“普斯特尼克”送上了天,显示出苏联领先一步的科学教育水平。争霸世界的需要使得美国在60年代进行了一次大规模的课程改革运动,改革的理论基础是由布鲁纳(J.S.Bruner)倡导的以了解科目基本结构为主旨的结构主义理论,在此理论的基础上,美术教育界逐渐形成和发展了本质论。这次教改兴起了学科运动。在自然科学、数学、外语(即“新三艺”)这些结构清楚、易于教学和检测的科目得到特别青睐时,美术教育为求在学校中生存,也开始逐渐向科目转化。这一转化中,巴肯(M.Barken)起到了重要作用。他认为美术有权成为科目,作为科目的美术教育包括画室学习、美术批评和美术史,这一观点影响了以后作为本质论代表人物的艾斯纳(W.D.Eisner)和格内尔(W.D.Greer)。本质论形成并逐渐发展起来。

(一)本质论的教育思想基础:布鲁纳的结构主义教育理论是本质主义美术教育观的主要思想基础。布鲁纳是美国著名心理学家,结构主义教育学派的代表人物。他曾任哈佛大学和牛津大学心理学教授,哈佛认知研究中心主任。他把20世纪50年代瑞士心理学家皮亚杰(J.Piajet)创立的结构主义心理学应用于中学课程改革,提出了颇有创见的教育主张。1960年,他的《教育过程》一书出版,该书阐述了教改的四个中心思想:①使学生掌握学科的基本结构;②任何学科的基本原理可以以适当的方式教给任何年龄的任何人;③重视直觉思维力的发展;④学习的最好动机是对学习材料的兴趣。该书出版后备受推崇,被西方教育界人士称为“划时代著作”,很快,美国掀起了以此书思想为指导,以课程革新为中心的教改运动。布鲁纳的教育思想与杜威大相径庭,这主要基于他们哲学认识论方面的差异。杜威是地道的主观唯心主义,其思想核心是“经验”,而布鲁纳恰恰相反,他强调知识领域是独立存在的,可以认识的,“经验”或“事物”所具有的规律性的东西才是人们追求知识的根由。教材应该由记录这些规律性的东西构成;结构不是在材料内部发现的,而是“外加”进去的,是人所塑造的;知识可以由各学科的专家和学者来构成一个连贯的模式,并可以此构筑儿童应得的知识。在这种认识论指导下,他指出:(1)要以能力和智力的发展为教育的目的;(2)以学科的基本结构为教育内容;(3)以动机、结构、程序、强化为教学四原则;(4)以发现法为教学方法。

在布鲁纳的思想影响下,学科运动开始兴起。当别人根据布鲁纳理论把外语、物理、化学、数学等变成结构清楚的科目时,艺术教育研究者们也开始注意美术的结构,艺术教育从重视“自我表现”和“创造性”转向帮助学生独立从事艺术学科结构的探讨,也就是教会学生如何学习艺术,从而使本质主义美术教育观有所发展。然而,这些思想当时除了在杂志上有所宣传外,并没有站稳脚跟。1982年,保罗·盖蒂信托公司出资成立盖蒂艺术教育中心。这个中心推行正规系统的美术教育,帮助学校在实践中发展充实本质论思想,逐渐地以学科为基础的美术教育(DBAE)开始形成并流行开来。

(二)本质主义美术教育观:本质论强调美术教育的本质性价值,倡导以学科为基础的美术教育。本质主义者认为,美术教学应具有学科性、顺序性,主张系统化的课程设计与指导方法,并且以学科的标准来评量儿童的学习成果。

本质论的代表人物是艾斯纳和格内尔。艾斯纳强调美术教育的主要价值在于对个人经验的独特贡献。他指出,“美术是人类文化和实践极其特殊的一面,而且美术能为人类实践作出的最可贵的贡献是直接与其特性相关系的。美术能为人类教育作的贡献恰恰是别的学科所不能作的。因而,任何一项将艺术首先作为为其他目的服务工具的教育计划会冲淡美术的意义。美术不应屈尊服务于其他目的。”〔5〕美术教育不是服务于其他目的的工具,它在基础教育中有其独特的作用,从而,美术在学校课程中的地位得到了重视和提高。

与工具论者相反,艾斯纳提出美术能力不是自然发展的结果,而是学习和教育的结果。“美术学习不是随儿童成长成熟的自然结果,美术学习可以通过教育指导得到促进。”〔6〕既然如此,可教的内容有哪些呢?艾斯纳认为美术教学的领域应包括三方面:美术创作、美术批评和美术史。要使这三方面教学卓有成效,则需要有系统化的连续性课程设计,而不是那种感恩节画火鸡、圣诞节做节目装饰的以日历为中心的教学。而且,对教学要尽量评估,因为无论是有形的还是无形的评估,对师生的教与学都是大有裨益的。

W·迪文·格内尔的观点与艾斯纳相近。格内尔倡导DBAE大纲,他曾在文章《一种以学科为基础的美术教育:将美术作为一种学科研究的方法》中首次使用了“以学科为基础的美术教育(TheDiscipline—BasedArtEducation)的术语。这一流行的教育思想简称DBAE。它实际上来源于60年代出现的教育观念,但却揉进了巴肯、艾斯纳在60年代提出的美术创作、美术批评、美术史教学思想。格内尔认为,DBAE可以“培养出有教养的人,具有美术和制作方面的知识,而且能对美术品和其他物体中的美有所反应。”

DBAE有三个主要特征:

1.学习领域涵括美学、美术批评、美术史和美术创作四个方面。

2.教学内容由简至繁作螺旋式递进。

3.严格的书面课程设计,实施系统化教学。

DBAE具有严谨的课程中心导向。它不仅重视形象的制作,更重视对形象的理解。它要求把创作、欣赏、理解和评价几方面统合于同一教学单元,体现在总课程中,进行系统化、连贯性的教学。在DBAE的学习领域中,美术创作是让学生通过实践学习制作,学习技巧和组织等;美术批评是让学生通过观察、欣赏,发展他们对形象的分析、演绎及判断能力;美术史的学习使学生通过对作品作者、时间、空间背景的认识,加深对历史文化的了解;美学则是让学生通过对美的本质、美的经验、美术在人类活动中的地位等探讨,加强学生的判断能力,建立理论学习的基础。这四个方面,美术创作和美术史较容易为人理解,而美学和美术批评却较难理解,下面,我们试对美学和批评简单作一阐释。

关于美学,积极支持DBAE的艾斯纳曾这样解释:“美学方面的专门知识是把一整套久已存在、见识颇深的思想介绍给儿童和成年人,一些从未得到解答的问题。”〔7〕例如:艺术品必须是美的吗?伟大的艺术品一定寓有力量、高贵等主要思想吗?评价艺术家的作品要了解他的创作意图吗?这些问题旨在为孩子们打开一个艺术世界,让他们加入到这种千古对话中去,作一些美学上的思考,这正是形象创作无法做到的。批评如何介入呢?其实批评就是谈论艺术,利用孩子爱讲话爱争论的特点,可以使批评很顺利地引入课堂。一般可以把批评分为四个阶段:

1.简单描述阶段:看到了什么?包括物象、形状、色彩、线条等等。

2.形式分析阶段:作品如何组织?如:画面是否对称?线条间如何联系?运用了什么技法、材料?等等。

3.意义解释阶段:作者要说明什么?如:作品的意义是什么?社会经济文化、作者思想个性与该作品的关系是什么?作品中传达出什么氛围、观念、思想?

4.价值评定阶段:你的印象怎样?如:你受到感染吗?你对这件作品有什么感觉?等等。

前两个阶段的问题重心在于你看到了什么,而不是你印象如何,要防止学生过早轻易地下结论。解说阶段,教师可以运用恰当的语言解释作品,提高学生艺术修养。在前三阶段的基础,最后让学生评论作品价值。

DBAE的课程设计是统合的,即把美术创作、美术批评、美学、美术史统合在一个完整的单元教学中同时教授,由简入繁,系统展开。这样,可以帮助学生扩大艺术知识面,了解种种文化涵义,并通过视觉艺术进行思想交流。因此,DBAE要求有一系列设计严格的、反映出四方面修养的特殊教学主题。例如:以风景为主题的教学可以有:讨论大自然的景物,可否称为艺术品(美学);学习从形式与分析开始评审一幅荷兰派的风景画是狂暴或是孤凉(艺术批评);认明荷兰、法国、中国的写实派与想象派风景画的典型风格,并研究大自然如何可以理想化和抽象化(美术史);使用粉笔和海绵绘画的技巧创造空间的幻觉和自然景物(艺术创作)。〔8〕作为美术教师,应该善于从简单的美术行为,如常见的风景写生,进行意义重大的扩展。虽然DBAE四方面内容无需分而教之,但教师应清楚地意识到其中的每个方面,将它们有机地溶合在一起。

DBAE强调美术教育的本质性价值和课程结构的完整性系统性。学生不仅学习如何制作艺术品,还学习如何欣赏艺术品,了解有关的时代背景知识——作品所产生的社会环境。由于盖蒂艺术教育中心的研究、实验和大力推广,这一理论已产生了广泛的影响。人们期望,它能够有效地提高学生的艺术修养,使他们了解文化与艺术、内容与形式之间的关系,学会客观评价艺术品,具有更丰富的艺术知能。

美术教育范文第6篇

关键词:美术理论美术教育重要性

我国现代意义上的美术教育从20世纪初发端,经过了渐兴、停止、恢复、发展等阶段的近百年的发展,今天已呈勃勃兴盛之势。但在这兴盛之中,却也呈现出某些问题,这些问题既阻碍着美术院校的发展和完善,又对一些美术从业者和学生的发展存在不利。

一、美术界人士对美术理论还应更加重视

近年来,中国美术界经历了一波又一波的艺术浪潮,从“85美术”到“波谱”“玩世”“泼皮”“艳俗”等。在这一波波的艺术浪潮中,有些艺术家由于相对欠缺较深厚的理论知识基础为基奠,缺少对中西方艺术史和艺术背后的整体知识的系统了解,致使他们在这些艺术浪潮中虽不乏创作了固于本土而面向世界的时代力作,也有一些单纯模仿西方艺术样式的矫饰的作品。

叔本华曾说:“人类总免不了会犯同样的错误。”在今天的美术界,有些人仍视美术理论为美术创作的附庸。比如笔者的一个小有名气的艺术家朋友就曾不屑地认为“艺术家所需要的是灵感,是手上工夫,是情感的体验,而不是理论。”笔者认为,如果没有理论知识的积淀又何来灵感?没有理论知识引导情感表达创作定会显得苍白无力。今天,有些青年艺术家都把自己一头扎进画布而不学习理论知识的现状,并把这些视之为是对艺术的另一种“执著”。然而,笔者看来,他们中有些殊不知这份“执著”有令人扼腕的叹息。

有几次,笔者遇到几个某专业艺术院校毕业的自由画者,他们问:“谁是八大山人?”令人啼笑皆非的是,一个年轻的男孩还问到:“是八个大山人吗?”笔者啼笑皆非。然而,当我们了解到有些专业美术院校的课程设置,我们就不难理解为什么会有这样的状况出现。在我国,有些高等美术院校的课程设置,其美术理论课所占的比重相对不高。一些绘画专业在有些学校在设置的专门的美术理论课课程上存在安排得不足。一些学校的美学概论、中国美术史、西方美术史等被列入公共文化课范围内,总课时约占公共文化课的30%左右。

二、从西方学者的观点,谈美术理论的重要

西方本质主义美术教育家艾斯纳和格内尔认为,美术是人类文化和实践极其特殊的一面,人类的美术能力不是自然发展的结果,而是教育和学习的结果。因此,艾斯纳和格内尔认为,美术教育作为现代大众化教育的一支生力军,其最合理的专业课程设置应该包括下面四大部分,即:美学、美术批评、美术史和美术创作。在艾斯纳和格内尔的这份课程列表中,美术理论所占有的比例明显很大。由此可见,西方美术教育者对美术教育理论素质的重视程度相对还是较高的。

美学是与人生价值问题相联系的。美术院校通过对美学课程的设置可以使学生在对美的本质、形态、类型等问题的了解的同时,增强对美的感悟、认识、鉴赏和判断能力。而美术批评是在美术欣赏的基础上,根据一定的标准对美术作品与美术现象所作的理论分析和价值判断。对美术批评的学习,可以培养学生敏锐的艺术感受能力,清晰的思维能力和高层次的审美判断能力。而美术史的学习,对于艺术院校的学生来说就更显得重要。学习任何专业的人,都应对自己所学的专业的历史有一定程度的了解,知道自己所学专业在历史进程中所处的位置、状况。俗话说:“读史可以使人明智。”美术院校学生通过对中西方美术史的学习,不仅可以认识和了解过去美术史的发展和现状,更在于他们可以去传承其中优异的部分,去开拓更加宽广的艺术局面。对于美术院校的学生来说,学习美术史更为重要的是,他们可以从我国丰厚的文化积淀中去汲取养分、获取灵感。师古人、师传统,犹如师造化一样都是我们重要的学习方法。

三、从美术教育的本质看美术理论的重要

中国美术教育是在20世纪初蔡元培先生的“以美育救国”的口号下发展、壮大的。“美育救国”在今天仍然具有发展国家,提高人们审美意识的时代紧迫感。因此,美术教育在今天作为大众化教育的生力军,其本质仍然是“美术文化和审美文化的教育”。面对社会上各行各业的人们对美的要求的日益高涨,美术学院作为有一定社会责任的社会教育机构,所培养的人才理应是适应社会,进而改造社会和引领社会发展方向的,具有独立审美自觉的人,而不应仅仅是单一的技能操作者;所培养的理应是服务于社会,也服务于自己的美术工作者、美术教育者和美术热爱者,而不仅仅是所谓的艺术大家。

在我国当代高等美术院校中,只有既重视专业理论又重视专业实践,使两者相结合的教育方式,才是最合理的审美教育的途径。专业理论和专业实践这两者相对而言,专业理论是“虚”的教育,其重视的是精神素质的培养;而专业实践课则是“实”的教育,其重视的是技能和技巧的培养。只是当这“一虚”“一实”相结合时,既重精神又重技能时,才是最有益于一个审美的人的发展。

结语

美术理论是重要的,无论是对于一个想要在实用美术领域中有所收获的人,还是一个想成为艺术大家的创作者来说都如此。好在目前已有越来越多的人已意识到它的重要性和不可替代性。正如一位当代西方哲人所说,在艺术领域,你的理论知识和思想意识的多少与高低将决定着你的眼界有多高,也将决定着你在这条路上能走多远。

参考文献:

[1]高名潞等著.中国当代美术史1985—1986.上海人民出版社,1997年版.

美术教育范文第7篇

(一)“个性化”是美术教育的重要特色美术贵在创新,而创新需要个性。我们都知道,学校教育应该促进学生有个性的发展,这才是教育的真正的价值。忽视个别差异性,泯灭个性发展,其实就是美术教育的悲哀。学生在美术的学习过程中,个体的差异性源于学习过程中所表现出来的兴趣、爱好、感情、习惯、能力、气质、素质等多方面的不同,作为美术教师必须尊重学生的个性表现,开发学生的思维想象,培养学生的创新意识和探索精神。在当代全球一体化的信息时代,国际艺术现场与实践活动展示的是艺术家个性化的发展,在艺术的实践活动中充分发挥自己的想象,用自己熟知的艺术语言,去实验、实践、实现身体在行为中的艺术状态。然而今天我们所面临的尴尬教育现状却是教育没个性,没创想。有的是机械化的教与学,“标准化”的复制和继承,这与现代教育理念注重人文精神的培养、注重独立思考、注重创新的观念背道而驰。美术原本就是门实践性很强的学科,我们的实践是要有独到见解和个性张扬的。支撑“实践”的当然是“理论”的知识。身为教育者我们除了提升自身的技能、技法,思想观念的更新尤为重要。要从“本本”“、标准”转向“人本”,以“人”的个性、追求以及掌握知识的量和质为“本”。抛弃我们在传统的美术教育中只看重技法的传授和示范,忽视对作品艺术内涵的发掘和对学生主体情感的启发。让我们的学生真正地走进“画”中,体会“画”的魅力。

(二)明确美术教育的目标促进教学美术教育是立足“美术”学科而开展的教育活动。在美术教育系统中,我们既可以理解为是关于“美术”的教育,也可以是服务于“教育”的美术教育,这两种不同的理解直接造成了教育理念的截然不同。由此,美术教育的内涵是复杂多变的,无论哪一种取向的美术教育,只要是发生在学校之中,它都离不开“教育”这种实现手段。在高校美术教育中,我们更多的教师将其理解为一种侧重于“美术”的教育,其主要目的及功能就是努力实现美术知识与技能的传授。因为关注的是美术学科本身,故其教学内容过分地注重技法传授,使得美术教育局限在技法教学的单一层面上,教育方式也未能游离“师徒传授”模式。美术学科的重感情、重创造与重个性化特征,因而也一直未能在高校的美术教育中得到充分体现,才导致我们多数的美术教学出现学生高能力的模仿教师技法表现,而缺乏对作品的个人情感表达。当代教育非常强调通过对话、交流、启发,唤醒学生作为学习主体的持续的内在学习兴趣和动力,学会学习,在教师的帮助与指导下成为自我学习、自我发展的学习者。美术教育也应如此。在教育中的美术实践活动可为受教育者学习生活、掌握经验提供一个“窗口”,使人们学习到许多真实、具体、广阔的生活图景和各方面的知识。同时它对人们有着美化心灵、美化生活的意义与作用。因此在教学过程中,明确美术教育的目标指向,教学内容、教学方法的选择有所侧重,在强调美术教育的过程给学生带来情意的积极影响时,重视的是学生在训练过程中的情感态度的参与,而不是太过于关注学生作品完成的最终效果。高校美术教育应该是以美术学科教育为中心,兼顾学生个性心理发展,使学生的能力获得提高的同时,内在品格也得到完善。

(三)美术教师思想转型的重要性美术教师是美术教育中重要的知识传播者,教师的专业素养及个人的教育思想观念决定着我们高校中美术教育质的转变。众所周知美术十分重视个性的表现。任何一件美术作品,从制作到最后的完成都包含着艺术家不同程度的创造,否则这件作品的价值就会大打折扣。美术总是与创造相伴。同样,美术教育在训练学生的创造性能力方面也有着得天独厚的优势。美术学科虽然有利于发展学生创造性思维能力,但在教学过程中,如果处理不当,不仅不能开发学生创造力,反而会扼杀这种能力。我们一贯的美术教育模式就存在这一弊病,教学中注重临摹,重技巧技能的训练,学生学习美术被套上了许多框框,创造力受到极大抑制。因此美术教师对学生的教育,并不是单纯的把美术知识与技能直接地传授给学生,而应该是要教会学生在接受美术知识与技能过程中学会如何“学习”,并非机械的复制模仿。

同时,美术教师还应该清楚认识到,美术教育首先应该是通过训练人的感觉器官,让学生具有一双审美的眼睛。因而在美术教学的各种实训学习中,注重学生对形式特征与形式美规律的感受,如形体、空间、质感、光色、节奏、韵律、多样统一、对称、均衡、对比、调和、反复、渐变等,才能提高学生的视觉审美,从而培养出学生的创造力。虽然一直在对美术“技能”教育有很多质疑,但并非完全否定“技能”在美术教育中的重要性。作为高校的美术教育,它应该显示的价值既在“美术”,又在“教育”。教师应该在教学中把握好度,在技能的训练中,通过不断的动手操作让学生学会造型必须掌握的一定技能技巧,如用线、用色、构图、空间处理等基础知识。

此外,美术理论知识的教育也至关重要。美术教师除了向学生传授与美术技能有关的理论知识外,还必须配合美术技能对学生实施美术理论教育。通过美术理论知识的教育,学生在美学基础、美术史常识与文化以及美术作品的欣赏与鉴赏、批评等多方面知识获得系统的教育,从理论的角度提高学生的直觉思维能力,使学生不仅具有一双审美的眼睛,而且,对美术史及文化现象有着全方位的了解,并在文字的表述方面获得提高。只有这样我们的美术教育才真正做到了人类文化的继承与传播。

二、结语

美术教育范文第8篇

很多中学在办学上面临着相对的压力,为了发展和生存,普遍都办起了美术特长班来进行美术特长教育提高高考的升学率。于是,美术特长教育便成了另一种形式的应试教育。也因此,其培养目标、课程设置、评分便准等方面都是紧密围绕高考的,仍然摆脱不了"应试教育"的阴影。可以说,美术特长教育存在着许多误区,现分析如下。

首先,现在中国多数地区的多数美术教育教学课程体系已经逐渐转向了几种固定的培养模式当中。比如常在学生口中说的“央美风格”“国美风格”。不同地区美术教学课程的模式不同,训练方式各有特点,也使得很多人开始关注现代中国高考美术教育现状的同时并对此展开了相对应的不同看法。其次,高中生在步入高中的时候,学校领导怕学生文化成绩跟不上,不允许进行专业学习,使得学生在忙碌一天后在期盼中精神得不到集中的学习而白白浪费了2年的时间,而进入高三时学生又要抓紧学习又要抓专业,使得很多学生没有两边都抓不好或者一边倒,这便使得高中美术教育逐步畸形发展起来!与此同时高考美术的方式也越来越趋向简单化取巧化,一些美术高校为了考试时省事和减少考试费用,一些学校在校考是考默写或者画照片的。所以,很多考生出现了针对性的训练最后在考试时只会默写而不懂得写生、只会画头像而不懂得画静物、只会画照片而不懂得画模特等现象。再次,有些美术高考班为了提高升学率,会指导学生“背画”,把一些取巧性质的东西教给学生,使得学生达不到高考美术标准,这种行为以牺牲学生的前途为代价的同时带给社会的只剩下诸多的负面影响了。

此外高考美术教育也成了一些学校为了提高升学率的便捷途径,学校将一些文化成绩较低的学生利用思想上的引导,使一部分学生加入了美术高考生的行列中,便形成了另外一种文化成绩低,专业成绩低的现象,最后学生升入高等院校后也逐渐变得很盲目起来。而且如今高考美术教育大多都是临时抱佛脚,这些学生基本对美就没有足够的认知能力,也不知道如何去评价美术作品的好坏,大多为了考上大学而转投美术,这样便使得如今美术考试的评分标准及入取标准越加不公平起来,往往一些绘画功底不够的学生因为文化课好便被入取,使得一些好苗子因为文化成绩不够不得不被淘汰到了并非专业的综合性大学,使得大量人才被这种现象所埋没。

二、应试美术教育应改革

著名的教育家朱青生曾这样讲;“艺术教育是人格教育的必要组合;是人性完善的滋养手段。当人类的灵魂泯灭之后,唯靠艺术维系人类精神生存。”在当今社会,现代高考美术教育不仅是要让学生如何学会画画,而是应该在学会画画之前学会认识美、评价美,从而再去传授绘画并去创造美。并通过美术教育陶冶他们思想情操,培养他们健康的审美情趣和崇高的审美理想。

现在的高考美术的专业训练基本还是以传统美术教育中的素描、色彩为主,训练上也大多按照老师教的模式进行,从而出现一种现象一个画室学生他们的风格是一样的,也就是说他们对于绘画的思考已经被限制住了。当然传统美术教育中所讲的美术基本功训练,也不单纯就是素描、色彩写生,对美的敏锐、独到的感觉以及迅速扑捉这种感觉的能力,也是一种重要基本功,而不是有的人所认为的“无用功”。因此,现代美术教育实施变革,破除与新的生产关系不相适应得成规、定律,解放美术教育生产力。

将培养创造性思维作为美术教育研究的核心,按如今时代对新的人才综合化、整体化的要求,将原有教育体系中的科学、合理的、有生命力的部分结构保留下来,不再去寻求建立的统一美术教育体系,而制定出各具特色的教育方式,互相拉开距离,以多元化的风格流派适应现代信息时代社会的不同需要。这是扬弃,不意味着放弃传统和基本功的训练。高考美术教育不应以为大学输送一批又一批的美术生为其唯一的目的,更重要的是能最大限度地挖掘人们的创造力、培养能与信息时代接轨的美术人才,培养和造就具有完美人格的新型人才以适应社会需求,只有这样,高考美术教育才能真正成为把握住并使得人才不会浪费;只有这样,高考美术教育才能尽早地与社会结合,并且在这块肥沃的土壤上开花结果。